“画家抄摄影家是常事”

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摄影师教你如何像画家一样思考和构图

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很多年以前，我在印度北部旅行时结识了一位知名的英国艺术家。当时我们住在同一家酒店，一座由宫殿改造的舒适的住所。他每天都带着水彩、画架、折叠椅和素描本外出，正如他所说的，“去获取灵感，并观察世界的变化”。

清晨根德格河中洗浴的朝圣者

有一个傍晚我看见他拿着画笔站在画架前，于是决定看看他会做什么。很快他就完成了工作。但是当我看到他的作品和真实场景之后，惊讶地发现二者竟有如此的不同。他在画稿中省略了大量细节，并加入很多自己的东西。他向我解释说自己很少完全按照眼前的真实场景绘画。“我追求简单，”他说，“我只画自己认为作品中需要的，而非所有我看到的。”“这当然是一种表达方法，我对场景进行提炼，但要让它充满趣味。”
当时的我刚刚开始自己的摄影职业生涯，这件事为我揭开了新的一页。在这次简短的对话之后，我突然意识到，作为一名摄影师，我也可以以同样的方式工作。从此我开始以画家的眼睛观察世界。当然这需要坚持、 耐心、时间和运气，但在这个过程中我学会了放慢步伐。我开始花时间来观察事物，耐心等待一样物体进入或离开画面，并且会有意识地自觉地进行构图。我开启了一个项目，要求自己学习模特的生活方式，接近他们，了解他们，同时广角镜头成了我的主力器材。

恒河泛滥后的平原

画家的观察方法，是首先看到形状，其次是细节，这就是为什么他们经常眯着眼睛观察的原因。这样做具有凸显形状，过滤无关细节的效果。我也尝试着保持照片的简洁，尽可能地选择干净的背景并突出主体，同时保留整体环境。
我拍摄的人物通常完全沉浸在自己的环境中，我就尝试在照片中反映出这一点。利用构成和谐且平衡的元素，诸如光线、影调和对称构图。照片需要引起观众的兴趣并赏心悦目。眼睛喜欢被引导，秘诀就是不要让它们“无所事事”。正如我的英国画家朋友所说，“让画面充满趣味”。

（编译/新摄影）
关于作者：

Nick Fleming在印度北部及英国进行拍摄。他在伦敦开办了一家摄影工作室，针对所有水平的摄影爱好者进行授课。

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女画家和摄影大师的旷世之恋
2011年10月24日经济观察报

远方的爱人

年龄相差24岁，相识31年，住在一起的时间不到4年。20世纪美国最著名的女画家欧姬芙和现代摄影的先驱之一斯蒂格利茨的结合，可谓是艺坛神话。斯蒂格利茨为欧姬芙拍摄的全裸摄影集，曾经引起世人的议论纷纷。而其5000多封书信以其同样的赤裸引人关注。
早在欧姬芙活着的时候就有了一批狂热的粉丝，他们千里迢迢来到穷乡僻壤新墨西哥州的阿比丘，目的就是为了见欧姬芙一面。然而她希望的是别人离得远远的，不要来打扰。传言，有人来敲门，原来是一群热情的学生。“欧姬芙小姐，我们远道专程来看你。”她立在他们面前，冷冷地说：“好吧，这是我的正面，”然后又转过身去，“这是我的背面。”最后，当着众人的面说：“拜拜！”把门关上。
年龄相差24岁，相识31年，住在一起的时间不到4年。20世纪美国最著名的女画家欧姬芙和现代摄影的先驱之一斯蒂格利茨的结合，可谓是艺坛神话。斯蒂格利茨为欧姬芙拍摄的全裸摄影集，曾经引起世人的议论纷纷。而其5000多封书信以其同样的赤裸引人关注。
《我远方的人：乔治亚·欧姬芙和阿尔弗莱德·施蒂格利茨书信选：第一卷，1915-1933》一书，首先令人惊讶的是其庞大的规模。大开本，字迹密集，超过800页。这自然引出一个问题，欧姬芙是否是经得起推敲的天才，值得如此隆重的、虔诚的对待。
很多人都曾在美术馆、画册里欣赏过她的画。无论主题是沙漠、花卉或牛骨，欧姬芙的画往往只用少数几种颜色，表现形式简单，让人留下深刻印象。
早在欧姬芙活着的时候就有了一批狂热的粉丝，他们千里迢迢来到穷乡僻壤新墨西哥州的阿比丘，目的就是为了见欧姬芙一面。然而她希望的是别人离得远远的，不要来打扰。传言，有人来敲门，原来是一群热情的学生。“欧姬芙小姐，我们远道专程来看你。”她立在他们面前，冷冷地说：“好吧，这是我的正面，”然后又转过身去，“这是我的背面。”最后，当着众人的面说：“拜拜！”把门关上。
除了对艺术界的影响，欧姬芙对时尚界的影响也非常大，很多品牌都相继推出了致敬产品：匡威的鞋面曾经印上过具有水彩画质感的大色块花朵图案。雅诗兰黛名为欢沁的香水灵感源于欧姬芙的《白花》和《奇迹之花》。古奇的掌门人也曾从欧姬芙那里汲取抽象的色彩灵感，扎染式的印花正如她笔下大片的花瓣一样。
从某种角度看，欧姬芙是原创性的画家，但是她早期作品中鲜花和天空的纯净繁茂，最终固化，程式化。她声称她的灵感来自大自然，但是她的绘画——极端简洁的形式和接近抽象的风格——也许得益于与特写摄影师保罗·史川德的交往，史川德是施蒂格利茨圈子中的一员，也是欧姬芙的亲密朋友。
当我们想到欧姬芙，最可能想到的是晚年一身黑衣的她，那时候她在新墨西哥州有个农场，经常开着福特A型轿车在红色的山间漫游，汽车后座上安放她的画架和画布。欧姬芙在世间活了98岁，即使头发花白，她为摄影摆出姿势也绝不害羞。仿佛是实践她的艺术中表达的泛神论精神，欧姬芙本人堪称一个美国的，自然的，开敞的，未经美化的真实典范。

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由自然所滋养，不过欧姬芙也受益于阿尔弗雷德·施蒂格利茨的教导，施蒂格利茨是著名的摄影先驱和艺术品商人，他在第五大道上的画廊如今已经成为纽约的圣地，这里也是现代主义在美国扎根的地方。欧姬芙1924年嫁给了他，在此之前他已经为她的作品开了展览，经常以她为模特并把她奉为缪斯。他给她拍了几百张照片，深深迷恋她的私密处，她舒展的手指，雪白的脖颈和帅气的邪恶女巫般的脸庞。
在《我远方的人》中，华盛顿国家美术馆的资深策展人萨拉·格里诺把650封信编成一卷，撇开她的艺术作品不谈，这本书基本上就是一个用最浪漫的手法搭建的爱情故事，这并不是说欧姬芙和斯蒂格利茨完全情投意合，但是隔着几百英里的安全距离，这对夫妻体验到了最真挚的交流。5000多封信件能够保存下来不得不说是个奇迹。这些信大多封存在耶鲁的拜内克图书馆，欧姬芙要求在她死后20年才可以公开(她死于1986年)。
欧姬芙和斯蒂格利茨的故事开始于1915年8月，当时欧姬芙27岁，是弗吉尼亚州夏洛茨维尔市的美术老师。而施蒂格利茨51岁，瘦高个，大胡子，已经是功成名就的文化人物，经常身穿黑色的斗篷在格林威治村里游荡。他们在这一年相遇。当时她去他的画廊看约翰·马丁的展览，随身带着一本他出版的杂志《相机作品》，“我不能开始就告诉你，”关于杂志，她后来写道，“我有多喜欢它——我总是把它放在房间里我能看到的地方。”
她在写给“斯蒂格里茨先生”——一开始她这么称呼他——的信是女孩气的，表现得非常谦逊。到了1916年，她在德克萨斯州阿马里诺南部的遥远大峡谷找到份教师的工作，在此地的信中，她给他讲述当地的天空、月光、平原和凛冽的风。时不时的，她还附上素描和水彩画，总是敏感地声称“画得很糟，也许他们会寄丢了，如果真的丢了我会很高兴”。
欧姬芙很少使用标点，而且拒绝分段。你可以为她辩护说，她是一个画家不是作家。但是这完全说不通，世上并不缺少艺术家写的优美而雄辩的信件，最有名的是梵高写给他弟弟提奥的信。
当时，斯蒂格利茨与一位啤酒商的继承人结婚，婚后他感觉生活暗淡，毫无生机。欧姬芙充满深情的信让他复活了。他在她身上看到了什么？一位天才的艺术家，一位抽象画的大胆探索者，不过也有幻想的天真，这在他内心引起一股兴奋的父亲般的感觉。在他眼中，她是“一个伟大的女孩”，他对欧姬芙的爱称包括“我最钟爱的伟大的孩子”。
斯蒂格利茨1864年出生于新泽西州的霍博肯，是一个德国犹太移民的儿子，斯蒂格利茨无疑是美国艺术的功臣，为了让美国艺术现代化，他为本土的天才画家像欧姬芙、亚瑟·德福和马斯登·哈特利等人举办展览，此时的欧洲人还把美国看做一个满是牛群和欢快的土包子的国度。
作为最忧郁的罗密欧，斯蒂格利茨在信中抱怨自己的鼻窦炎和失眠症，他的头疼和紧张的神经。从信中，我们得知：他的咳嗽如此顽固，“会让我的头爆掉”，他的头皮总是痒。他的眼睛像在“燃烧”，他的脚像走在“火上”，因为被沮丧击倒，他渴望每天晚上的“蒸气浴”，以面对失眠的挑战。
这种奇异的书信调情持续了两年，她在信中狂想平原和天空，而他声称自己“卖的都是垃圾，一堆旧货，没有活力”。到了1918年，他最终安排她离开德克萨斯搬到纽约，当欧姬芙到达纽约中央车站的时候，高烧不退，喘息不止。
两人的关系在纽约乔治湖，斯蒂格利茨的夏季别墅里得以升级。那是一个雨夜，后来每到这一天的纪念日，他都前往此地。“8月9日，自从你把你的贞操给我已经1年了，”他在1929年夏季写道，“雷雨交加……我依然看到你的脸庞，甚至完全能感觉到它，——我看到你全身赤裸，盖着毯子躺在地板上——像只受伤的鸟，非常可爱。”
这本书信集中也有令人脸红心跳的亲密，读者可能会深刻意识到：一个人不知道“绒毛小姐”——他给欧姬芙的生殖器起的爱称，就永远不能理解斯蒂格利茨拍摄的那些照片。在斯蒂格利茨的字典中，“绒毛”的动词形式“拍松”指的就是做爱，一个女人如果她的价值主要体现在她的床上功夫就是一个“松软物”。
到了20年代末，斯蒂格利茨陷入了与一位鹿眼的助手(多萝西·诺曼)的爱情事件，当时欧姬芙在新墨西哥州友好的流浪艺术家中待了几个月。“你知道我看重作为艺术家的你，”斯蒂格利茨在狂乱的时刻写道，“别人不看重……我要干你直到死去，你也为此准备好了——你身上再没有比做爱更珍贵的，我也常常这样告诉你。我也应该干到自己死去，也许干到你死去，我也死了，这样更明智。”
与斯蒂格利茨坦白自己的伤口不同，欧姬芙并没放下铠甲。在信中，她既不分析也不反省自己，这虽然令人失望，但她也提醒了我们，一个拒绝透露，守口如瓶的女人也自有其魅力。
并非只有斯蒂格利茨一个人把欧姬芙的艺术看做生殖器。自20年代开始，她画的那些花朵，那些有着幽暗的中心和肉体褶皱一般的花瓣的花朵，很容易让人联想到女性的生殖器。每次采访者问是否作品中有性的暗示，欧姬芙总是否认。她说，别人怎么想是别人的事，我画我的画，我画我的花，那些想法只是反映了看画者的思想。无可置疑，她有否认一切的权利。
今天我们仍然能看到《蓝线》这幅欧姬芙的名画。斯蒂格利茨对画非常迷恋，曾经要求欧姬芙答应他，让这幅画和他一起火葬。不过后来，她没有满足他的要求，《蓝线》今天收藏在大都会博物馆。斯蒂格利茨死于1946年，当时他们还保持着婚姻关系，但是这本书信选到1933年就结束了，真是吊人胃口。他们之间还发生了什么？800页的书好像揭露的远比隐藏的多，这就是欧姬芙传说的神秘之处。

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[zt]我们画画的人看不上摄影的，他们只是按一下快门就可以得到想要的东西，太偷懒了，不能算艺术。
当我听到谢君度老师参观李元风光摄影展这番开场白时，吃惊不小，不由得把惊奇的眼光投向了他。
但是，李元先生他深谙美学原理，精通此道，实乃高手！我再次把惊异的目光转向了他。
谢老，这位早年便享誉画坛的漫画家，在近60年创作中，作品无数，多次在《人民画报》等权威杂志刊登。
虽然早已习惯他语出惊人，但还是惊诧于他的敏锐和犀利。
站在展厅第一幅作品前，谢老娓娓道来：


这幅画给人第一感觉就是赏心悦目，溪流衬托了绿叶的青翠，成了它的背景，散落在溪石中的枯叶，看似不经意，其实与绿叶也是一种对比，这个对比很重要，枯的颜色，更衬托了绿叶的青翠。


这种三岔树并不少见，但侧光过来，能把三岔都打这么亮，这么漂亮的难得！樱花本来就漂亮，整个画面就不用说了，一地浓茵呼应了缤纷的樱花。


这个画面的总体是冷色调，曲线非常优美，唯一的直线就是这截木桩，也是这幅画的着眼点。


流动的小溪的美自不必说，天边的霞光与山石相映成趣，最绝妙的是右侧的树枝，构成了两个三角形，就像个取镜框，不懂艺术的人是绝对拍不出来的。


这一幅几乎要怀疑它是人工打出来的光，两边辅助的，但却是真的，前、后景都只是弱化，并没有彻底消失，仔细找还有很多影子，这光用得！绝无二人！


这个玛尼堆限于实际的吧，如果右上角不是平的，有个向上的角度，又能跟雪峰构成一个峰，那就更完美了！



这幅实在太完美，太震撼！到目前为止，还没看到用直构图拍彩虹过，一般都是整条拍，而这里只是截取了一小半，而且仅是左侧近景仙人掌（霸王鞭）的陪衬，它才是这里的主角，主杆与画框平行，会显得呆板，但左侧三个小岔，恰到好处地避免了这个缺陷，而上面的小鸟，提供了仙人掌大小的对比，前景的小树，本身每一棵都体态优美，在彩虹的背景下，更加多姿，右下侧的鸟窝，又给人生生不息，自然和谐的意境，这一般人绝对做不到！李元大师做到了！
我不得不佩服谢老的细致、独到、精辟！
转眼看到一幅画面：晚霞正远远地起，我似乎看到了李元大师淡淡的心、浓浓的情。
艺术是相通的，两位不曾会面、不同领域的艺术家，这短暂的交流，已经产生了共鸣？
我还要来的。
谢老临走，依依不舍，留下此话。
我有了新的企盼：何时，两位艺术家，面对面，碰撞出艺术的火花与我们分享？

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卡拉瓦乔 画家还是“摄影师”？
作者：怀心  2009-3-17    [url=]来源：artspy艺术眼[/url]

卡拉瓦乔

卡拉瓦乔（Caravaggio），这位受人尊敬的巴洛克艺术大师，16世纪杰出的画家，其作品以写实的风格栩栩如生的表现了光与影的妙处···而现在，这位著名画家现在已经了另外一个噱头的主角，他被大家吆喝成了最早的摄影艺术大师。在真正的照相机正式登场之前两百年，他已经开始运用“摄影”进行绘画创作了。
学者们一直怀疑卡拉瓦乔那些令人惊叹的写实绘画作品是使用原始的暗箱照相的方式获得的，而现在，这个怀疑在某种程度上得到了证实，研究人员已经发现卡拉瓦乔在创作中使用了最初被了解到的一些摄影原理。几个世纪前的艺术家们，包括卡拉瓦乔，他们已经知道如何使用透镜和镜子来获取影像，这个方法在达芬奇的笔记里已经有记载，卡拉瓦乔和其他艺术家们从这个方法里获得了的灵感。
但事实还显然不止如此，研究人员进一步发现，卡拉瓦乔在这方面技术的运用已经超出了人们能想象到的范畴。
“我们之前已经确定卡拉瓦乔用这种透镜和镜子的方式捕捉到了他的模特的形象，但我们还在他的画布上发现了水银盐，这是对光特别敏感的物质，通常都用于呈现“影像”的用途，”佛罗伦萨SACI研究所的Roberta Lapucci说。
卡拉瓦乔把这样的化学药品涂抹到自己的画布上，有了药品的画布能捕捉到一个“影像”，这些“影像”就成为了他绘画的初步草图。
专家们说，卡拉瓦乔们只要把整个工作室做成一个巨大的暗箱，但暗箱是黑的，不能有光，但人又不能在黑暗里作画，这样就需要X -射线荧光来显示水银盐在画布的什么地方，但这样的‘影像’只会持续30分钟，而且只有在黑暗中能看到，因此卡拉瓦乔使用白色含铅的绘画颜料，混合着色泽明亮的硫酸钡在黑暗中作画。卡拉瓦乔的St Matthew and the Angel可能就是通过这样的方式完成的。专家说，他们已经在卡拉瓦乔的作品中找到了这些东西的痕迹。
以现在的眼光来看，不管卡拉瓦乔是一个画家还是“摄影师”，他作为艺术家的身份都不会被动摇，杜尚好像有过类似的说法，一个人是不是艺术家并不是通过他的作品来体现的，他可以是艺术家，但却一个作品都没做，所谓生活即艺术是也。所以，如果这么说的话，卡拉瓦乔当然是称职的艺术家啦，他通过自己的聪明才智不辞辛劳的把自己对图像的出众理解体现在画布上，至于那是出于自己的绘画技巧还是摄影技巧又有什么重要呢？

卡拉瓦乔的St Matthew and the Angel