八位艺术家

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八位参展的艺术家年龄不同，各具风貌。　　吴长江：　　
　　现任中国美术家协会分党组书记、常务副主席，中国人民大学艺术学院名誉院长，中央美术学院教授，中国西藏文化保护与发展协会常务理事。
　　曾获“第八届全国版画展优秀作品奖”(1983年)、“国际青年美展鼓励奖”(1985年)、“挪威国际版画展评委会奖”(1989年)、“第十届全国版画展铜奖”(1990年)、“第十三届全国版画展铜奖”(1996年)、“时代风采——全国写生画展佳作奖”(1998年)、“80—90年代优秀版画家‘鲁迅版画奖’”(1999年)、中国文联“采风成果奖”(2001年)等奖项。
　　老一辈艺术家李焕民品评道：“他的石版画《西藏组画》、《高原牧场》、《尕娃》等，呈现给读者的是艺术家创造的精神空间，饱含人与自然相互依存的哲理。大雪过后，草原一片雪白。牦牛背上，帐篷顶上都被积雪覆盖，雪中露出的木棍、绳子都显现出生命的顽强。生活在高原上的牧民对艰难的无畏、对自然的敬畏，是他们深入骨髓的宇宙观。在艺术家眼里，艰难铸造的美，是人类最本真的美”。
　　中国艺术研究院中国油画院院长杨飞云评价道：“自从他(吴长江)毕业创作画了西藏石版画后，从此一发不可收拾。一路画过来，西藏成了他绘画的主要载体，每年都要去西藏写生。西藏不是他在绘画中设定的形象符号，更不是异地风光去猎奇，他从不表现藏民的愁苦与艰难，而更多的是去体验那种天籁的安宁，体验那种朴素、真情”。
　　美术评论家、中央美术学院《美术研究》杂志执行主编殷双喜评论道：“吴长江的艺术实践，再次说明了，较之抽象绘画，当代具象艺术家更有条件来展示人类的生存处境与历史思考。在这一层面上获得的真实表现，将使我们再一次回溯古典写实绘画的本源，超越肤浅的再现，直抵人类的心灵之境，那才是真正的审美之维”。
　　吴长江出版有《吴长江人体素描选》、《现代艺术家风范——吴长江人体素描》、《吴长江素描集：青藏高原行》、《吴长江的世界》等个人画集17册。
　　作品为中国美术馆、人民大会堂、大英博物馆、德国路德维希博物馆、美国波特兰博物馆、日本东京日中友好会馆博物馆、挪威国际现代版画博物馆、比利时弗朗斯·麦绥莱勒版画中心、比利时安特卫普美术馆、英国牛津大学阿什莫博物馆、德国海德堡选帝侯博物馆、奥地利维也纳青年美术馆等多家公共机构收藏。
　　徐冰：
　　现任中央美术学院副院长。
　　1988年获中国国
　　家教委、霍英东教育基金会高校青年教师一等奖。1990年接受美国威斯康辛大学邀请，作为荣誉艺术家移居美国纽约直至2007年。1997年作品《天书》进入美国九七年版世界艺术史教科书《艺术的过去与未来》。1999年由于他的“原创性、创造能力、个人方向和对社会，尤其在版画和书法领域中作出重要贡献的能力”获得美国最重要的个人成就奖，麦克阿瑟“天才奖” (MacArthur Award)。2001年“徐冰”做为词条被编入日本,《大百科全书》。2003年“由于对亚洲文化的发展所做的贡献”获得第十四届日本福冈亚洲文化奖。2004年获得首届威尔士国际视觉艺术奖(Artes Mundi)，及纽约市教育局和高中教育艺术委员会颁发的第96届青年之友奖。被《美国艺术》杂志评为15名国际艺术界年度最受注目人物之一(2004 People in Review)。2006年由于“对文字、语言和书籍溶智的使用，对版画与当代艺术这两个领域间的对话和沟通所产生的巨大影响”获全美版画家协会“版画艺术终身成就奖”。2010年被美国哥伦比亚大学授予人文学荣誉博士学位。
　　这次展出的徐冰版画作品为二十世纪八十年代后期的十幅黑白木刻。
　　徐冰在二零零九年“自序：复数与印痕之路”画册中写道：“......仅限于过去的版画。这些旧作现在看起来真的是很“土”的。......我想，他们是希望从过去痕迹中，找到后来作品的来源和脉络”。二十世纪八十年代中期开始，徐冰对过去的创作有了非常深入的思考和反省，说道：“我决心做一种新的艺术，但新的艺术应该怎样又不清楚。当时读杂书多、想的多，但这画该怎么画?实在是不知道。坐在画案前，心里念念不忘创作“重要”作品，但提起笔只能是糊涂乱沫一阵”。“有一天我在《世界美术》上看到一幅安迪·沃霍尔重复形式的、丝网画的黑白发表物，只有豆腐块儿大小。我便开始对“复数性”概念发生了兴趣，一琢磨就琢磨了好几年。后来索性成了我硕士学位的研究题目”。进入二十一世纪这些思考依然影响着徐冰的创作，“ 今天回看，确实，当代是按‘复数现象’日驱强化的方向发展的——重复的个人电脑界面比起电视屏幕，更自由地出现在世界的任何角落;数字复制让“原作”的概念在消失;生物复制技术也在上世纪末出现了。这些，只是二十年间的改变，却给传统法律、道德、价值观，商业秩序提出了难题，左右着人类的生活。......真不知道人类在下一个二十年，又会是怎样的“复数性生活”。
　　作品被世界各大博物馆展出、收藏，并被多本权威世界艺术史教科书所介绍。
谭平：
　　现任中央美术学院副院长。1989年中央美术学院版画系毕业并留校任教，1989年去德国柏林艺术大学深造，1994年回国继续任教于中央美术学院。
　　美术评论家周肖评论道：“每次站在谭平的版画面前，都能深刻地感受到一种来自画面内部的生命力”。
　　谭平解析自己的作品说：“我的作品是从一个圆的基本图形逐渐过渡与微观的细胞相融合，在宏观与微观之间寻找确切的位置。图像的形式从大的充满空间的圆，渐渐分解成为游动的点，不断游离于这种时间与空间的不确定的平衡中，通过色彩的一次次覆盖，将表层的图像逐渐隐到后面，最终消失于涌动之中，在平面艳丽的色彩后面，有另一个深度与层次，有着暗示与隐喻，意义与象征”。
　　周肖又评论道：“这些自由漂浮的“圆形”，在大面积的黑色中上下游走，愈加纯粹的白色线条仿佛携带着画沙剖玉的笔力任情恣性。在沉静的黑色中，想象它们默默低语，聚拢又散开，带着碰撞的速度感，沉入静默的中心”。
　　作品分别被中国美术馆、今日美术馆 、波特兰美术馆、路德维希博物馆、上海美术馆、深圳美术馆、青岛美术馆、雅昌艺术馆、科灵现代绘画美术馆等机构收藏。
　　苏新平：
　　现任中央美术学院造型学院院长兼版画系主任、教授、博士生导师。
　　美术理论家、《世界美术》杂志主编易英评论道：“苏新平的创作从一开始就有某种神秘感，他将形式赋予生命，生命又存在于一个漠大的空间。他早期的石版画就是这样，人物虽然占据了很大的画面空间，但在一个辽远而似空无的背景空间中，生命又显得很渺小。他的那些人物都有些变形，那种变形并非单纯的形式，而是他对空间感觉的结果，主体与客体共享一个空间，客体在空间的压力下变形，实际上是主体的空间感受在客体上的反映”。
　　作品分别被太平洋博物馆、波特兰博物馆、SETON HALL大学、华盛顿州让特博物馆、旧金山现代艺术博物馆、美国国会图书馆、LUDWIG博物馆、OTSO ESPO 博物馆 、英国牛津大学阿什莫林博物馆、英国大英图书馆、大英博物馆、欧洲木版基金会、新南威尔士博物馆、澳大利亚国家现代艺术博物馆、澳大利亚墨尔本维多利亚美术、新加坡国立美术馆、新加坡大学美术馆、横滨市美术馆、福冈美术馆、台湾师范大学美术馆、中国美术馆、上海美术馆、广东美术馆、深圳美术馆、青岛美术馆、江苏美术馆、北京泰和经典文化交流有限公司、北京国际艺苑美术基金会、北京会议中心、炎黄艺术馆、中国美术家协会上海分会、中国美术家协会北京分会、中央美术学院、何香凝美术馆、北京今日美术馆、红楼基金会等机构收藏。
　　王华祥：
　　现为中央美术学院教授、飞地艺术坊主持、《非艺术》杂志总编、《非艺术联盟》网站总监、西安美院客座教授、江苏版画院名誉院长。
　　作品《贵州人》获第七届全国美术作品展览金奖(1989年)。
　　中央美术学院教授、博士生导师谭权书赞赏道：“王华祥版画作品可贵之处，在于他情感的真诚。他崇尚劳动人民质朴、厚道、开朗、达观的品格，并以这种精神触发创作的激情。在木刻语言上，将强调生活原形概括、强化，而在细节描绘上发挥造型的严谨刻画、一丝不苟，把色彩构成的意识与精深的素描功夫融合为一体，创造出独树一帜的画风。王华祥大胆突破传统”。
　　中国美术馆馆长范迪安评论道：“王华祥艺术展在今日画坛是一个厚积薄发的案例。这个“厚积”包括两方面， 一方面，是他在艺术思维上的厚积。他属于那种思索性画家，在艺术内涵上注入深刻的精神要素，使艺术创作冲动集中向一个有很大难度的领域探索和攻击。另一方面，是外部条件的“厚积"。当代画势的喧闹是让人容易左右不定的.但单调的创作现状肯定不能激活画家的思维，只会使画家陷入无所思求的疲软。外部的厚积才能使画家在碰撞、挤压、淘汰、抗争等状念中催孕出艺术个性，王华祥的艺术就产生在这种厚积的土壤之中。王华祥在艺术上的造诣是有启发性的。他对版画语言造性探索足值赞叹。人们常识中的版画技巧界限被突破了，版刻中的随意性、随机性、多样性和些无序性形成了版画语言在视觉上的强烈度，撑持起作品饱满的艺术分量。他的作品所呈现的视觉效果在当代画坛是一种艺术质量上的刷新，是一种学术价值上的填补。从王华祥的作品中，我感到他的艺术已经有在世界范围内与观众心灵对应的趋势”。
　　作品分别被中国美术馆、上海美术馆、德国路德维希博物馆、英国木版艺术基金会、华谊兄弟传媒集团等机构收藏。
　　出版有《将错就错》，河北美术出版社出版(1994年)、《在虚无与现实之间》，香港Schoeni画廊出版(1996年)、《名师点化--王华祥说素描》，湖南美术出版社出版(1999年)、策划《再识大师》之说明暗，说质感，说空间，说形体，说结构，说形象系列丛书六本，河北美术出版社出版(2001年)、策划飞地艺术坊系列丛书之《和静物对话》、《木板家族》，河北美术出版社出版(2001年)、《触摸现实》，河北美术出版社出版(2002年)、《飞地观点》，岭南美术出版社出版(2002年)、《飞地艺术坊素描》，花山文艺出版社出版(2002年)、《王华祥素描》，吉林美术出版社(2003年)、《你和学院的一座桥---素描》飞地，中央美术学院弟子个案跟踪，湖南美术出版社(2004年)、《你和学院的一座桥---色彩》飞地，中央美术学院弟子个案跟踪，湖南美术出版社(2001年)、《和毕加索一样多变》，河北美术出版社(2005年)、绘画之道》，河北美术出版社(2006年)、《王华祥乱讲集》，河北美术出版社(2006年)。
　　陈琦:
　　现为中央美术学院教授，中国国家画院版画院秘书长。
　　曾获得江苏省50名优秀中青年艺术工作者、鲁迅版画奖章和教育部霍英东教学奖、江苏省青蓝工程学科带头人。作品连续获得第七、八、九届全国美术作品展览铜奖及优秀奖，中国第十三届版画展金奖。
　　美术评论家、中央美术学院博士刘礼宾评论道：“审视陈琦的创作可以发现，他对“心性”的挖掘是通过对“物性”的追问实现的，这也是他通过技术的突破来表达艺术观念的一种实践。这时候，技术已不仅仅指代创作的技能和技法，技术本身也承载着某种文化性和精神性。陈琦的创作过程共分为三个阶段。《1963》之前为第一个阶段，《1963》为中间阶段，《时间简谱》是第三个阶段。可以把第一个阶段称之为“格物致知”(推究事物的原理法则而总结为理性知识)阶段。在这个阶段，陈琦沉迷对物象的再现。在对水印技法的精湛把控中，在近乎苛刻的创作过程中，陈琦以一种极其精致的方式实现了对表现对象物性的挖掘，同时实现了对自己对心性的追问。在《1963》中，陈琦选择了“水”做为表现对象，使先前的严谨物象“融化”，表现出相对飘逸超脱的一面。在这一作品的创作中，陈琦表现出了处理繁杂创作过程的超人能力：从数码手稿的绘制，到巨型木板的雕版刻制，再到最后的数十版套色印制以及画面最终合成，这里面有太多的细节需要精密的控制，否则就会功亏一篑，陈琦却近乎完美地完成了这一创作工作。陈琦早期的控制主要体现在画面的处理上，到《1963》的时候，这把控制能力扩展成为对一个创作过程的把握。第三个阶段，陈琦把“时间”作为表现对象，以有形来表现无形，《时间简谱》可以视为《1963》的过程化、立体化呈现。《1963》中的“水”还是一个能够凭借想象把控的意象。到《时间简谱》的时候，“时间”这一来去无踪的意象，其实只是陈琦挥动刻刀的一个诱因，陈琦心中超脱、隐逸的一面以此为缺口喷薄而出”。有说：“看陈琦的作品，能够发现他在竭尽全力地创造一个无我之境。“竭尽全力”既是他积极介入细节的态度，也是他一直以来的精神世界的一个重要层面。他在以手工劳动纯化自己心灵和智性。其实陈琦努力追寻的是一种中国式的心智，他对这种心智的坚持使他的艺术创作和日常生活互相贯通。此外，陈琦把领悟事物本质视为创作的“原点”，这个“原点”在向纵深无限延展。延展的过程中他有意制造一种“无我之境”(甚至是一种“无人之境”)，从而实现技术操作过程与所追求境界的契合。在这个“无我之境”中，表现对象的物性彰显，创作者的心性自然也跃然作品之上”。
　　作品分别被中国美术馆、上海美术馆、广东美术馆、江苏省美术馆、浙江美术馆、深圳关山月美术馆、英国大不列颠博物馆、英国维多利亚阿尔伯特博物馆、英国牛津大学阿什莫博物馆、英国苏富比艺术学院、纽约国立图书馆、奥地利维也纳青年美术馆、日本福岗美术馆和欧洲木版画基金会收藏。
　　洪浩:
　　1989年毕业于中央美术学院版画系，获学士学位。现为职业艺术家。
　　洪浩在创作笔记中写到：“……，我更热衷于寻找某种具有独立意义上的‘似是而非’之物，某个偏离了正常秩序而又似既成事实的幻象，某处存在于万物两极之间的无限空间，……”。又写到“书是个有机可乘之物，它给人以既定事实的“真实感”,一种先入为主而圈出的地界让你随心遨游”。
　　中国美术馆馆长范迪安评论道：“ 他敏感于传统文化与现代文明之间的关系，特别敏感于精神领域内的不和谐状态。出于对事物表象的幽默和文化深层意义的探究，他巧妙地运用了中国古版线装书之“壳”，装进了现代文化之“躯”，构成本来难以言传的文化时间差和空间差的视觉形象，在他的作品中，隐含了极有弹性的幽默。......在丝网版画的制作上，他极其考究细节与整体的关系，每幅画用十几个甚至几十个印版制造作品形象的质感。正是这种既符合艺术主题，又引人入胜、经得起琢磨的语言魅力，使洪浩的作品有了很高的艺术纯度”。
　　美术评论家 、独立策展人冯博一评论道：“ 《藏经》系列版画作品是洪浩艺术创作中的主要代表作之一。“世界政区新图”、“世界地貌新图”是按中国传统书籍插图的样式，其背景是世界的不同区域，但它却不是可以按图索骥地去臻达某个地理空间，或者说这是一组假借地图的名义——所谓的以具体地理为背景的世界局势图。其创作的观念方式，按洪浩自己的解释是：确立一个“偏离了正常秩序的规则”。即先将文化资讯分解进行重新编码，使其失去在原有的规范与意义上的习惯性对应，然后再让这些被重新界定的语义通过重复加强等手段升值为经验，这样它们就会象古代经卷那样“道貌岸然”起来。他有意并随意地将地图的版式写真或主观地夸张、神秘的不可知以及转换的幻象等等拼贴结合起来，意在调节思维的角度和观看物质的眼光”。
　　作品分别被美国纽约现代美术馆、美国纽约大都会美术馆、美国波士顿美术馆、美国洛杉矶J·保罗·盖蒂博物馆、美国圣巴巴腊艺术博物馆、美国Bucknell大学SAMEK美术馆、美国加利佛尼亚Berkley大学美术馆、加拿大国家美术馆、英国大英博物馆、英国牛津大学阿什莫林博物馆、比利时尤伦斯当代艺术中心、奥地利维也纳 SAMMLUNG ESSL博物馆、澳大利亚昆士兰美术馆、日本福冈亚洲美术馆、韩国光州美术馆、新加坡国立大学美术馆、中国美术馆、上海美术馆、广东美术馆、中央美术学院美术馆、香港艺术馆、美国联邦储备局、美国纽约市立图书馆、美国驻华大使馆、法国Issy市政府、瑞士UBS银行香港分行、香港梁洁华基金会、中国泰康人寿保险等艺术机构收藏。
　　孔国桥:
　　现为中国美术学院(原浙江美术学院)，版画系主任、凹版工作室负责人。
　　中国美术学院院长许江评论道：“ 国桥的铜版画就如一本书，一部与印刷相关的思想追问的书。......国桥采用了书页的方式，切入他的艺术创作。......国桥的‘书页’拥有一个总题：‘口述历史’。口述是即时的，口述的历史带着口述者的‘在场’之感，即时地记录其种历史追问。国桥的追问相当宏阔，从历史到生命，从语言的牢笼到超真实的冲破，从凝视中的‘巴比塔’到微茫的‘哀歌队’，从泛滥的虚无到“干涸的唯物”，几乎遍及了当代青年的犀锐的思想触角。‘书页’的图文叙事同时采用两种图像的踪迹：一种是公共阅读的历史性图像，那几乎是一个时代标志式的符号空间;另一种是草图或笔记式的书写印痕，那是个人的阅读面对时代符号所撞出的火花。...... 国桥的《口述历史之思想的膜拜者》中有一段文字：‘当思想成为一种口口，历史成为一种书写，我们的膜拜又是什么?’版画之版是反像呈像，这种反像绝不是某种既定的正像的影子，我们思考和叙述的也绝不是某种历史的简单重复”。
　　作品分别被中国美术馆、上海美术馆、浙江美术馆、广东美术馆、江苏美术馆、深圳美术馆、关山月美术馆、青岛美术馆、神州版画博物馆、澳洲悉尼大学亚洲学院等机构收藏。