美国版画展：刻下即永恒

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美国版画展：刻下即永恒

　　“这不是单纯的版画家的展览。90%的艺术家不是纯粹的版画家，其他门类艺术家的创作让版画技艺、风格更富创新性，更多元，他们的创作可以折射美国当代艺术的状况。”陈小文这样介绍正在中国美术馆举办的“美国当地版画艺术展”。
　　陈小文是美国阿尔弗莱德大学传媒艺术系的教授，也是这次展览的策展人之一。在他看来，美国与中国在版画方面最大的区别是制作方式不同，“在美国，版画的产生与版画工坊分不开。”

　　“美国当地版画艺术展”集合了美国最有实力的八个版画工坊的50位艺术家的90件作品，风格各异，即使不能说窥一斑而见全豹，至少也可以让人们对美国当代版画与艺术有感性的体验。其中特别值得推荐的，是刚刚去世的当代艺术祖母级人物路易斯·布尔茹瓦(Louise Bouregois)的版画作品、对中国艺术家有着巨大影响的罗伯特·劳申伯格(Robert Rauschenberg)的作品，以及当代艺术风口浪尖人物詹姆斯·罗森奎斯特(James Rosenquist)、卡拉·沃克尔(Kara Walker)的作品等。
　　版画工坊：“制作”系统
　　版画自诞生之日起，就无法摆脱和制作工具以及技艺之间的关系。早年间的版画经常被视作大众传媒的一部分，而非艺术品。“‘版画制作’经常被片面地认为就是技术活，或者就是唯美的”，陈小文说。他认为，要理解和欣赏美国当代版画，需要跳出“偏见”，将版画的制作视为“独特的、具有前卫性的创作方式。”此次展览期间，主办方也将在中央美术学院开办版画制作工坊，让中国的版画界能够观摩“制作”本身。
　　“美国有近百家版画工坊，这些工坊不是传统的家庭作坊或者学术机构，而是一种小型的企业模式，背后有一个由艺术家、版画工坊、发行商、评论家和博物馆构成的分工明确并且相互协调的机制。”陈小文介绍道。正是这样的特征，给予美国当代版画特有的视觉震撼，以及技术上的前卫性。
　　艺术家在工坊里都能自由地发挥自己的创意。版画使用的新材质也十分多样，从早年间劳申伯格突发奇想的丝巾，到后来的艺术家们使用的橡皮筋制版、指纹、别针乃至三维等等。这些很多都是艺术家们的奇思，而版画技师们也由此开发出更多的新技艺和工具。
　　“在工坊里，制作是一个共同行为，有点像‘集体创作’”。陈小文将版画工坊里的技工形容成“艺术家同母异父的兄弟”，“他们完善已有的技术和工艺，又不断地为了每一位艺术家特有的风格和艺术趣味，去发明新的工艺和材料”。主持“平面工作室”的玛格丽特·米勒(Margret Miller)教授对自己工作室的创新就十分自豪，“我们使用照相的信息，使用蚀刻的技术，效果就好像铜版画，这样就可以把照片变成铜版画。我们还是用木头和沙子一起来营造一种纹理。像这幅画，我们用融化的蜡成像，你可以看到蜡流动的痕迹和质感。”她指着罗伊·里奇特斯坦的作品《蓝色的脸》说道。
　　“平面工作室”成立于1968年，而60年代正是美国大批版画工作坊如雨后春笋般涌现的年代，与美国当代艺术的爆发几乎同时。80年代是美国版画的黄金时期，“那时的艺术市场非常火爆，我们创建于1987年，创始人跟大学校方说，你们不用给我们经费，我们会给学校带来上百万美元的收入！”虽然最终并没有兑现，但如今这里已形成良好的艺术环境。此前，中国艺术家徐冰曾被邀请到该校创作。
　　艺术家做版画，类似于中国人练书法
　　上世纪80年代的确是版画在市场上的黄金年代，贾斯珀·约翰斯(Jasper Johns)的丝网版画《国旗1号》创作于1973年，印了75张，1988年在拍卖市场上创下了2.5万美元的当代版画拍卖纪录。这吸引了很多艺术家做版画，版画工坊的技术这期间得到了极大的发展。陈小文说，“做版画是很多美国艺术家日常生活的一部分，有点像中国人练书法”。艺术家基基·史密斯(Kiki Smith)到各学校讲学的时候，只要有版画系就会去做几件版画。很多艺术家都给自己加上了惊人的工作量，“即使是最讲究观念、反传统的，或者那些看似简单实则深刻的作品，背后都有惊人的工作量作支撑。”陈小文说。
　　而在纽约当代艺术馆版画部的策展人萨拉·铃木(Sarah Suzuki)看来，“版画制作使得艺术家们去挑战、去回答疑问、正视过去、展望未来，让他们的艺术一直走在前头”。她印象很深的是哈伦和维尔的版画工坊，将传统的凹雕艺术运用到极致，“效果非凡，极为精美”。基基·史密斯就和他们合作，“和他们合作最久的是路易斯·布尔茹瓦，她在1980年代重拾版画，凹版艺术在她的版画艺术中地位重要。作为一个雕塑家，她沉迷于刮擦铜版的体量感”。此次展览的作品《多毛的蜘蛛》是她一贯的蜘蛛主题，但有着与雕塑不同的质感，是将传统的技术运用到极致的典范。