数码摄影技术与影像革命

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数码摄影技术的发展 来自：转载　　

我们身处信息技术空前发展的时刻，科技与艺术携手共同缔造着数码时代。数码影像技术包括数字电影电视技术、数字印刷及电脑影像技术等，我们分三讲将谈的内容主要涉及数字摄影技术。数字摄影起源于柯达公司1985年的静态视频相机，从第一台数码相机的出现算起才不到20年的时间，而数码相机技术飞快地发展着。对于一个传统摄影的痴迷者要及时赶上数码潮流，当投身数码影像世界中来的时候，会发现那里有更多的精彩在等待你。任何一项新技术的出现都受到同时代文化发展与科技条件的影响，摄影也不例外，摄影术诞生的时候还无法制作出胶片，然而传统的胶片技术经历了160多年的辉煌，感色性方面由色盲片到全色片，感光形态上由金属片到胶卷，感光度也在不断提高，伴随技术成熟的同时也将走到它的终点。形式的发展越来越呈现出一种新的趋势，那就是传统的胶卷很快将被数码技术取代。从化学成像到数码成像不是一项技术革新而是一次新的技术革命，如果说传统的摄影更能体现摄影技术的功底，则数码影像更需要人的灵感与想象力。无论是专业摄影工作者还是业余摄影受好者都应看到这一形势并从中找到自己的位置。 　 数字相机的诞生打破了传统的摄影常规, 也使摄影变得更加有趣，十年前一位老师在课上半开玩笑地说："相机的高级自动化你们猜是什么？拍完不满意有个按钮可退回去抹了重拍！"当时这番话作为一个小幽默引起学生大笑，在胶片感光时代这种设想只是天方夜谭无法实现，其实那时美国人已经在航天技术中使用数字技术进行图片的拍摄，用磁性材料来记录影像, 抹了重来只是小菜一碟！在高速发展的信息社会，常规的摄影技术已经不能适应快节奏的要求了，传统的胶片使用银，银颗粒比CCD的像素要小，硅只能记录亮或暗两种状态，记录的细节较少, 但作为一种全新的技术，它形成的图形文件可直接在计算机中编辑、保存与传送。 1、数字摄影的优势 　　数字相机随着计算机技术的发展同步更新自己的技术与概念，无论是网页制作，多媒体素材的采集和桌面出版技术的数字化都使数字影像得以应用。北京大学100年校庆大会，有300万人同时在网上观看大会情况的同步传送，达到同一时刻的面对面。数字技术的前期投入较大，后期则有更大的节省空间，从环保角度着眼，由于它不使用化学药品不对环境造成危害，这些足以构成它必然的优势。在1984年的洛杉矶奥运会上还只有两家新闻社在试用佳能与索尼公司的数字相机，而在悉尼的奥运会报导中数字技术已成为体育记者首先使用的方式，同时也成为2000年奥运会以来使用图片最多的一次奥运会，其中路透社和美联社的50名记者不再使用胶卷，由于使用数字网络的传输，图片报导在10分钟就可以到达本国编辑部，电视图像达到同步播放。而在以往的奥运赛事中，往往是柯达和富士胶卷的争夺战场，各国记者拍摄的大批胶卷要使用临时暗房由摄影记者不分昼夜地工作。 2、直面数字影像 　　一项新技术的推广最终还要取决于使用者的接受程度，目前我国新闻媒体中高科技的数码相机已逐渐取代传统相机。曾一度认为数字技术造假容易而不能用于新闻报导，其实在没有数字相机以前假图片也屡见不鲜，关键在于从事新闻摄影的人是否有正确的新闻概念和职业道德。自从电脑介入编辑出版系统后，对于图片编辑和摄影记者都要求学会使用电脑，掌握拍摄与传输及制作中的一系列相关技术。目前美国的200多家报纸中只有少数的几家没采用数码影像，会不会数码影像处理技术都是招聘人员时的重要标准。数字技术提供出更精确的传递方式使新闻图片报道发生了很大变化，美国92年的总统大选报道中，专门有人负责送胶卷，而在97年的大选使用了数码方式几分钟就传回新闻中心，不但省钱省力关键是赢得了时间。著名的战地摄影家卡帕（战地之神）, 曾冒着生命危险拍出了《盟军诺曼底登陆》的照片, 后因冲洗底片时的不慎变得模糊不清。中国日报记者郭建设在拍摄1987大兴安岭特大火灾后，连夜站在铁轨上截了5次火车头，再周转于火车和飞机赶回报社冲洗发稿。现在有了数字相机则改变了后期制作中的复杂环节，我们熟悉的海湾战争中电子摄影第一次取得了了不超的胜利，战争中使用了佳能RC-760和索尼公司的军用磁盘相机，2万幅电子影像中有五千幅是通过电话线和卫星直接从战场指挥部传送到美国的战地摄影中心，在后来的波黑战事报道中则全部采用了数码拍摄和传送。 3、数字技术的前景 　　数字电视、电影技术，数字印刷技术，电脑制作技术及通讯等都发生着迅速的变化。电影《泰坦尼克号》中250个船体镜头有50个是数字化的，采用的就是先将2000名乘客的真实船体照片扫描到计算机中，由计算机特技师设计完成了20万帧电影画面。没有计算机图像技术的参与，阿甘无法与已故总统肯尼迪握手。我们在享受这些大片的魅力时，也在享受着改变传统制作方式获得的巨大成功。今年9月在旧金山的数字电影节上，参展作品达1500部，现在有将近90%的电影在制作中会利用数字技术，数字电影革命的下一个重点将是高数字品质的放映方式。 　　在摄影文化的新节点上，世界著名的摄影器材厂商Kodak公司与著名芯片霸主Intel公司携手合作，德国的徕卡也与日本的松下联合起来，优质的光学技术与影音技术联手要在三年内使新生产的数字相机占市场份额的1/4，全球第三大胶片厂商"爱克发"公司已宣布开始考虑退出胶卷业务。在近年的摄影器材展示会上，越来越多独特高画质的数字相机频频面市，不仅像素数量大大提高，相机性能也是目新月异，当民用相机可以轻易达到300万像素时，对于数字相机清晰度的争论已经不多了。以往在需要高质量的数码图像时曾经使用的方法是使用大型滚筒扫描仪（扫描仪的技术早已成熟），目前多款专业级数码相机如120单反相机数字后背的CCD面积已经接近120底片，大幅打印后的照片甚至比传统影像还要清晰。 　　 人们预料，新的艺术文明将改变摄影观念，当代高新科技提出的挑战将引发新一轮图像科技和艺术革命。传统的与先进电子技术的完美结合会为图像艺术带来新的辉煌！

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论数码时代摄影艺术创作手法的发展

发表于《南京艺术学院学报·美术与设计》2005年第十五期，总第107期

        摘   要：数码摄影是摄影发展不可逆转的趋势，是摄影史上的又一次革命。它给传统摄影带来了巨大的冲击，首先是技术上的改变，电子储存代替了银盐感光材料，随之带来了电子暗房取代了传统暗房，电子取景屏代替了单眼取景器目镜，自动化程度的不断提高使得技术的操作更为简便；其次是改变了摄影观看的方式与摄影创作的习惯；最重要的是拓展了摄影艺术的表现语言，摄影艺术的创作空间得到了前所未有的扩展，摄影艺术的创作观念、创作手法、阅读方式等都产生了新的变革，有了新的发展。本文将对数码时代背景下，分别从创意摄影手法的增多、抓拍与摆拍的新发展、与其他艺术媒介的新联结三个方面，就摄影艺术创作手法的发展进行有益的探讨。
        关键词：数码摄影技术      摄影艺术创作手法     发展
        毫无疑问，今天的我们生活在数码时代，数码技术早已渗透到人们生活的各个方面，大大提高了人们的生活质量，改变了人们观察事物的方式，获取知识的手段，有力地推动了社会生产力的发展。它对于艺术的影响也是巨大的，尤其是数码摄影技术的不断成熟完善，在一定程度上改变了传统的艺术表现语言，引发了艺术观念与视觉形式的变革。数码摄影是摄影发展不可逆转的趋势，是摄影技术史上的又一次革命。它给传统摄影带来了巨大的冲击，首先是技术上的改变，电子储存代替了银盐感光材料，随之带来了电子暗房取代了传统暗房，电子取景屏代替了单眼取景器目镜，自动化程度的不断提高使得技术的操作更为简便。其次是改变了摄影观看的方式与摄影创作的习惯。最重要的是拓展了摄影艺术的表现语言，摄影艺术的创作空间得到了前所未有的扩展，摄影艺术的创作观念、创作手法、阅读方式等都产生了新的变革，有了新的发展。
        （一）数码时代摄影艺术创作手法的发展：创意摄影手法的增多
        数码摄影是计算机技术和信息时代发展的产物，是技术与艺术的完美结合。数码摄影最大的优势莫过于是电子“明室”代替了传统的暗房，这一变革带来的不仅是摄影输出方式的改变，而且也促使了创意摄影手法的运用的增多，丰富了摄影艺术的表现语言，拓展了摄影艺术的创作手法。传统的摄影艺术的表现语言以记录写实为主，创意性的表现手法可以说是少之又少，虽然暗房特技如中途曝光、实物投影、蒙太奇影像集锦、局部烧黑与遮挡、多次曝光等也可以帮助作者完成创意的成分，但是由于传统摄影技术与传统暗房的种种限制，大多数摄影者还是热衷于摄影的记录表达手段。数码摄影的出现，改变了传统摄影表现手法局限，使得创意摄影手法的增多成为可能。数码摄影通过电子计算机技术将拍摄的影像输入电脑，利用图形处理软件中拼贴、合成、借用等技巧，将原来的图像加工成具有创意的影像，甚至是变成另一种影像。这种通过数码摄影技术所带来的表现手法彻底改变了传统艺术摄影以记录瞬间形象为表现语言的方式。正像阮义忠先生在《摄影美学七问》中所论述的，数码摄影改变的已不仅仅是光学和化学上的问题，而是艺术创作方法上差异的。虽然传统摄影也可以在暗房里合成各种影像，但它毕竟是以人的现实经验为基础。而新媒体影像既可以是拍摄的影像，也可以是纯粹地无源制造。无论是拍摄前的控制；还是拍摄后的制作；或者是纯粹地无源制造。电子影像都可以做出不存在于人现实经验界的影像[1]。
        数码摄影技术给摄影艺术提供了一个更广阔的想象空间和更自由的实施手法。与传统银盐的摄影图像制作相比，利用数字技术就意味着制作的快捷与简便。试想一下，如果现在要将一幅图像正片反冲，传统银盐的做法会是拷贝反转冲洗等等，而在Photoshop中，我们只需要一个Invert（取反）命令就可以在瞬间（视图像文件大小而定）完成;各种图层组合模式以及素材裁取变换等等也同样如此，它使摄影图像的制作更快捷、更开放。在数码摄影技术与电脑技术不断发展更新的条件下，幻想和现实其实就存在于同一个空间里，不分彼此，只要是不断去拍摄、去记录、去合成。也许并没有更多锐利的细节表现以及完美光照条件所带来的影像痕迹，但是只要是数码摄影技术就可以创造出错综复杂的色彩层次以及纵横交叉的影调结构来。
        数码时代，数码摄影技术与电子技术的发展为摄影艺术的发展创造了契机。近年来，创意摄影手法也越来越被业内人士所重视，为此，各种国际摄影比赛专门列出创意摄影类，各种创意摄影大赛层出不穷。今年，旅德艺术家王小慧的同济大学艺术工作场与全球领先的化工公司巴斯夫携手合作，举办以“和谐的魅力”为主题的首届创意摄影大奖赛。这些活动的举办都是以时代的发展为前提，将数码技术与创意摄影手法融为一体，在拓展了摄影艺术的表现手法的同时，丰富了摄影艺术的创作语言，促进了摄影艺术发展。
        （二）数码时代摄影艺术创作手法的拓展：抓拍与摆拍的新发展
        抓拍和摆拍作为摄影创作的重要手段，过去摄影界曾一度将二者对立起来，认为可以摆拍是绘画主义派摄影家的专利，而抓拍则反映的是纪实生活。但是有经验的摄影师都知道，这是一种略带夸张的误解的说法，把抓拍和摆拍这两种手法完全对立起来，这种狭隘的抓拍观念使抓拍这一能动的拍摄手法变得呆板起来。因为，抓拍和摆拍两种拍摄手法是可以互为补充、相辅相成的。例如，英国著名的绘画主义摄影家雷兰达曾以《人生的两条路》，使摄影跻身于艺术殿堂，就曾经拍摄过《流浪儿》,是在雷兰达开设的照相馆门口拍摄的。这天来了个流浪儿,他不合身的衣衫、光着大脚丫,一付惊惶不定的神色,瞪着大眼向雷兰达身边的照相机张望,雷兰达立即适时抓拍了下来，流浪儿所处的位置,光线适中,神态自然,构图也符合这个不辜少年的环境。这幅作品说明:即使最有代表性的绘画主义派摄影家,也不拒绝以纪实手法来反映现实。所谓抓派和摆派并不是水火不相容的。[2] 在摄影史上，摆拍先于抓拍，是毫无疑问的。这是由摄影器材的历史局限所决定的。最初的银版法，后来的湿版法、干版法，因相机笨重，镜头进光量小，底片感光度低等原因，一般只能用摆拍法拍摄。随着小型相机的出现，感光材料感光度的提高，人们逐渐将镜头对准身边的生活，抓拍法被越多的摄影师所运用。工欲善其事，必先利其器。要想实现抓拍的目的，除了技术、技巧，还要有相应的器材设备。随着摄影技术的发展与摄影器材的完善，抓拍变得更为容易。
        到了数码时代，摄影创作手法呈多元化发展，表现手法日趋多样，抓拍与摆拍则拓宽了它们更多的生存空间。数码摄影的发展趋势实在惊人。数码相机的研究始于1981年，1984年完成样机，1988年进入市场。目前，全世界已有300多家生产数码相机的公司。最初的数码相机只有30万象数，现在家用的都在200万像数以上，专业的已达千万，个别配备数字后背的产品已达2600万象数以上。数码相机的发展速度可想而知。[3]数码摄影技术的飞速发展带来了民用相机的普及，由于对技术难度的取消――拿着傻瓜机谁都不会拍得太走样，瞬间会碰巧颇为生动，质感又会相当逼真，那么一个业余爱好者可能比专业摄影师拍到更生动的“决定性瞬间”。[4]数码相机的出现，它带来的不光是摄影技术史上的变革，更重要的是它使摄影变成了平民的艺术。相机的普及直接带来了图像的泛滥，尤其是数码相机增加了连拍模式，连拍速度更快，一秒钟之内就可以拍到几张照片。现在，抓拍的、偷拍的图片到处可见，什么样抓拍的照片、偷拍的照片都可以看到，现在只要拿过相机的没有抓拍过都难，尤其是新闻摄影界，目前，几乎所有的新闻记者都换上了数码相机。数码相机自动化程度提高，各种模式的增加，尤其是即删即存的优越性，为新闻摄影师抓住新闻的一瞬间提供了前所未有的便捷，抓拍法可谓得到了空前的运用。过去新闻摄影一直存在的不许摆拍的做法，到了数码时代，新闻摄影界应该如何对待抓拍与摆拍的关系？中国日报社摄影部主任、中国摄影家协会副主席、中国新闻摄影学会学术委员王文澜曾称：“在中国新闻摄影界，抓拍、摆拍的争论是在‘文革’结束，因为那时候对拍摄方法的区别来自于‘文革’很多照片的弄虚作假，持续地引起了很长时间的争论。现在这个问题已经不是问题了。从荷赛的照片来看，有很多都是经过摆拍、设计、策划，比如像科技类二等奖的面膜，但是没有丝毫影响照片的真实性和新闻事件的可靠性和可读性，反而通过画面的设计，提高了冲击力。不管你用什么方法拍摄，抓拍、摆拍，你要达到画面的效果，应该是你成败的惟一标准。”
        数码时代，艺术正朝着多元化的方向发展，抓拍法与摆拍法的运用更加广泛，二者的关系也更加紧密，抓拍与摆拍不再是相互对立的关系，而是互为补充、相辅相成的。抓拍中可以运用摆拍的手法，摆拍也可以与抓拍结合起来使用。
        （三）数码时代摄影艺术创作手法再发展：与其他艺术媒介的新联结
        数码时代产生时期正是后现代文化繁荣发展时期，后现代摄影艺术与其他艺术门类一样，呈现异彩纷呈的景象。不但表现手法有许多不同的风格，创作方法上也跨出了单一的局限，与其他媒材综合并用，逐渐从摄影传统的社会记录性发展成为艺术家抒发个人思想感情、表达个性和大众传播所需要的影像。尤其是数码摄影技术的发展，照相机自动化程度的提高，使得任何艺术家都可以在极短的时间内都可以掌握这门技术，再加上摄影本身的记录属性，它自然成为其他艺术家乐此不疲用来创作的表达手段之一。摄影被看作与绘画的颜料、铅笔一样，成为了艺术家使用的创作媒材。实际上，摄影不光具有记录属性，最能表现它的艺术属性的还是它的表现性。当影像被当作记录媒介的时候，摄影艺术家们也在考虑如何使摄影由记录提升为创作。在新的艺术观念以及当代电子文化的激发下，摄影逐渐地转化为可直接完成艺术家观念设想的重要表现方式，摄影艺术也由记录属性为主转变为摄影艺术的表现属性，摄影完成了由作为其他艺术表现的手段转变为可以直接表达摄影师观念的艺术。这种从"手段"到"目的"（作品）的转变是意味着摄影作为艺术在观念上的根本性转化--摄影从此具有了不同以往的观念诉求。[4] 另外摄影还与大多数当代艺术家所从事的行为、装置等观念艺术的创作活动发生着这样和那样的联系。但正是在这种联系的发展中，摄影的地位才变得愈来愈重要起来的，以至于发展为具有独立品性的观念摄影。观念摄影也就是在这种契机中产生并得以发展的。首先，数码摄影为观念摄影提供了技术支持；其次，摄影艺术与其他艺术门类的交流为其培育了艺术土壤。观念摄影是数码时代摄影技术与摄影艺术发展的产物。
        观念摄影注重作品观念的传达，它利用其他的艺术媒介在镜头前制作创作的效果，与其他艺术媒介产生了新联结。许多后现代摄影家，不再到现实世界中寻找素材，而是到其他的艺术媒介中寻求联结。他们利用其他艺术元素与自己的观念相联结，再用摄影的手法摄取下来，创造出观念摄影作品来。例如，美国女摄影家巴巴拉•卡丝丁，用各种几何体、小道具、以及镜子等材料构筑起一个精致复杂的微型的世界模型，然后用摄影的方式将其拍摄下来，用来展示一种崭新的现实。正如顾铮先生在《国外后现代摄影》中所说的那样，她的照片飘散着一种令人想起20年代的包豪斯设计学院摄影课程作品的余韵。[5]美国摄影家桑迪•斯各格兰德创作的《巴黎的猫》，就是将摄影与雕塑艺术、装置艺术、行为艺术融为一体的产物。他将雕塑的猫置放于各种空间，让它们与人类生存的空间产生某种联系，最终用照片的形式来表达他的观念。国内近年来观念摄影也发展迅猛，例如邱志杰的系列影象作品《好》，他以表现现代白领生活为创作题材，运用摆拍摄影法，他摆拍的人物衣冠楚楚、笑口常开，以此来反映白领阶层僵化统一的“意识模式”。在《好》的一个系列作品中，人物的面部被马赛克虚化--一种非真正电脑技术所为的手绘马赛克面具，它们被表演者带在脸上，以此达到对技术无所不能的讽刺。他所要揭示的不仅仅是当代人非个性化的技术克隆属性，更为关键的是表达他的艺术观念：以手工技术戏访电脑技术的无所不能，并由此还原技术对人类异化处境的真相，进而达到确立其艺术方法论的最终目的--这就是邱志杰的艺术诡计。[6]再比如高大鹏的空间摄影系列，他受达利超现实主义的影响，利用装置艺术、电脑特技体现他的空间意识。闻丹青的《瞬间》系列作品，他用一些油漆、一只木棍、一只桶搅出了一个个美妙的瞬间，再将这些美妙的瞬间摄取下来。他通过这些行为方式最终诠释了他对瞬间的理解。
        从以上所举的观念摄影的作品中，我们不难看出数码时代的摄影，已经突破了传统的摄影观念，摄影已从“照相”演变成了“造相”再演变为子虚乌有的“虚相”。[5]数码摄影术的发展给摄影家提供了更广阔的创作空间，同时也造成了一种虚幻的虚拟现实感的产生。后现代摄影与其他艺术媒介之间的交杂，促使了摄影创作手段的拓展，带来了观念摄影的发展。
        数码化与全球化相伴而来，改变了人类的文化与生存空间，影响着人们的生活状态。勿庸置疑，数码摄影、数码影像为摄影艺术与艺术摄影创造了无限的多样性与可能性。数码摄影技术的发展，带来的照相器材的更新换代，更带来了摄影艺术观念的改变，传统的摄影习惯、摄影方式、观看方式被动摇，随之而来的是摄影艺术的表现语言、创作观念、创作手法、阅读方式的根本性的变革。由此可见，数码时代，摄影艺术家在提高数码技术技能的同时，应不断丰富自己的艺术表现手法，实现艺术作品的飞跃。但最需要指出的是：数码时代的摄影艺术创作，技术不是决定艺术品高低的标准，艺术家的艺术素养与作品的思想内涵才是摄影艺术创作的真谛。
参考书目：
[1] 阮义忠   《摄影美学七问》    中国摄影出版社
[2] 网站：    摄影资源与文摘     “流浪儿/雷兰达”
[3] 丁遵新   “数码时代的摄影观”
[4] 邱志杰   “摄影之后的摄影”
[5] 顾铮     《国外后现代摄影》   江苏美术出版社
[6] 高氏兄弟  观念摄影：中国当代艺术新浪潮？
                                                                （本文系作者就读南京师范大学美术学院摄影系硕士研究生时所作）

来源：《南京艺术学院学报·美术与设计》   作者：曹昆萍

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[zt]摄影术的出现，最早应该是1826年。那一年，法国人约瑟夫．尼赛福尔．尼爱普斯利用沥青的感光特性，花了八个小时的曝光时间，拍成世界上第一张照片《阳光画》。1939年，法国人雅克．达盖尔利用碘化银的感光特性，仅曝光半个小时，便拍出了层次细节比较丰富、具有较高质量的照片。由于历史的种种原因或故事，摄影术的发明和问世，就从这1839年算起。
        摄影术的发明，在当时被认为是令人惊讶的、不可思议的、神秘的、恐惧的、极具魅力的事件。那时候，由于感光板、感光材料、曝光箱等器械的笨重，外出拍摄必须马拉车载才行。但即使这样，摄影家们仍不辞辛苦、不畏艰险，拍摄出一幅幅美丽动人的照片，比如法国著名风光摄影家卡米尔．西尔雅的《法国休斯溪谷》，探险摄影家E．O．比曼《罗多尔的中心地区．绿河流域》等等。此时的自然，已经不再是人们眼中那普通的景色，通过摄影家的精心创作，客观的神奇美丽幻化为心灵的水晶之宫。其实，每个人心中都有一片因生活磨砺、审美情趣而不同的风景，正是这种内心情感与自然的对应，才激起人们源源不绝的动能，使摄影作品不断产生巨大的感动效应。
        转眼间摄影艺术已经走过170年的生命历程。在这近170年中，新的感光材料、新的技术观念、新的摄影器材层出不穷。1831年3月，著名的摄影大师，曝光理论的创始人安塞尔．阿当斯在《底片》一书中写道：“我渴望新的观念和技术，相信电子影像将会是下一代的主流。这种系统将会有其固有且不可忽视的结构特征和自身规律，未来的用户和艺术家，将为此孜孜以求地探索，仍会致力于理解和控制他们。”其后的发展果如安塞尔．阿当斯所言：数码影像技术出现了！数码相机出现了！数码摄影通过直接拍摄获得数字影像，并被记录到磁卡当中，完全取代了流行一百多年的盐粒胶片，它的强大功能使传统摄影的不可能变为现实。可以说，数码影像技术的出现，颠覆性地革命了摄影领域，是摄影技术史上一块光彩夺目的里程碑。与此同时，一批追求新技术、具有新观念的摄影师开始孜孜以求地进行探索，致力于理解和控制它们的过程。
        但是，和任何新生事物的产生发展过程一样，数码摄影技术从在实验室里产生到为摄影师接受，已经历了曲曲折折的20多年，而且至今仍在延续这个变化过程。数码相机最初不为接受，主要有三大方面的原因：一是观念上的；二是数码摄影与传统摄影在成像态度上有较大差异；三是数码摄影具有较大的体系，完整掌握这个新的知识体系有一定难度。这三个原因，乍看起来，都是虎狼在前，非同一般。但是，数码摄影非但没有停滞它前进的脚步，反而开始了突飞猛进的发展过程，其相机从几年前简单的功能、几十万像素的消费机型，迅速发展到功能强大、拥有2450万像素的单反相机，并且以每年70%~90%的速度递增，迅速占领市场，泽被千家万户。与之形成鲜明对比，经过100多年发展的、曾经展示无比辉煌的胶片相机，却如秋叶一般，在寒风中凋零萧瑟，踪影渐无。以前曾被引为骄傲的中端Nikon 80D（S）相机，近6000元的价格，现在1000元尚难出手，真是“减清香，越添黄，都因昨夜一场霜”，梦靥一般。我们有幸经历了这个令人惊讶的过程，身受感同，于是回过身来，认真地予以思考和认识，希望有利于摄影艺术的进步和发展。
       上面已经谈到三大原因使数码影像技术不为一些摄影师接受，为什么现实却恰恰相反呢？让我们来分析体验一次这些原因的内容。

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摄影技术与文化研究的新视角——从传播学角度看摄影技术发展作者：曹昆萍 发布时间：2010-9-27








内容摘要：摄影技术是以技术文化的角色存在于摄影文化与大众文化之中的，摄影技术作为摄影文化的一部分，它的每一次变革，都对摄影图像的传播和摄影文化的发展产生巨大的冲击。本文试以传播学理论为依托，从摄影文化与图像传播两个基点出发，分析摄影技术在机械复制时代、电子时代、信息时代三个时期的发展，着重论述了信息时代数码摄影技术促使传统摄影作品的产生方式、审美的接受方式、影像的传播方式的发生了根本性的转变。

　　关键词： 摄影技术发展 图像传播 机械复制时代 电子时代 信息时代

　　

　　导论

　　摄影术发明之时，正是西方社会科学技术迅速发展时期，正如蒸汽机、电灯、留声机等十九世纪重大的发明一样，摄影术的发明是技术革命和信息发展的必然结果。那么摄影是什么？它是一门艺术还是一种技术？自摄影诞生之日起，人们就一直围绕这两个问题纠缠不清。摄影是“用光绘画”，是技术和视觉观察力的一种结合，是技术与艺术的结合，这一说法已经普遍被人们接受。在摄影发展的历史长河中，人们不难发现摄影技术对摄影文化发展的影响，可以说每一次摄影技术的更新与变革，都对摄影文化的构建起着至关重要的作用。摄影文化是极其广泛的范畴，对于摄影文化的界定至今还没有较为清楚的解释，笔者只在辞海中找到文化的定义，文化是指人类所创造的精神财富，如文学、艺术、教育、科学等。在考古学上则指同一历史时期的遗迹、遗物的综合体，同样的工具、用具、制造技术等是同一种文化的特征，有时文化也指文明。从文化的概念中明显地看出技术与文化的密切关系，技术具有文化的属性，属于文化的范畴之内。由此可见摄影文化应有两个部分组成，一是摄影艺术文化，另一个则为摄影技术文化。

　　何谓摄影技术文化？我们首先来看看历史上许多学者对于技术与文化的关系问题的论述。在西方，早在古希腊，尤其是18世纪，以狄德罗为代表的百科全书派就把技术看作是人类文化领域之一并对其展开了研究，由此产生了不同的观点。有些学者认为技术本身和文化是相互对立的，文化论者和技术工匠是两个无法逾越的领域。也有些研究者认为技术是一种文化，例如，马林诺夫斯基在他的文化定义中，把技术看成是一种文化因素；卡普则把技术看成是促进文化进步的手段；怀特把技术作为文化系统中的一个组成部分，是文化发展的动力；埃吕尔、F •拉普和李克特等人则把技术看成是一种文化现象或“一种文化过程”。①这些研究者多数认为技术是文化的一部分，技术就是一种文化。

　　在对技术与文化关系的阐述中，德国批判理论家瓦尔特•本雅明最为重要的一位。他竭力推重技术文化的作用。他认为“技术上的更新应受到重视。”他对技术重新进行了界定，技术包括生产、传播的方式，传播的革新，形式手段的变革，还包括物质性的技术手段、工具等。本雅明之所以对技术持有这样乐观的看法，体现在他从摄影、电影这些新技术手段发明所受到的强大鼓舞当中。摄影技术的发展进步根植于社会文化的背景之中，摄影技术不仅表现出有形的物质性特征，而且它还体现出无形的文化特征，它是以“技术文化”的角色存在于文化之中的。一部技术史，也是一部文化史。摄影技术发展的历史可以说是摄影文化发展的历史。

　　从达盖尔将摄影术发明公布于众的那一天，一直到数码摄影技术蓬勃发展的今天，以摄影技术改革发展为前提的摄影发展史出现了两个重要的时期，分别为机械复制时代、电子影像时代。以下笔者将从这两个时代分别论述摄影技术的作用与技术文化的价值。

　　机械复制时代摄影技术的发展

　　“机械复制时代”由德国批判理论家瓦尔特•本雅明在《机械复制时代的艺术作品》一书中最先提出。机械复制时代又可以说是工业时代，这一时代的艺术作品与农业社会的艺术作品的一个根本区别是，工业艺术作品同时具备了其它工业产品的特征，这就是可以在相同品质的基础上无限复制。因此，艺术作品的机械复制性是区分现代艺术和传统艺术的一个典型的时代特征。机械复制时代的到来，复制技术带来的是大批量的生产和大范围的传播，不光对传统的文化造成了很大的冲击，而且对传统艺术的发展也是一个巨大的冲击。正如本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中，就曾经断言：“复制技术把复制的东西从传统的领域中解脱出来。由于它复制了许许多多的复制品，因而它就用众多的复制物取代了独一无二的存在；由于它使复制品能为接受者在自身的环境中加以欣赏，因而它就赋予了所复制的对象以现实的活力。这两方面的进程导致了传统的大震荡——作为人性的现代危机和革新对立面的传统的大震荡。”照相摄影技术是工业时代的产物，又是机械复制技术的典型代表，它的出现改变了人们的观看方式，颠覆了传统艺术，迫使绘画艺术走向抽象的表达。“随着照相摄影的诞生，原来在形象复制中最关键的手首次减轻了所担当的最重要的艺术职能，这些职能便归眼睛所有。由于眼看比手画快得多，因而，形象复制过程就大大加快，以致它能跟得上讲话的速度。”照相摄影技术的特性在本雅明的话中得以体现。

　　在摄影技术出现以前，传统艺术依赖手工制作，一幅作品完成往往需要几个月甚至一年的时间，艺术作品多数被用于礼仪仪式或宗教活动，这些艺术作品被赋予了膜拜价值。人们在欣赏艺术作品时，只能远距离的静观，必然会带有崇敬神秘的感受。因此，传统艺术作品具有原真性、永恒性、权威性、膜拜价值，它还带有个人独特的审美品味。机械复制时代的艺术作品，则完全是另一种态势。人们可以用一张底片复制大量的照片，这期间所花费的时间只需要几分钟甚至几秒的时间。照相摄影技术的复制性使得艺术作品不再是人们触不可及的神圣之物，它走进了人们的生活，改变了人们与艺术的关系，艺术的社会功能也随之发生变化，它不再建立在礼仪的根基上，而是建立在政治的根基上。机械复制时代的艺术作品是机械复制技术文化与工业文化的产物，它具有无穷复制性、可修改的特性、可展示性，给众多的欣赏者带来无距离的直接震撼。

　　机械复制技术的复制性，使得艺术作品的复制可以独立于原作，也为作品的大范围远距离的传播提供了可能。如果说人们在以往时期欣赏传统艺术作品时，要受到时间空间的种种限制，然而到了机械复制时代，复制技术所具有的大批量生产和大范围远距离传播特性为人们随时随地欣赏艺术作品创造了条件。这无论是对传统文化还是对传统艺术作品都将是一个巨大冲击。摄影技术文化具有复制的特性，通过印刷、媒体技术的推波助澜，使这种能力进一步得以扩展。电影胶片经过拷贝工艺也能复制出大量的拷贝影片。这就意味着在某一个地区，某一个国家，甚至全世界，成千上万的人有可能同时观看一张照片或者一部影片。这是传统艺术所无法达到的。机械复制时代机械复制技术（摄影技术）能够大范围远距离传播大批量复制的作品，它为艺术作品走进人们的生活，融入人们的生活提供了可能。由于摄影技术使得艺术作品能够在大范围远距离进行传播，这就意味着更多的人可以从事艺术事业，艺术真正地从神圣的殿堂中走出来，预示着大众文化时代和大众传播时代的到来。

　　电子时代摄影技术的发展

　　随着大众传媒的无边渗透，发达国家和发展中国家之间的文化差距，已不似人们想象中的那么巨大。电视、电影、网络，广告和MTV，当代社会正在成为一个视觉文化或者说影像文化社会。正如詹姆逊所认为“以大众文化为后现代社会的文化模式，认为它的特点是从现代主义的语言中心转向后现代主义的视觉中心文化”。

　　电子影像时代根植于后现代文化的土壤中，那么如何界定电子影像时代呢?电子影像时代以电子技术发展为核心，它既是科技水平高度发达和图像泛滥的时代，又是大众影像文化时代。

　　技术长期以来被当作一种超越文化的力量，它有其自身的文化内涵。尤其到了电子影像时代，科技文明高度发展的时代，技术不仅代表着先进的生产力，而且形成了新的意识形态，构造了一种特定的“合理化”的现代文化制度。技术的迅猛发展不仅体现在它的复制性与传播的便捷性，还在于它改变了人们的观看方式。技术的发展推动着摄影文化的发展，本身就是以“技术”为依托的摄影，又恰逢数码时代的到来，数码摄影的出现必将是摄影技术的一次巨大进步，或者说是一场重大的文化变革。

　　信息时代数码摄影技术的发展

　　数码摄影出现，首先是动摇了传统摄影技术的基础——化学与光学，使得传统摄影技术的对于世界的客观真实记录遭到了质疑。其次数码摄影冲击了传统摄影文化，由于它具有的存储量大，观看方便，影像图片明室制作，传输便捷等特性，使摄影艺术与非摄影艺术，专业摄影与民用摄影的界限更加模糊。数码摄影的出现预示着视觉民主时代的来临，电子影像时代也是大众摄影时代。

　　数码摄影技术的出现，它是时代文化与科技发展的最终结果。电子影像时代给传统摄影技术文化带来的巨大冲击，首先应该是电子技术直接介入了摄影技术领域，促进传统摄影技术的改革，使数码摄影技术应运而生。数码摄影是电子科技技术发展与视觉文化繁荣的必然产物。数码摄影技术的出现引发了一场摄影技术革命，传统胶卷相机已经逐渐被先进的数码相机所取代，随着电脑的日益普及和大量图像处理软件的功能不断完善，使用数码相机所拍摄的图像可以满足多种需要，这是导致数码摄影技术飞速发展的重要因素。数码摄影以其存储量大，观看方便，影像图片明室制作，传输便捷等优势受到摄影工作者的青睐，这是数码摄影技术繁荣的又一原因。摄影图片通过数码摄影技术的摄取，利用电子计算机的技术通过互联网以最短的时间传输到世界各地，世界各地的人们可在同时间看到这张图片。数码摄影技术省去了影像后期制作的繁琐工序，使得传输的方式更加快捷。数码摄影技术也改变传统摄影图片存储方式，摄影者不在为了胶卷的保存和照片的存放而犯愁，如今电子影像时代只需几张光盘就可以储存以往的几千张乃至几万张的底片。摄影者也不再需要将照片一一放大才可得知照片拍摄的好坏，只要将光盘或照相机的输出线插入电脑，数码影像就出现在电脑的屏幕上，如果你还想对图片进行修改，使用图片处理软件就可以做出你所需要的作品来。以上就是对数码摄影技术特征的论述，它的优越性是传统摄影技术所无法比拟的。数字摄影照片具有如此的优势得到了越来越多的广告业、出版业、媒体等产业的青睐。另外，数字摄影技术后期制作拥有巨大的节省空间，从环保角度着眼，由于它不使用化学药品不对环境造成危害，这些足以构成它必然的优势。

　　数码摄影技术的出现，使传统摄影作品的产生方式、审美的接受方式发生了变化。科技的进步归根结底是为了满足人类生活的需要，促进文化的发展。数码摄影技术比传统摄影技术的掌握更加简便，这样，就为人们参与影像创作提供了机会。如何在图像泛滥的时代体现自己的风格，表达出自己的特色？摄影艺术家们不得不思考什么是摄影艺术的真谛？传统摄影艺术以反映客观世界的记录为主要的形式中，已经适应不了摄影文化多元发展的趋势，它迫使艺术家们应更多地从人的主观意识出发，关注人的情感存在而非客观的存在。艺术的创造性被看作体现摄影艺术的生命力的重要标志。苏珊•桑塔格在《论摄影》中指出，“对摄影来说，与绘画抗衡意味着乞灵于原创性来作为评价摄影家工作的重要标准，因而原创性也被等同于一种独特的、由说服力的感受力的标志。”在这个大众摄影时代，科技的发展也使创新成了大众的工具，从而使创造性劳动成为了人类的大众化劳动。这样使使摄影艺术与非摄影艺术，专业摄影与民用摄影的界限变得模糊了。

　　数码摄影技术所具有的强大的科技优势，它使摄影创作省去了传统的暗房操作，只需与计算机相接，图像就可以快速方便地进行后期加工处理，甚至可以进行无源创造。在摄影技术为摄影创作提供便利的同时，摄影艺术观念也在悄悄地发生了变化，由传统的照相艺术发展成现代的造相艺术，传统摄影艺术客观记录观念受到冲击，摄影艺术创作观念得以拓展，摄影艺术朝着多元化的方向发展。

　　结语

　　摄影技术是以“技术文化”的角色存在于摄影文化与大众文化之中的，摄影技术作为摄影文化的一部分，它的每一次变革，都对传统的摄影文化和传统艺术产生巨大的冲击。摄影技术具有的复制性、以及由于复制性带来的艺术作品大批量生产和大范围远距离的传播的特性使得现代艺术与传统艺术彻底划清了界限。数码摄影技术出现，促使传统摄影技术产生变革，传统摄影作品的产生方式、审美的接受方式、影像的传播方式发生了变化。摄影技术文化无论在机械复制时代还是在电子影像时代都为摄影文化的发展与人类文化的传播作出了巨大的贡献。（作者简介：曹昆萍为南京艺术学院传媒学院摄影系教师）

　　

　　参考文献：

　　[1]苏珊•桑塔格：论攝影[M]，艾紅华、毛建雄（译），长沙：湖南美术出版社， 1999年。

　　[2]约翰•费斯克：理解大众文化[M]，王晓珏 宋伟杰（译），北京：中国编译出版社， 2006年第2版。

　　[3]瓦尔特•本雅明：迎向灵光消逝的年代：本雅明论艺术[M]，许绮玲 、林志明（译），桂林：广西师范大学出版社，2004年。

　　[4]韩丛耀：图像传播学[M]，台北：威仕曼文化事业股份有限公司，2005年。

　　[5]鲁道夫•阿恩海姆：艺术与视知觉[M]，滕守尧，朱疆源（译），北京：中国社会科学出版社，1987年。

　　[6]鲁道夫•阿恩海姆：视觉思维[M]，滕守尧（译），北京：光明日报社出版，1987年。

　　[7] W.J.T.米歇尔：图像理论[M] 胡文征 、陈永国（译），北京：北京大学出版社，2006年。

　　[8] 瓦尔特•本雅明等：上帝的眼睛：摄影的哲学[M]，吴琼（译），北京：中国人民大学出版社， 2005年。

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一.绪论：
随着现代科技的进步，经济的发展，银盐影像承受着海啸般的侵袭，受到了数码等影像介质的挑战。自古以来，按照事物发展顺序和时间顺序总是新王朝取代旧王朝，新事物代替旧事物，这种规律是永恒不变的。自银版影像工艺诞生以来，它一直承载着记录与传播事物的作用，数码传媒技术领域的不断摸索、成熟、完善、壮大，它的到来是必然而先知的，数码影像以它独具魅力的优势改变人们创作的观念，用更便捷、环保的方式来记录事实与状态，用它最高效率的能量扑捉那更多的决定性瞬间，以双核的速度取代银盐影像，迫使银盐影像灭亡，灭亡之路也只是时间的问题。
二．本论：
1.数码技术的不断成熟给其带来的效率与冲击。
在科学发展的时期，不断的进步，由原来单一化的银盐时代逐步的走向多元化的数码时期，打破了“常规”的技术限制，毫无疑问数码化给其带来的最显著的效果就是效率与速度，它的出现摆脱了胶片带给各个行业的不便性，节省了每次上胶片的时间和做图片的时间，解决了传统时代所带来的局限性，摄影师可以轻松的在相机回放着清晰“可见”的图片（现在的数码相机显示分辨率可达到93万像素）好的可以迅速保存，不如意的可以马上补拍，这个效率是以前胶片暗房时代万万达不到的，省略了以前传统影像冲洗胶片和制作照片的流程，数码时代有更多的方式来制作照片，时间短，质量高……例如1998年春节晚会的时候，结束时间是晚上12点30分，而报刊截稿时间是凌晨1点半多，那是摄影记者王凯应邀辽宁电台去拍摄，当时他用胶片相机拍摄的，然后还得去冲洗，根本赶不上当天的发稿。新闻摄影的拍摄到出版，当时的技术的局限型，根本赶不上当天的发搞，有的重大图片必须隔日再发行。谈起新闻摄影必须得说到伟大的美国摄影师大卫.伯耐特，他是用大画幅拍新闻摄影的人，他拍的大多数都是战争场面的报道，他在美国《生活》杂志工作，而整个20世纪六七十年代新闻图片以及时间性不太强的图片在《生活》杂志是非常成功的，为什么说时间性不太强的图片，是因为当时用的是胶片机拍的，更何况大卫.伯耐特用大画幅相机拍摄的，所以伯耐特是回国以后加工制作发行的，人们没有第一时间所看到事件的真实性，只是通过文字罢了。新闻事件的时效型和局限性导致只能用时间不太强的图片是非常成功的，因为当时的报纸编印需花大量的时间来编印而且质量差，数码时代和网络技术的发展如今可以解决这个难题，现在的数码照片在电视上电脑上包括相机上可以直接观看，储存和处理，通过电子设备第一时间把新闻图片用互联网等传播工具发送到世界各地的每一个角落，安塞尔.亚当斯曾说过好的照片需要三个阶段来完成——拍摄、冲片、制作，这三个环节都需要几十年的摸索与实践才能达到其效果，现在的艺术品不是当今时代的主流，而第一时间传播信息和交流是人们所关注的，时间和效率的冲击，导致人们更加偏爱数码时代的产物。
2.数码时代即将占领主导地位。
我个人认为数字摄影不仅仅体现在新闻摄影，它的到来是很广义的，在其他摄影领域也即将取代传统摄影，占其主导地位，这只是时间早与晚的问题。历史总是按照新事物取代旧事物所演变的，从银盐史，湿版工艺到胶片时期，也是遵循着这个永恒不变的规律，适者生存，摄影发展史与经济发展的快慢是成正比的，电脑电视的普及、传播的多元化引领着数码时代诞生的方向和结合当今社会的需求，现在数码相机的普及性的原因是因为它便捷，成像质量完全可以与胶片相机相提并论，一个小小的存储卡完全代替了胶卷，性价比极其高，加之胶片相机厂商正在停产某些型号的相机，大幅度做数码相机，就拿比较普及的品牌来说，佳能公司与尼康公司是做数码比较有名气的，他们都在争先恐后的研制数码业，例如最近佳能公司出了一款5D MARK 2尼康紧接着出了D700，在此之前佳能公司已经在官网宣布不再生产胶片相机，加大力度研制数码相机，这种联系反映了数码对当今社会的重要性。虽然胶片相机少，俗话说物以稀为贵，但它不能占具主导地位。现在广告摄影、人像摄影、纪实摄影都在采取数码相机来完成。尤其广告摄影与人像摄影运用后期塑造空间很大。现在就连手机上也有拍照的功能，加深了人们随拍的手段。数码时代迫使胶片时代落后，占具主导地位。
3.数码用它极具魅力的表现优势改变人们的创作观念。
数字时代的到来人们又有了崭新的创作观念，它极具魅力的表现优势让人们用令一种思维来观察与创作。我们先回到传统时代，那时人们的创作多用于在暗房工艺中多次曝光和多底合成，提到这里不得不提到超现实主义美国摄影师里杰.尤尔斯曼，他最重要的一些作品都是上世纪六、七十年代完成的。那时候还没有电脑合成技术，他不得不将底片手工叠印、放大、合成，极其耗费时间。现在回头看看任然值得人们称道，他喜欢的符号是女体、手、眼睛、岩石、树木、湖水、海洋等等，用这些基本词汇，以一种想象的方式他造出了我们前所未见的崭新的句子例如树桩上升起的雄伟教堂，凌空悬在湖面的船，浮现于道路上的一张嘴，挥动翅膀翱翔的人。他创造的这个幻想世界，奇异，神秘，充满冥思色彩。尤尔斯曼主张摄影应该是一个广阔的自由创作的天地，不该被某些权威和某些定论所束缚。尤尔斯曼提出："在我看来，人们多半鼓励年轻摄影家只是在拍摄开始和结束之际作出重要的美学和技术上的决定。随着快门的按动，创作意识便停顿了，直到照片面世时，这种意识才重新活跃起来。"因此，他主张摄影实验（experimentation in photography）和"后期形象化"（post-visualisation）。他认为摄影创作应当在更大的范围内实现。他把日常的拍摄当做收集视觉素材的工作，拍摄的时候甚至没有明确的目标。构思成熟以后，利用这些素材在暗房中进行再创作。艺术行为如果受到既定概念的限制，那便会失去创造性，艺术的生命也就停止了。尤尔斯曼引用E·韦斯顿的话说，"我从来不用理论限制自己。当我感到兴趣和感到惊异时，我会放手去工作，绝不会对手法是否得当产生怀疑。我不在乎逻辑性，我敢于做非理性主义者--说实在的，我根本就没有考虑我是不是非理性主义者这个问题。这样，我才能运用自如，随时向新的冲动开放，不受任何公式的束缚。他的思想告诉我们艺术创作就是求异，发挥各自特点与个性。
尤尔斯曼的对创作的理念与追求一直感染到至今，但是尤尔斯曼的表现手法是运用暗房工艺，现在人们用数码的极具魅力的表现手法来创作，改变并丰富了人们的创作手段，今天我们有了电脑、有了数字化影像技术，没有必要再追求传统的暗房工艺，但尤尔斯曼的理念对数字时代的摄影也有着十分重要的意义。
数码时代的到来人们对拍摄的观念可以更丰富，拍摄的方式与后期的处理也更具魅力，传统时代的照相与数码后期时代的“造像”有着很大的区别，例如数字时代一张照片可以有一个含义，两照片放在一起。那可不是两层含义的概念而是三层或者三层以上的含义也就是说一加一不等于二而是大于等于三，人们的创作观念随着科技的进步也不断改变着。上海艺术家马良就是一个后期高手，他运用PS调色就像手中有个调色盒一样自如的调配着自己想要表现出来的效果。在商业摄影中，人们为追求商业化所带来的利益，为此特意把图片夸大化，用后期的渲染使图片更具吸引力，数字科技的进步，后期软件也愈加强大，人们的创作观念也愈加广阔，对观念摄影的理解也就愈加深刻。一则论坛上是这么写的：我是将镜头向外，对准现存世界；还是向内，关注我的灵魂。是拍摄存在的现实，还是创造我自己的世界，它如此真实，而并非实在。这两种方向的结果显著不同。在我看来，观念摄影是艺术表现的一种较高形式，它将摄影置于与绘画、诗歌、音乐和雕塑同一层次上，运用天赋直觉。将个人的观念通过摄影传达出来，它反映了对重大生存问题的可能解答：出生、死亡和生命。将一个创意转变为现实存在是观念摄影的基本过程。充分反映数码后期时代的到来人们的对摄影有着深奥的理解，用观念摄影的形式表达内心深处。摄影的各个领域都在享受着数码时代带来的想象力和空间感，人们现在也不在讨论后期图片是否可具有真实性，人们关注的更多的是创新与创作者的观念，我认为观念摄影是当今摄影发展的主流，观念是反映人们内在的东西，一张图片透过现象看本质，看出你所表达的内涵能看出一个人的心境与向往，客观事实虽然是不存在的，但用主观的方式来创作，数码时代的到来改变了人们创作的观念
技术给当代艺术带来了崭新的表现手法，更加丰富了艺术的表现内容，更新了艺术观念，传播到各个领域促进艺术的生产，同样给摄影界带来了崭新创作的一面，拓展了摄影师的思维，开辟了新大陆。


三.结论：
数码时代的到来，加之它的不断革新，是给人类科技文化成果添上了浓浓的一笔财富。它的到来是无法阻挡的，更是无法预测的，它的每一次革新都会给那些摄影师和热爱摄影人们的惊喜。数字时代需要更快捷的传播方式，数字时代是给那些有创造力的人群的礼物，丰富的更多的创作理念，效率和网络是当近时代的主流，人都在追求性价比而不是茫然的追求“时尚”，陈旧的银盐技术在这个数字时代发挥不了其作用也就只能把它放在博物馆或古玩店里当做一颗璀璨的明珠吧，最后也只是发展史的一个跳板罢了。
四.谢辞
感谢程卓老师的指导！
五 主要文献
美国《生活》杂志摄影师访谈录
尤尔斯曼的《后期形象化》
《论摄影》等
   以及网上的资料作为参考论述
六 注明：在学习不到两年的摄影中，意识薄浅，仅代表个人意见，望广大摄影界的前辈们、朋友们多多指教，谢谢！

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转自'色影无忌



一、数码摄影的是与非

数码摄影是魔鬼还是天使？在无忌上争论得天昏地暗。尽管其中部分发言非常偏颇，但火花往往是从争辩和实践中的来的，所以争论也是值得看看的。我的看法:数码摄影,你了解它，她就是天使，不了解它，她就是魔鬼。

图1

（莫测的数码之门－－绝非源自PS）

摄影的乐趣有主要存在于三个过程中：摄的过程、后期制作过程和作品欣赏过程。每个人对三个过程的偏好都不同，而我对三个过程都乐此不疲。只偏爱其中一个过程的大有人在，是快乐摄影的一种，无可厚非。如果对后期制作不感兴趣，我想选择数码还不如选择胶片，如果因为时髦或者相片颜色艳丽而选择数码，DC将是最好的选择。

数码摄影的魅力来自它可以让摄影人全程自主控制从拍摄到出片的每一个细节。但要实现对细节的控制，需要我们对每一个细节都有充分的了解。认识到这一点，我们就能意识到数码摄影面临的挑战一点也不比传统摄影来得少，甚至更多。如果对图片质量要求高，对后期关注但不执着，选择高级DC也是明智的。不过，要照片达到一定的清晰度，象素四百万以上的还是需要的。如果对图片质量和后期有完美倾向地追求，在135的世界里，选择DSLR是唯一的出路。

除了黑白摄影，传统摄影人对全程进行管理和控制的并不多，比如我们很少看到和听到自己后期处理彩色照片的摄影师。传统摄影人更多研究的是摄影中的拍摄过程。因此，数码摄影要求爱好者作好思想准备，不但要学会对摄影过程的控制，还需要学习更多关于后期处理的色彩学知识和技术。后者理论性强，学习起来枯燥单调，而且需要一定的经验和时间积累。凡事都是这样，在带来无尽快乐的之前，总需要我们认真地付出，这是玩家们不喜欢，但又绕不开的结。这也许就是数码摄影在我国遭到部分传统摄影人抵制的主要原因吧。

数码摄影的另一问题来自于成本。表面看，数码摄影不需要购买胶片似乎可以节约一些投入。但事实上，只要外出旅游超出一天，数码的成本缺陷就会显露出来。数码比传统摄影一点都不省钱，备用电源（电池）和存储容量的解决都需要不菲投入。要命的是，这些东西不象胶卷和干电池一样到处都有卖的（至少目前是这样的）。后期处理中需要的油墨、纸张等耗材的价格，也并不比冲印店的冲洗费来得轻松。

那么数码的成象质量到底能否和胶片一样呢？尽管有许多争论，但令人庆幸，数码在摄影领域的技术发展水平目前已经达到了实用水平。尽管国内职业摄影师对数码摄影还有颇多看法，但在国外多个领域中它已经显现出优势，比如时装、新闻等领域数码摄影已经成为绝对的主流。至于风景摄影，似乎本身就不是135的强项，因此苛求135的数码如何如何是不现实的，但如同传统135摄影一样，数码135也足以应付大多数场合。

数码DC的快速发展的原因我认为一是机器脱离胶片后外形设计可以在时尚上大作文章；二是冲印的照片明显比胶片负片来得讨巧：颜色鲜艳，清晰锐利。这两点都吸引了最爱照相、同时管理着中国男人钱袋的的广大女性，得以高速发展。高档DSLR的发展，原因更复杂一些：
1、比胶片更加准确的色彩和白平衡再现。传统摄影中，这两个问题依赖对胶片的选择和同（或）时携带多部相机来完成的。尽管有胶片可以选择，但是目前还没有一种胶片在处理不同光线时都可以广泛胜任，这是导致国外许多职业摄影人走上数码摄影道路的最主要原因。
2、简化了拍摄过程，如去掉了一大堆恼人的滤镜、不再需要不停地换卷等；
3、后期处理的自由度和对作品的自我控制，给予摄影者达到自我满意最大化的期望。

二、知识准备：数码摄影的新问题

数码摄影表面上看只是改变了摄影过程中的感光介质，但是这个感光介质的改变，却导致了革命性的后果。 胶片是用物理和化学的方法记录影像，而数码则是采用了数学和数字的方法来记录影像。摄影本身是一门艺术，艺术似乎是很难用数学来衡量和评价，如何能用数学来解决摄影呢？因此首先需要了解的是在数码的世界里是如何用数字来表达与摄影相关的各种颜色信息的。

首先看看颜色到底是啥东西。人眼看到的颜色是人的视觉神经对光线波长的一种反映，实际上是一种心理和物理的相互作用，所有颜色印象的产生，是由于时断时续的光谱在眼睛上的反应，不同的波长，在我们的头脑中形成不同的颜色反射（感觉），波长越长的光线，穿透力越强，给人印象也越醒目。波长由长到短排列的顺序就是我们熟知的“赤橙黄绿蓝靛紫”。感谢上帝，在动物界里，能够象人一样区分如此丰富的颜色的并不多，许多“视”力敏锐的动物如狗，其实都是色盲。这可能是摄影成为全球最广泛的爱好之一的生理解释吧。

理解数码摄影中色彩的数码特性，必须理解以下概念：

1、三原色,RGB表示法。有理论认为，人眼看到的所有颜色都是由三种基本的颜色：红、绿、兰混合而成的，在现实中该理论得到了很好的验证，因此该理论被广泛应用。数码世界里，也普遍采用该方式表示颜色：用红（R）、绿（G)、兰（B）三种纯色的不同亮度数值的组合来表示某一特定的颜色，每一单色的数值代表了颜色亮度，0最暗，数值越大越亮。因此如（r，0，0）不同的r值，如255表示某种亮度的纯红色，（0，g，0）表示某绿色，而（0，0，b）则是某种兰色。（r，g，0）则是某种橙色或黄色。RGB数值表示颜色，是数码摄影中最基本、最普遍采用的记录颜色的方法。

2、HSB表示法。颜色也可以由色相（Hue)、亮度（灰度,Brightness value)和饱和度(Saturation)来定义。 色相指的是色彩的外在表相，即是一定波长的光照射产生的人眼感觉的颜色，如红、黄等。饱和度（色度）指的的是颜色的纯度，或者浓度。在图像处理软件中的调整操作如颜色选择等，因HSB描述颜色形象而直观，一般采用该方式来进行功能描述，但数据记录依然采用RGB方式。

我们可以把常用的“赤橙黄绿蓝靛紫”的七个字，记忆成一个顺时针（或逆时针）循环的颜色轮，在该轮上紫色和红色相接。

该图转贴自：http://www.cgan.net/book/books/print/packcolor/link/5-1-1.html

【该图更为精细，补充以为参考】

这样，容易记住颜色色相的变化方向，在相机的颜色平衡和后期调整过程中，我们就可以对红绿兰三种原色的色相进行调整从而获得我们想要的颜色。比如，红色物体的色相顺时针（向右）调整将会向黄色和橙色过渡，向左将会向紫色或者（MAGENTA)过渡；绿色的色相向右将会朝蓝色（湖兰，CYAN)过渡，向左会朝黄色过渡等。

从这个色盘我们可以找到某种颜色的补（对）色和过渡色，这样在拍摄时，可以更好地选择补色或者过渡色来制造对比或者柔和的色彩气氛。其中相邻的是过渡色，在一起会比较柔和，而实线相对的是补色，可以产生强烈的对比效果；当然也可利用补色此销彼长的原理来调整画面色偏色。图不大，但用处很多，可将它打印随身携带。

除常用的RGB,HSB以外，软件后台处理也常采用CIE Lab等与设备无关的色彩空间对色彩进行“精确地”数字定义。不管什么方法，我们知道颜色在抽象的数字世界里，可根据引起人眼不同视觉反映的特点的强弱进行数字化的描述。

3、色温和白平衡：
色温的概念，是19世纪末由英国物理学家洛德·开尔文所创立的。开尔文认为，假定某一纯黑物体，能够将落在其上的所有热量吸收，而没有损失，同时又能够将热量生成的能量全部以“光”的形式释放出来的话，它便会因受到热力的高低而变成不同的颜色。例如，当黑体受到的热力相当于500—550摄氏度时，就会变成暗红色，达到1050一1150摄氏度时，就变成黄色，等等。因而，光源的颜色成分是与该黑体所受的热力温度相对应的。只不过色温是用开尔文(K)色温单位来表示，而不用温度单位。黑色的铁在加温中逐渐变成红色，这便是黑体理论的最好例子。当黑体受到的热力使它能够放出光谱中的全部可见光波时，它就变成白色，通常我们所用灯泡内的钨丝就相当于这个黑体。色温计算法就是根据以上原理，用。K来表示受热钨丝所放射出光线的色温。根据这一原理，任何光线的色温是相当于上述黑体散发出同样颜色时所受到的“温度”。

通过其定义可见，色温和RGB、HSB相同，也只不过是颜色物理特征的一种数学表示方法而已，但是不同的是，色温一般是用来描述光源发射的光谱的颜色物理特征的，而RGB等色彩的数码表示法是用来描述拍摄主体发射光的颜色特征的，二者从两个方面对拍摄现场的颜色信息进行了描述和表达。

人眼看物体的颜色会因光源投射光线颜色的改变而产生改变，也就是说物体的颜色会随着光源的色温而改变。白色物体在不同色温的光线下，也会反射出不同的颜色。无论是胶片还是数码相机的CCD或CMOS感应器，并不能准确记录和还原不同色温下白色物体所反射的光源的色温(颜色)。为获得准确的颜色还原，准确记录现场的光源色温，数码摄影需要对感应器进行校正，传统摄影需要选择能够准确还原现场光源色温的胶片。白色是所有颜色的混合光，因此校正了白色物体的色彩还原，就可以获得所有色光的准确还原，故一般选用白色物体作为校正参考，该校正过程也被称为白平衡的校正过程。

知道了色温是用来描述现场光源（光线）的，白平衡是针对感光器材如何还原现场光线的色温的，颜色的RGB表示是描述拍摄主体的，就掌握了摄影中决定摄影主体色彩感觉的主要因素，我们知道从哪里下手对摄影作品的颜色进行精细控制和调节了。

4、摄影数码化和摄影艺术的关系

由上面的定义可以看出来，在传统摄影里，那种拍摄者对拍摄主体和现场光线的颜色特征的心理“感觉”，在数码摄影里却以RGB和色温这两个数学方式进行了“精确”描述。因此，摄影好象从玩“感觉”变成了对现场的所有颜色和光线的数学函数的求解。但这只是表面现象，这物体颜色和光线特征这两方面的记录都只是对颜色的记录，与摄影作品的艺术表达没有直接关系，数码摄影仅仅是把颜色数码化了，而不是对艺术进行数码化，因此数码摄影不但不会有损摄影的艺术性，而是对摄影艺术的丰富和扩充。

5、颜色的相对性和色彩空间；

颜色对于人来说，只是心理感受，因此无论是色相、亮度还是饱和度都是相对的。如果人向许多动物一样，只能识别黑白图像，颜色这个词可能就仅指黑白两个字了。而中灰色放在黑色旁，人们认为它比较“白”；而在白色旁边，人们会认为它比较“黑”，如下图（出处同上）：

因此即使是这“无色”的状态，因为有亮度的区别，人的感觉也是相对的。人眼和人脑本身是一个复杂的图像处理器，它总是根据人的主管感受调整人对颜色的判断以加强人的主管感受。这意味着不同的人对同一确定的颜色的感受是不同的，而且同一人在不同场合或时刻对同一颜色的感觉也不尽相同。理解色彩的相对性很重要，至少它将使我们在评价他人作品时明白并非所有人的感受和自己是完全相同的。

但照相机、显示器和打印机这些数字化的设备不同于我们的眼睛，他们需要一个共同的标准，将数字化的颜色，如RGB（253，125，25）还原成某一特定波长光波所产生的颜色。否则在不同设备上，这个（253，125，25）将呈现不同的颜色，数字将失去具体的物理意义。为将数字化后的颜色与物理上确定波长光线产生的颜色进行匹配，人们发明了色彩空间这个玩意。色彩空间是个复杂的东西，有让人发疯的倾向，所以摄影爱好者没必要深入去探究,只要简单了解即可，要深入学习可以看这里：http://www.cgan.net/book/books/print/packcolor/link/5-1-2.html

摄影爱好者，熟悉RGB色彩空间也就够了。RGB色彩空间，可以如此理解：它是一个数码设备遵循的标准，（R,G,B)三个具体的数字表示的颜色对应于该色彩空间标准中某一特定波长的光线所产生的色彩。不同的（R,G,B)数值，对应了不同波长的光的颜色，这些不同颜色的集合构成一个由RGB三个数字定义的色彩空间范围。不同的RGB色彩空间定义方法，定义了不同的色彩范围，常用的RGB色彩空间有Adobe RGB、sRG和ProPhoto色彩空间。

Adobe RGB定义的色彩范围（色域）比sRGB的要大，因此当R、G、B的值被限定在一个大小范围内是，如0～255，尽管RGB组合的颜色数量是等量的，但sRGB色彩空间里的颜色变动范围要大于Adobe RGB色彩空间里的颜色变化。因此，在选用sRGB空间的显示器上看Adobe RGB空间模式拍摄的图片，图片颜色会显得淡一些。因历史原因sRGB色彩空间应用更为广泛，如我们的WINDOWS XP系统，因此一般应用，建议选用sRGB色彩空间，通常它将使图片在显示器上的色彩表现更为漂亮和统一。但商业应用和大色域的打印输出，为减少调整过程中的色彩损失，一般选用色域更大的Adobe RGB或者ProPhoto空间,并用48位的文件存贮方式。

过去我认为显示器的色域远大于印刷和打印输出的色域，能表现更多的色彩。但最新的8色和9色喷墨打印机输出的色域已经超出了显示器的色域，尽管有些显示器可以显示的颜色打印机还不能再现出来。

因为每种输出设备能再现的色域是不同的，为将标准色彩空间里的具体数值，如RGB（254，0，0）在不同设备上还原为同一色彩，需要为特定设备配备一个色彩翻译器，通过它将标准空间中的数值翻译为可控制该设备色彩输出的信号，该“翻译器”就是设备的ICC Profile文件。数字图片在不同设备之间传递，都通过各设备ICC Profile来实现色彩的精确匹配和再现。该文件起到将标准色彩空间数据映射到设备自身色彩空间和对设备色彩再现能力（色域）进行说明的作用。因此:
1）、数码摄影中的设备（相机、显示器和打印机）如果没有ICC PROFILE,则应尽量统一色彩空间标准，尽量避免进行任何形式的色彩空间转换；
2）、如果能获得设备的ICC profile文件，在不同设备之间传递图像文件时，可以通过绑定设备的ICC PROFILE完成色彩空间的转换来实现色彩的精确匹配和还原。

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三、摄影的前期准备 1、必要的设备 摄影除了镜头、相机和三脚架外，其它一些设备也是需要的。 1）、背包。 如果要爬山和远足，双肩背包无疑是首选。但对保护设备来说，双肩背包却存在严重的缺陷。一方面设备的取放非常麻烦，逼迫我们更多地把设备拿在手里，这样碰撞的几率就大大增加；另一方面，双肩包不容易放稳当，容易导致倾倒滑落等事故；最致命的是常常会在忘记拉好拉链时，临时将包提起，使得机器或者镜头滚落。我自己曾经亲历、也看到过其他色友发生这样痛苦的事情，造成金钱和精神上的“重大”伤害。因此，某种程度上单肩背包可能更适合摄影人。 2）、多一块快装板或者滤镜。 使用三脚架摄影，携带了长焦镜头，如果更换镜头，需要在相机和镜头上拆卸和安装快装板是一件很麻烦的事情。同样，在同样口径的镜头上来回更换滤镜也令人头疼，因此多购买一块快装板或滤镜是一个花钱不多，却能带来极大便利的方法。 3）、圆偏振镜（CPL)。偏振镜对于摄影爱好者来说几乎是不可或缺的，且需随机携带。CPL不仅仅可以加深天空的蓝色，增加云彩的立体感，在其它许多场合也大有用途，如在野外拍摄人像尤其是水边时，能更为细腻地再现模特的肤色或消除水面的炫光。 便宜和贵的UV我很难分辨其拍摄效果，但好的CPL和廉价CPL的表现可以说是天上地下。好的CPL可让狗头拍出L头的油润色彩，而廉价CPL可以让L头的表现如同狗头一般干涩。因此，花大价钱买一块多层镀膜的高档CPL还是很值的。 其实仅需选购一枚高档大口径（如77mm）滤镜就可满足不同口径镜头的需要。便宜的转接环可让其它小口径的镜头共享这块宝贝的镜片。这样不仅经济，而且外出携带方便。我曾经购买了多枚镜片，后来才发现这个窍门，希望能给大家节约一些银两。 4）、纸和笔。这也是摄影包中不可缺少的工具，可以用它们记录下拍摄时的一些情况，利于回头的总结和回忆。我现在不再携带他们是因为我的相机有录音功能，可以为每张图片配上不超过两分钟的语音。 5）、为了能够随时打理镜头，镜头气吹和毛刷应随身携带。老西更是推荐长途外出时携带一把好的螺丝刀，以便随时紧固相机和镜头上的螺丝。 6）、数码伴侣。这个东西真的很讨厌。因为不要它，你就不能“放肆”的过“色瘾”；但带上它，就要带上若干电池以及电池的充电器等，很罗嗦。但现在4G或更大容量的微型硬盘已经降到2000元以内，同时数码伴侣的价格似乎越来越高，数码伴侣这类产品退出我们行包应该不远了。至少我购买4G微型硬盘后，就再也没有用过那个极不可靠的大嘴盘了。外出好几天时，携带笔记本电脑不仅方便而且放心。 7）、相机的电池无疑是数码的一个弱点。未购买或携带一块备用电池几乎是每个数码爱好者在拍摄时最先得到的教训。在寒冷的环境中，充满电的锂电池在三角架上也会很快“冻僵”，需要我们不时让他们轮流在内衣口袋里“暖和”过来才能保障使用。 2、了解你的相机和镜头； 无忌上的提问帖子有相当一部分都是由于作者没有认真读过说明书而匆匆发出的，比如镜头按钮是干什么的、何时防抖（IS)不能使用等等。 枯燥地阅读和购机后的试拍热情，我们容易倾向于后者。但了解相机和镜头最好的办法确实是不断地翻看说明书。不同的学习阶段，对说明书的理解会有不同，因此经常认真通读说明书是了解我们手中武器最好的办法。 3、根据情况设定相机； 认真研究相机的个人设置，可以根据我们的拍摄习惯和拍摄的场景不同而对相机进行相应的设定。这些个性设定有助于拍摄的快速和准确。比如，为充分发挥相机的潜力，获得最为清晰的图片，一定要将数码相机的图片大小设置为最大。 四、拍摄过程 （一）、准确设定白平衡 白平衡，简单地说就是拍摄现场中标准白色的再现情况。如果白色被精确还原表现，其它颜色也会被精确地还原－－因为白色是由其它颜色组成的。 传统摄影需要根据拍摄现场的光线来决定采用何种类型白平衡的胶片，如日光型还是灯光型等。数码摄影在拍摄时，首要考虑的问题也是白平衡的设定问题。许多人认为，如果用RAW格式拍摄，照片的白平衡事后是可以调整好的。需要指出，这是一个错误概念。拍摄时白平衡偏差太大，在很多情况下，事后是无法纠正回来的，尤其是复杂光线的情况下。因此，如同传统摄影事先选择胶片一样，数码摄影到达拍摄现场的首要工作也应是确定白平衡。 （二）、设定白平衡的若干方法： 1、依赖机器的自动白平衡功能。我的经验，根据现场情况选用机器的其它白平衡设定，如灯光或者日光，白平衡都不很准确，往往还不如自动白平衡效果来得好。在对白平衡设定没有太多经验的情况下，自动白平衡可以应付绝大数的场合，使用RAW拍摄时，事后也有相当的调整余地。佳能1系列的机器，自动白平衡功能比其它系列要更为精确一些。 小窍门：日出、日落的拍摄可以设定机器的白平衡为“多云”，色彩将更为浓郁；而用“荧光灯”模式拍摄夜景，天空将不再发红发黄而是呈献为某种深兰。(当然，这些也可以事后用RAW来调整）。 2、使用18％灰板或者白纸。推荐使用18％灰板，无论10D还是1DS2，我发现灰板设定的白平衡，图像色彩还原情况是无与伦比的。操作方法也有两种。一是，先用手动对焦拍摄一张现场光下的灰板或者白板，然后利用机器的手动白平衡设置功能将其定义为拍摄的标准白平衡，这在使用RAW和JPEG都适用。二是在使用RAW拍摄时，将灰板或者白板放置在拍摄现场中拍摄主体相同的位置，先拍摄一张，然后移走，再开始实际拍摄。当拍摄主体变化位置或者光线变化时，需要重新移入灰板或者白板进行试拍。试拍的图片将作为同一场景下所有RAW图片的标准，用来后期调整所有正式拍摄的图片。这在RAW的后期调整部分再细说。 3、根据经验或者色温计，用色温设定白平衡。 见过一个高人，肉眼就能判断色温，基本误差不会超过正负100K。这经验需要经年的积累。由于相机（佳能）可以根据色温设定白平衡，如果能精确测定色温，白平衡的设置就非常简单了－－比任何其它方法更简单和可信。不过俺是没有这方面的能力，所以也没有试过这种办法，如果用我可能更倾向于依靠色温计来测定色温。 在2、3两种方法里，如果光线复杂，需要注意的是要测定和设置拍摄主体（兴趣中心）所在区域的白平衡和色温。对于舞台拍摄，可以在演出开始前主灯打开，而各色色灯没有打开的时候，进行白平衡的测定。显然，演出开始后想准确测白平衡几乎是不可能的。 注意：“便宜的”CPL对白平衡有影响。解决办法:不带镜子拍摄一张作为事后校正的依据。 （三）、准确曝光 除了白平衡的设定外，拍摄过程和传统摄影区别最大的应该就是数码摄影的曝光了。对于光线强弱比不大的场景，机器的平均测光完全可以胜任。但对于光线强弱比较大的场景，曝光是真正的挑战。 前提，掌握曝光，需要首先查看相机说明书，了解有关曝光的设置和操作，更要熟练掌握曝光补偿的操作。我们不需要练就一眼就能看出曝光组合的本领，因为相机的自动测光功能都已经相当不错。 (1) 使用RAW拍摄 RAW文件为数码相机提供了出色的宽容度。数码相机的宽容度大大超出了许多人的想象范围，但其优势往往也未被数码用户所认识。数码摄影最终要获得细节丰富的照片，使用RAW格式是不可避免的。 使用RAW拍摄，应遵循向右曝光的原则。将机器的图片回放调整为带有直方图的模式，并打开高光溢出警告。每次拍摄后，立刻查看图像的直方图，如果图像显示高光警告，则删除照片重新拍摄，最终让直方图中曲线尽量靠右排列同时不出现高光警告。这样拍摄的图片包含了最大亮度范围的有效信息，同时具有最少的噪点。 回放的图像也许过亮或者部分区域过暗，无需担心，后期将RAW文件的曝光适当降低就可以还原出丰富的层次和细节。 使用具有点测或中央区域测光的相机，可试用以下方法： 对画面中的希望保留细节的高光部分测光，锁定曝光，然后向右偏移一档半或者两档进行拍摄。 此方法拍摄，高光溢出的可能较小，从而减少了查看直方图后删除过曝图像再拍摄的几率。这是本人总结的实施向右曝光原则的捷径。 R用RAW拍摄时，DSLR宽容度完全可以达到正负4级左右，根据这个特点，判断光比情况，可以更精确地进行偏移曝光。比如，在光比只有4级的情况下，可以向右偏移四档光圈，而六级光比下，可以安全偏移两档。在光线昏暗的地方用该方法拍摄，使用ISO 800或者更高的感光度，也可以拍出噪音相当低的图片。 任何原则都有打破的时候。如果想拍摄的重要区域主要集中在稍暗区域，为求得最好的曝光效果和最低噪音，应该选择对拍摄主体的测光和曝光，高光和暗部该牺牲的就牺牲。 （2） 使用JPEG拍摄时 不能使用向右曝光的原则，需要更为精确的测光和曝光。使用JPEG时，数码相机的宽容度只有5到7级之间。应对画面中稍稍偏亮的阴影区域测光后曝光。许多人采用的“宁欠勿过”的原则也可以参考。使用JPEG拍摄，用包围曝光拍摄是个好习惯。 使用没有点测功能的相机，必须对图片中不同亮度的拍摄面积的大小非常敏感。机器的自动测光不能全面评估画面的曝光量，需要摄影者根据高光和暗部的面积，适度进行曝光补偿。补偿量的大小与光比、面积大小都直接相关，需要靠经验来调整。好在数码可以及时查看曝光情况，有利于积累经验。 大量的JPEG拍摄过去让我迷惑－－刻苦的练习，详细的记录和比对，依然很难精确地掌握曝光，总感觉它象橡皮绳一样令人琢磨不定。在不断地研究中，忽然悟出：数码用JPEG拍摄是不可能获得准确曝光的。数码不同于胶片，出JPEG时，其内置的软硬件总是根据画面的数据进行运算和调整。调整的规律我们不知道就永远无法预知结果。数码摄影是将前后期整合在一个完整体系中的摄影方法，不用RAW拍摄，数码的特点无法充分发挥，因此我建议任何光线复杂的环境下应使用RAW进行拍摄。 (3) 留意色彩的不同亮度特征 这对RAW拍摄和JPEG拍摄都适用。每种颜色都有其亮度区间，同样亮度的不同颜色，转化为灰度表示后，其灰度值是不同的。因此，多种颜色混合在一张特定亮度范围的图片中时，如果一种颜色的表达从最低到最高都显示了，部分其它颜色的亮度范围将被处理掉，可能被抛弃，也可能是被映射和压缩。在PS上很容易注意到，亮度越大，最先变成白色的是黄色，而调暗时，最先变成黑色的是蓝色。我们只能尽量准确地将我们感兴趣的颜色的亮度范围拍摄下来，因此，必须对画面中的色彩多加留意。红色容易溢出，黄色容易过曝，而青色的湖水容总是容易变成一片灰白。这些都是彩色摄影常见的困惑，不仅仅发生在数码摄影之中。当画面出现某种大面积的颜色时，要进行一定的曝光补偿。我链接一张曝光调整的参考图： 用于研究和学习，相信NOrmen Keron不会责怪我。他的精彩文章，可以参看这里： http://www.normankoren.com/zonesystem.html 这张表格对于微距摄影的意义就更为明显。我总是记不住，所以缩小打印了一张，放到自己的驾照里，随身携带。 （4）数码曝光不可马虎 首先，数码机器的曝光特性是将“看到”的光线亮度用一段直线函数来记录，超出直线两端的光线将被“砍掉”。如果欠曝或者过曝，即使Camera_raw中存在正负四档的调整空间也无济于事，因为你的相机根本就没有关于过亮或过暗的数据的任何记录！ 此外，错误曝光的图片，即使通过后期能够调整，但是画面质量将大打折扣。如下图是从1DS2的RAW转换过来的，由于欠曝，后期增加了＋0.75曝光： 即使将图片缩至如此小，此图的左上角的噪音也很明显，而原图大小时， 可以清楚地看到白云和蓝天相接的地方，图像呈离散颗粒状（类似胶片扫片后的那种颗粒）。虽然后期调整可以从某种程度减轻或消除噪音影响，但同时也将带来诸如锐度下降等其它负作用。 因此，严重过曝和欠曝将导致数码照片细节丢失，而偏差较小的曝光也可能导致糟糕的画质。 因此，数码摄影的曝光尽管有不同于胶片摄影的特点和方法，但精确曝光仍然是必须的，它依然是摄影人不可或缺的基本功。

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（四）、艺术地构图；
摄影的终级境界应该时构图了。曝光和对焦都只是技术，而技术是可以通过学习和练习掌握的，可是构图涉及的是艺术，而艺术是一种天赋和修养的产物，不是一天两天就能掌握的，我个人的PP经常被人批评构图水平差，因此，不敢妄言，仅谈自己的几点感受。

1、学习摄影，最好从美术学起。美术中的油画和摄影最有相通性：追求光线的敏感变化和景物细节的描述。因此，建议通过适当学习和参考油画画法中关于构图的基本技巧。

2、尽管数码照片后期可以非常方便的裁减，但构图作为摄影最基本最重要的艺术表现手法，摄影者应该从一开始就刻意培养自己的构图能力：尽量在按下快门前，就想好要表达的思想以及为达到此目的的构图方式。应该争取早日抛弃对后期裁减的依赖。

3、摄影大师的作品区分于普通作品的主要特点就是构图的差异。翻看美国国家地理杂志的那些封面作品，他们区分于我们作品的主要特点也是如此。
a、构图的视觉冲击力一定要强。我们在网上看到的习作，大多数作品都缺乏视觉冲击力。有的是图片兴趣中心不明确，有的有兴趣中心但是主体却太小。我发现许多名作，尤其是拍人的照片，主体明确而且充满整个画面的情况非常之多。
b、彩色摄影是颜色的艺术。因此，在考虑构图的“形”的特点的同时，不能忽略颜色的搭配和平衡作用。颜色单调或者平淡的作品，不能让人产生记忆和共鸣，这点在人文和旅游摄影时尤为突出。比如，往往可以发现在大块的单调色彩中恰当的融入一种对比色可以起到画龙点睛或者平衡画面的奇妙作用。
c、焦点以及景深对构图的影响往往是致命的。无忌上可以看到非常多的从形体结构上看是不错的、但因焦点选择失误造成的构图失败的案例。我们不难发现许多这样的拍花的PP，最吸引人视线的花儿是虚的，焦点落在了不吸引人的某个东西上。构图一定是将人的视线引入到作者最想表达的地方，因此焦点应该在图片中最突出的、最明亮或者最吸引人的物体上，如果这个东西不是你要表达的主体，一定要将它从取景框中去掉！锻炼这种功夫的方法最简单：了解和模仿我们自己看东西的视觉习惯。注意我们自己的视觉习惯：总是只看一个范围很小的区域。实际上，一米左右能够我能看得清楚明白的物体好象不超过10CM见方。

4、在全副上，大广角的畸变比带系数的机器要大得多。如何寻找并确立图片中的重心，让图片看上去稳定而平衡是我面临的一个难题。

5、构图的常规是做“减法”。画面里的无关元素越少，主体将会越突出。在不易排除的烦杂背景中，可以运用对比的色彩来简化画面。我个人看到的中西摄影作品中，留下的普遍印象是西方人的构图比中国人的简单，简单得象中国古代的写意作品。

（五）、精确对焦

焦点是否准确落在拍摄主体上也是一副作品是否成功的关键。再好的构图和思想，如果图片模糊不清，也就失去了意义。在学习过程中，关于对焦的心得有如下几点：

1、提高微距摄影的合焦几率。微距摄影，即使设置较小光圈，但景深还是很小，手持时脱焦的几率与拍摄距离成反比，距离越近越容易脱焦。佳能相机的个人设置中有可以打开焦点预设功能，然后将镜头调整为手动对焦，预设一个焦点；移动相机，当主体进入焦点范围合焦时，相机会自动拍摄，这个功能主要是给运动物体准备的，但应用到微距上却也可以提高手持拍摄的成功几率。

2、拍摄运动物体，如飞鸟，应将自动对焦和曝光锁定从快门键上分离开来，用不同的键来分别控制。拍摄飞鸟，一般会用到自动追焦。但是如果使用缺省设置，半按快门对焦的同时将锁定曝光，一直半按快门追焦，相机将锁定或不断计算曝光组合。而物体在高速运动中，其曝光量组合是随位置变化而变化的。因此，用快门键同时控制对焦和曝光将可能导致主体的曝光失误，也可能因不停地计算导致追焦速度的下降。在10D和1系列上，佳能的C.Fn个人设置都提供了将自动对焦转移到“*”键的设置。据说职业记者都是这么设置的。

【2005年9月5日】在佳能1系列相机上提供了多点点测的功能，当使用该功能测光时，镜头需要指向不同的物体测光，如果对焦和测光都在快门键上，构图会非常麻烦。这时，把对焦功能分离到“*”键上将使得测光、构图分开，互不干扰。【2005年9月5日】

3、拍摄5米以内的人或物体，都不要使用对焦然后半按快门构图的方法。在数码上，焦点的一点点偏移都会被以象素点为单位觉察到，这种方法根本就不可取（别看说明书上都这么写。）

4、使用自动对焦时，对人眼对焦的办法也要慎重。我的经验发现，如果不使用反光板，在不顺光的情况下，对人眼自动对焦的精度很低，而且光线稍稍不好就可能发生焦点漂移。相机是根据物体的反差来实现自动对焦的，我个人通过比较总结了一条不知是否正确的原因：对人眼对焦的经验都是白人总结的，白人浅色的眼球与眼皮边缘的对比可能比较强的，而我们褐色的眼睛和黄色的皮肤反差可能太小了。因此，我建议平时拍摄最好选眉毛头、鼻梁和眼睛这个三角地带对焦，关键是要有黑色的眉毛！

5、尽管购买大光圈镜头很贵，也尽管变焦镜头在最大光圈时拍出的PP基本没法看，但最大光圈大的镜头可以有效提高机器的对焦精度。这在佳能的相机和镜头说明书中都有详细的说明，不再赘述。

6、练练手动对焦。看到许多专业人员偏爱手动对焦，与其交流，发现许多人并非好古，而是异口同声称其优点“焦点随心而动”。真的假的呀？先不管它，模仿一下再说。很快我发现他们说的一点也不错：稍微熟练一点后，手动对焦比切换对焦点AF要快而准，而且构图自由了，不再受对焦屏中央那些红方块的限制。

五、数码影像的兴奋点：后期工作流

(一） 必要的设施

1、笔触绘图板

这个东西对于经常需要使用PS磨皮和做选区的色友来说是个非常好的玩意。感应式的绘图笔可以根据压力大小自动调节PS中的“墨水”流量，与用真笔的感觉几乎一致。用它来磨皮比鼠标要真实很多，而且胳膊不容易疲劳。本人使用的是WACOM的一款产品。

2、校色设备

市面上目前有“蜘蛛”和I1两类产品出售，尽管价格不菲，但是对于数码发烧友来说，没有一款合适的校色工具后面的工作有点象盲人摸象－－俺就摸了很长时间。

（二） 校准显示器

显示器是图片显示的载体，它和胶片一样也有白平衡校正的问题。有资料表明，在我国南方地区，显示器适合选择9300K的色温，而北方（北欧和北美的加拿大）显示器适合选择6500K的色温。不幸的是，不是所有的显示器都提供了色温校正的功能。

这个帖子中的帖首，指出显示器的亮度和对比度两个按钮的标志和作用是反着的，大家可以参考：
http://forum.xitek.com/showthread.php?threadid=218534

准确校正显示器的色彩，需要专门的设备，如蜘蛛等。普通玩家，用软件简单调整也未尝不可。PHOTOSHOP安装后，会自动在控制面板中安装一个调整软件：ADOBE GAMMA。可用它对显示器进行简单校准。需要注意的是：
1、调整前将显示器亮度调到最大；
2、尽量屏蔽外部光源。
3、人眼有极强的适应性，因此即使颜色不准，也很快会认为是“准”的。为了防止人眼的自适应，建议将标准灰板和显示器平行摆放，调整时作为中灰的标准，也作为眼睛“校色”的标准－－不时盯上一会。

本人于2005年6月14日购买了Eyeone display 2,用其高级模式校正我的显示器后，与软件校正的结果相比，效果令人震惊。如下图，在过去我的显示器上根本看不到香燃烧后的缕缕轻烟，而阴影中似乎也没有多少细节：

图2

使用此类专业校色工具后的一个心得：最好购买具有R、G、B单独调整控制的显示器。否则连校正都难。

在玩了一阵打印输出后，认为好的显示器似乎没有好的色彩校正设备有价值。

在打印输出时，显示器颜色和打印机的颜色匹配是另外一个令人头疼的问题。我经常采用自己发明的笨办法：用打印机打印图片，然后用图片调较显示器，使得显示和打印效果最接近后，再在电脑上对数码图片进行调整直到满意后打印出片。也许不值得推广，但我发现效果不错。
（三） RAW照片的调整

处理RAW文件的软件很多，各有千秋，大家可以多加尝试，最后根据偏好挑选自己喜欢的软件。我比较偏好PS CS的CAMERA_RAW插件。

RAW转换软件共有的设定功能：
1、选定转换出来的文件的色彩空间。建议为网络上图采用sRGB色彩空间，而打印输出使用ProPhot RGB,该空间色域奇大，可以有效降低过曝等因素。
2、选定每个颜色的亮度范围（位深），可以选择8位位深或者16位位深。由于PS CS增加了对16位图像的支持，因此选用16位位深已经具备一定的操作意义。但是一般的转换软件只支持TIFF格式16位的文件。JPEG2000也支持16位的文件（事实上，RAW文件本身就是使用JPEG2000压缩的），但在PS CS里需要安装单独的JPEG2000插件。
3、设定转换出来的图片的横竖尺寸，可以以象素点数或与原图的大小比例进行设定。在无需最大尺寸的时候，指定较小的图像尺寸，可以提高处理速度。

（1）、用PS CS CAMERA_RAW处理RAW文件。
CAMERA_RAW是ADOBE公司的产品，因此他最大的优点就是和PHOTOSHOP的接合非常紧密，操作起来很方便。其它优点：
* 使用它可以简化工作流，提高效率。由于可以和PS CS的文件浏览器（FILE Browser)配合使用，文件处理比其它软件都要来得方便。
* 操作习惯和Photoshop基本一致，比如：画面的放大和缩小快捷键与PC CS完全一致；使用"R"、“L”键实现图片的旋转；使用CTRL+Z可以恢复前一次操作等等。可以方便的把RAW文件的处理嵌入到自动动作（ACTION）中。
* CAMERA_RAW的高光和过暗警告功能，比其它软件来得简单、实用。
* 对不同文件应用相同的调整方案时，控制操作灵活和细致。
* 可以方便的校正镜头产生的暗角、也可以从一定程度上消除紫边。
* 100%预览RAW文件的速度是无与伦比的。

我认为的缺点：
* 没有缺省的批量处理功能，必须自行制作自动动作（ACTION）才能完成批量的文件转换；（CS2已解决）
* 没有转换前的画面裁减功能；（CS2已解决）
* 不能配置拍摄RAW的DSLR的ICC文件。
* 在转换图像的质量方面，表现平平。天空的蓝色比较容易产生色调分离的现象，上面沙漠蓝天的图片也说明了这个问题。类似情形用其它转换软件，都可以获得更好的效果。

1、校正白平衡；

拍摄时如果能精确设定白平衡，这个步骤似乎可以忽略,但往往没有那么完美的事情。

如果认为图像的白平衡不准确，可以利用左侧的吸管进行白平衡设定。鼠标变成吸管后，选择图片中应为纯白或者中灰的颜色点一下，图像将会根据选定的点调整白平衡，如果不满意可以继续选择。鼠标移动的过程中，可以查看鼠标指向的点的RGB值，根据RGB值的情况进行较为精确的选定。显然，如果拍摄时在场景中放置了18％灰板，这时校正白平衡将是多么的方便！

（2005年6月6日）本人使用PS CS2，总结了一个新的校正方法。BRIDGE中增加了高光警告。这个功能也许可以用来辅助校正白平衡。在复杂光线下，比如车展中，由于灯光变换，用自动白平衡拍的PP往往偏差很大，尤其是拍MT的时候。如果MM的皮肤高光警告闪烁（如果不闪，可以先增加曝光值使其部分闪起来！）而感觉肤色异常，可以调整色温滑块，高光警告部分会随之增减，在某个位置警告部分面积会最少，这个位置的色温应当较为准确。然后适当调整TINT，就可以将色温较准确地还原了。
图例：深圳车展上的福特MM.未校正：

图3

校正：（有一束淡淡的紫红色光从左上角投射过来，在模特和车子的侧门上留下一片梦幻般的颜色）

图4
2、使用ALT键进行曝光和暗调调整；

这是Camera_raw调整图片最方便的地方。按住ALT键的同时，用鼠标拖动曝光和暗调的调整的小三角，如果导致某个颜色的高光或者暗调溢出，溢出部分将清楚的显示出来。调整曝光时，没有溢出的图像是全黑的；而调整暗调时，没有溢出的图像是全白的。曝光按钮向右调整，可以让LEVEL曲线向右移动，而暗调按钮向右调整，可以让LEVEL曲线向左展开，这样可以最大限度的展示图片细节，同时增加图片对比。

该功能可以将RAW原图中4096个灰度级别中的有用信息最大可能的转换至8位JPEG文件的256灰度级别中，使得LEVEL曲线均匀分布。PHASE ONE仅有高光和暗调的警告，却缺乏根据警告进行调整的功能，是我最觉遗憾的地方。需要知道，曝光和暗调的调整，都不要追求极端，适度为最佳，相片主体的曝光准确是调整的主要目标。

【2005年9月15日补充】sRGB的色域非常小，而DSLR能拍摄的色域很广，因此使用sRGB时，色彩的溢出会很常见。可以尝试在RAW转换界面的左下角选择色域更宽的ADOBE RGB，一般会使色彩溢出减少，使用色域更广的ProPhoto RGB效果也许会更好。当用PS打开这些文件时，可以再将色彩空间转换为sRGB.这并不需要太多色彩管理的知识，大家可以实践看看效果。

3、调整亮度（Brightness)

Camera_raw中的亮度调整，是对图片曝光的中调（midtone)的调节。一般的，它并不改变整个画面的曝光范围。即使经过较大的亮度调整，回过头用ALT键查看曝光的溢出情况，可以发现，对亮度的调整一般不会造成图像中高光和暗调的溢出。

作为经验，调整曝光时，最好同时逆向调整亮度，这样可以尽量保持图片的实际亮度感受。如，将曝光调整向右调整的时候，最好将亮度向左适当调节。

由于ADOBE色彩空间的色域比SRGB大，如果选用ADOBE RGB我们可以得到更少的色彩溢出警告。如果片子以后有打印的可能，最好选用ADOBE RGB或者色域更宽的PHOTO PRO空间，他们将在文件中保留更多的色彩信息。

4、其它调整:
1) 在“细节”（detail)中，可以调整画面的锐度。由于PS CS中可以进行更好的锐度调整控制，这个功能就不要用它。而下面的“颜色噪音降低”（color noise reduction)有时却十分有用，向右调整虽然会减少颜色的层次和噪音，但也使转换出的JPEG文件可以出奇的小巧。

2) 打开对话框右上角的“高级”(advance)选择，可以展开“镜头”和“校正”两个高级的选项栏。“镜头”（lens)中的头两个选项可以从一定程度上消除"绿边"或者"紫边"；第三和第四个选项的同时调整，可以调整镜头造成的“暗角”。全副的相机上，这个功能会经常用到，而10D等机器似乎用不着。“校正”（calibrate)栏中，可以对R， G , B三个颜色通道单独进行色相和饱和度的调整，非常方便。这时，前面提到的颜色轮盘在色相调整中可以派上用场。对于微距摄影等色彩游戏，该功能提供了绝佳的艺术创作空间。

3) 人像的肤色校正(2005年7月22日）
在森林中，在草原上，或者在海边，人像作品的色彩总是受环境主色彩的影响，呈献一定程度的失真。我们可以从两个方面来进行肤色校正。一方面自然是调较白平衡；而白平衡的调整达不到效果时，我们可利用“校正”（calibrate)功能中的色彩调整来达到目的。一般的，人的肤色较黄时，分别适当降低绿色和红色的饱和度，并适当调整红色（一般是向左）和蓝色（一般向右）的色相（HUE)可以将人的肤色调整成粉白透红的效果。

5、保存调整结果；
按住ALT键，点击“确认"（OK）钮将转变为“更新”(“UPDATE"），系统将把调整后的结果存贮到RAW文件中。如果不按ALT键，系统将完成RAW文件的转换。

6、将RAW文件的调整设置应用到其它RAW文件中

CAMERA_RAW有一个非常好用的功能，在PS CS的文件浏览窗口（browse)中，用户选定好RAW文件，通过点击右键就可以进行，“Apply camera raw settings”（应用RAW文件设置）的操作，它可以：
1）、把已经调整完的RAW文件的设置复制到所选择的其它文件中去；
2）、也可以将所选中的、已调整过的RAW文件批量恢复到缺省设置或调整为其它设置；

3）、在选择“高级”选项时，可以把RAW文件中某一或多个调整选项，如饱和度等复制到其它RAW文件中去。这样用户在调整好一副图片后，可以轻而易举地将所作的调整设置应用到其它需要类似调整的文件中去，提高工作效率。

其它RAW转换软件，虽有类似功能，但远没有CAMERA_RAW功能强大、考虑细致和操作方便。

7、批量转换

尽管CAMERA_RAW的批量调整功能卓而不群，但最令人遗憾的是，PS CS却奇怪地没有为CAMERA_RAW提供批量转换或者后台转换功能。

为了实现批量转换，我们必须自己编制“动作”（ACTION)来实现它。亏得ACTION的编制并不复杂。
1）、在打开“动作”浮动窗口后，创建一个新的“动作”，开始录制
2）、在文件浏览器（FILE BROWSE）中打开一个RAW文件，设置好转换参数（如文件大小、位深等）后，进行转换；

3）、保存文件，并关闭窗口；
4）、结束“动作”录制即可。
有了这个“动作文件”，在选择要转换的文件后，点击右键，利用“批处理”（Batch)命令，选择自己录制的“动作”就可以完成批量的转换工作了。

“批处理”（Batch)命令中，注意“文件来源”和“文件保存”的不同设置。不熟悉的情况下，要对文件进行备份然后再进行操作，以防文件被错误覆盖。

8、黑白照片的生成

RAW文件的12位位深，可以覆盖正负6EV的亮度范围，转换为8位的显示文件，依然可以覆盖正负4EV的亮度范围。这个区域几乎达到顶极黑白胶片的曝光范围。在RAW转换操作中，可通过调整，使得曝光范围“精确”映射到8位位深文件中，覆盖正负4EV的亮度范围。由于RAW文件的高保真、高宽容度特性，从RAW文件中直接生成黑白图片，是获得曝光准确同时包含最大动态范围图片的捷径。

操作办法：将饱和度调整为零！然后调整曝光、暗调、亮度和反差，直至满意为止。

举例：本图原本彩色。如保留色彩信息，无论如何调整，也无法保证高光和暗调同时不溢出，但在RAW中去色，直接出黑白图片，却能轻松顾及两头。如果您不能理解其原因，需要对色彩的亮度范围重新认识和理解，可以看出图片完美覆盖了现实场景中光线亮度变化范围（约正负4EV）。

图5

9、推荐ADOBE号称“未来下一代的图像浏览器”PS CS2中的BRIDGE

PS CS2中的文件浏览器升级为可独立于PHOTOSHOP运行、更为方便灵巧的“BRIDGE”应用程序。它集成了CAMERA_RAW 3.0，极大地方便了RAW文件的处理，使得RAW文件的处理有了突破性的飞跃。新增加了以下功能：
1) 无与伦比的幻灯浏览器。它可能是第一个能够快速浏览RAW文件的幻灯浏览器，而且速度飞快！这使得RAW文件的回放检查效率有了革命性飞跃。从此，我们无需一定要转换出JPG或TIFF文件了，只保留RAW文件一样可以实现浏览和展示！
2） 增加了RAW文件的批量处理功能。一次选择多个文件打开，在编辑窗口的左边将列出待编辑的所有选择图片，如果选择所有图片，可以实现参数调整和转换的批量化。转换和应用调整是后台进行的。这个功能弥补了CAMERA_RAW原来不能直接批量处理的缺憾。
3) 增加了裁减和图像的旋转取平功能。这是吸收了PHASE ONE 和DPP的长处，大大提升了文件处理的效率；
4） 文件浏览可以采用和XP的图像查看器一样的界面和风格，RAW转换对话框的大小也可以调整大小，可以快速方便地预览大图。
5） 增加了高光、暗调警告按钮，无需用ALT键的配合就可以看到调整的结果；
6） 增加了“AUTO”调整功能，使调整有了一定参考基准。但大部分时候，自动调整并不能调出令人满意的图片。
7） 预览和转换速度大为提升。

RAW文件的调整和过去没有本质区别，不详细介绍了。但我以为在增加了如此众多方便实用的新功能后，其它RAW转换软件的生存空间将受到致命威胁。

* 此外，PS CS2提供的“SMART SHARPEN”（智能锐化）工具很有意思，可以针对“高斯模糊、镜头抖动模糊和运动抖动模糊”三种造成图片模糊的不同原因进行锐化，效果相当不错。

(2)、C1 Pro

优点：
* 转出的图片颜色比较鲜明，不同颜色饱和度得协调比其它软件来得好。【2005年8月15日补充：尤其是对天空蓝色的转换是三个软件中最为漂亮的，风格最接近反转的味道，同时具有良好的噪音控制能力。蓝天白云和高海拔地区的PP选它出片可以获得很好效果。】
* 与DPP一样，可以在RAW处理过程中对图片进行裁减。
* 支持批量转换，而且是后台运行，在转换的同时，可以继续其它图片的调整,对于大量图片的调整，这个功能真的太重要了。
* 转换的图片具有更好的暗部细节和更低的暗部噪点。
* 完善的色彩管理功能，可以配置每种相机的ICC PROFILE.
缺点：
* 并不能完全兼容CANON的RAW文件，无论10D还是1DS2，都可能出现不能正确显示和转换的情况。
* 不能调整因镜头大光圈下造成的图片暗角。
* 尽管缺少完整的自动调整功能，而且自动调整白平衡和曝光功能不是很准确。

(3)、DPP:佳能自带的RAW处理软件。【2005年8月15日前的观点：优点：无需盗版。缺点:没有特点。】在钻研了打印一阵子后，俺必须承认，以前对其的认识很片面。DPP的操作方便性确实乏善可陈，但其暗部细节的再现能力、降噪处理方便，是三个软件中最为出色的。高反差的画面，用它来转换RAW文件用以打印输出，从目前来看是三个中最合适的。

RAW转换软件选择总结:CS2用作照片的筛选和处理时非常方便的，但画质不是最理想的，要输出照片，可以根据画面的情况选用DPP或者C1。尽管有人认为差异是使用者使用了不同参数的结果，但事实上是三个软件对参数的设计和界面上都不统一，我们无法用同样的参数进行调整比较，而在屏幕上调图，通过观感调整参数后，画面优劣的结论往往一致。在学习过色彩管理后，我了解到这些差异其实可能是不同软件采用了不同的色彩管理模型(CMM)造成的。因此，根据画面特征选用不同的转换软件是明智的选择，不必拘泥。

（四） 锐化

数码图片比较软，是传统人士诟病数码的一个重要依据。的确，由于数码感应器的固有原因，100％数码图片的锐度不高。幸运地是，锐度可以通过“锐化”来调整。而PS CS的USM锐化功能无疑是最为好用的工具。使用USM锐化功能，需要注意以下几点：

1、切忌对全图锐化。全面锐化，效果提升不多，而文件的体积却会暴增！正确做法是运用选区，只对焦点范围内的区域进行锐化。

2、锐化一定要在裁减、尺寸调整和颜色调整等完成后最后进行。因为这些操作和图片的大小都会改变图片的锐度。

3、佳能推荐的USM锐化参数是（300，0.3,0)。对于3072×2048以上的图片，可以从0～500大胆调整“量”（amount)，而慎重调整“半径”（radius)的象素数，尤其对大于0.3的值要特别谨慎。
4、《Book for Digital Photographers》一书中，也推荐了几种组合，但均未指明所适合图片的大小 ，我猜测应该是1024×768的小图。其建议如下：
（150，1，10），适合表现较软的图片，如花、小动物、人和彩虹等；
（75，2，3），适合于人物近照，如半身像等；
（225，0.5,0),适合建筑内外景和风景照等；
（65，4，3），可应用于明显脱焦或边角众多的图片；
锐化有着严重的个人偏好，这些推荐的参数并不一定合适，尝试一下才能知道自己是否喜欢。

书中同时介绍了两种减少锐化影晕的办法，比较容易的是在USM锐化后，执行“编辑”（EDIT）菜单下的“减弱锐化”（Fade unsharp Mask...)，在对话框中的“模式”（mode)中选择“发光度”（Luminosity)确认即可。


5、锐化过程是不可逆的，因此不保留RAW文件时，如无打印等特别需求最好不要对图片进行锐化。大的半径数值和域值可以调整画面的对比情况，但调整同样不可逆，因此最好保存重要文件的RAW文件，并在RAW中完成调整。

熟练掌握RAW调整后，除裁减、锐化以及擦除斑痕等特别操作外，照片调整并不需要PS复杂而众多的功能。

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（五） 打印输出

目前，8色喷墨打印机打印在高光相片上的图片质量，据说已经达到了冲印的效果。尤其是EPSON的PHOTO STYLER 2100（2200），获得众多职业摄影师的追捧。本人发现，数万元的激光彩色打印机打印的数码照片效果远没有多色喷墨打印机好。看来数码大照片的输出主要靠喷墨打印机。

目前，支持A3＋幅面的八色喷墨打印机有佳能的i9950和EPSON的2100。i9950价格只有3400元左右，而EPSON 2100需要7000多。同时，佳能的耗材价格相对便宜，但EPSON的油墨号称在镜框里可以保持70多年不褪色。八色的A4幅面打印机的选择则比较多，各家厂商均有出色的产品。2005年7月我购买了一台CANON i9950打印机，八色A3+的。

打印输出的经验所得如下：

1、校正显示器是第一步。颜色调整都在显示器上进行，为了使打印的色彩和显示器的一致，首先需要对显示器进行校准。由于显示器显示图片的亮度肯定高于打印纸上的图像，所以在显示器上看图合适的亮度并不适合打印输出的色彩校样。国外色友推荐调较LCD颜色时，将亮度调到80cd/m2（校色设备软件推荐的亮度为140，差别很大）。这样确实可以使打印机和LCD上显示的色彩更为一致。在调整显示器前，还需要关闭ADOBE GAMMA，使它不在操作系统启动的时候调整显示器的GAMMA值。

2、使用色彩管理可以使得打印和显示的颜色更为统一，建议打印输出的图片从RAW转换程序中选用16位ADOBE或者更广PRO PHOTO色彩空间，而只是显示时选用8位sRGB。选择前者，在PHOTO SHOP中需要都使用16位设置，因此PHOTOSHOP必须选用CS或CS2。

3、喷墨打印机对纸张也比较挑剔，应尽量选择原厂或者知名品牌的纸张。这些纸张都有相应的色彩管理文件（Profile),可从厂家的网站下载。

4、图片输出时，需要对图片进行比屏幕上更多的锐化；同时使用普通家用喷墨打印机，比使用专业级别的打印机（前面提到的）也需要更多的锐化。

2005年7月28日补充【

5、进行图片输出，需要认真研究和了解色彩空间及打印机及纸张的ICC Profile。没有针对专门的机器、纸张和墨水组合的ICC PROFILE,色彩无法让人满意。没有提供ICC PROFILE的纸张，我们需要自己定制打印机＋墨水＋纸张组合的ICC PROFILE。I1 photo等可生成ICC PROFILE的设备价格昂贵，因此，大部分都选用了PROFILE PRISM这个软件包，它包括软件和两张IT8标准色卡。可以从这里购得。

6、喷墨打印完后的颜色不是最终颜色，需要耐心等待墨水干透，颜色会变得更舒服，更自然。墨水完全干的时间，需要查看说相关说明书。

7、不管怎样，打印结果和显示还是稍有差异，主要是变暗。应该可以理解，因为一个是发射光，而另一个是反射光。为了减少亮度差异，在RAW调整中，可将显示器上看着舒服的图片的亮度适当调高。在JPG中调整不可取，因为调整的高光溢出不容易察觉。

8、使用带ICC PROFILE的纸张，也无法实现色彩显示和打印的精确统一，但所有色彩的协调和一致性是可以信赖的。8色喷墨打印机的输出色域比显示器大，在显示器上有些颜没有表现出来的，打印输出出来可能令人吃惊。我在打印机和显示器颜色整体表现非常统一的肖像上洋红色的嘴唇差异就很大，打印的色彩明显更浓更厚，更加接近现实中的本色。

9、好的打印需要精细的色彩管理，学习色彩管理可以参考本人写的另一文章：
数码摄影色彩管理ABC


（六） 数据和照片的保存

刻盘无疑是数码照片最佳的保存方式。现在，带刻录的CD或DVD光驱已经普及，操作也极其简单。700M的CD和4.7G的DVD光盘价格也很便宜。但是色友需要特别注意光盘的选择和保存。
1、不能贪便宜，购买那些最便宜的盘片，因为质量没有保障。摄影器材和外出拍片付出巨大代价后，不能让记忆葬送在廉价的盘片上；
2、光盘需要特别注意防止划伤。因此，最好每张盘片都有盒子分装。如果采用多碟的盒子，建议使用铁皮盒盖、侧面有硬支撑的；绝对不能使用盘片之间没有软隔离的那种便宜货；这样能最大限度杜绝堆放或搬运时挤压造成的盘片互相摩擦导致的毁损。
3、光盘还需要注意防潮（霉）和过热。
4、为了快速检索光盘，可以用打印机制作带有小图的盘盒说明卡。在PS CS中的“文件”菜单“自动”选项下，有一个“联系表单II”（“CONTACT SHEETII”）功能是专门为此设计的，非常方便实用。
5、建议使用带有方便的塑料覆膜的影集来保存打印好的照片，防止数码油墨与空气接触发生氧化。市场上可以粘贴A4幅面的相册不少，同时价格也不菲。

(七） 照片的网上发布

在网上发布相片，需要将文件和画面的大小调整到较小的范围。PS CS在这两个方面都提供了方便的功能。
1、调整画面的尺寸。
打开一个文件，在“文件”菜单中的“自动”（automatic)选项中，有一个不起眼的重要功能“限制图像”（Fit image)。在弹出的对话框中，我们可以限定画面宽度和高度的最大值。这样就可以将画面限制在一定的大小范围内。


该功能比"调整大小”（RESIZE)的方便之处是它可以方便的编进“动作”（ACTION)中，当“动作”在执行时无需我们每次输入宽高数值，实现真正的批量处理。


2、调整文件的大小。

文件菜单中的另一重要功能“存储为WEB所用格式”（save for web)，可以将文件压缩到指定大小以内。令人“气愤”的是，关于文件大小的限制设置，隐藏很深，极难发现：它位于“存储”、“取消”和“完成”三个大按钮右下方那个小小的三角按钮内，点击后，才可以看到“优化文件大小”（optimize to file size)的选项。

尽管如此，该设置也无法在批量处理的“动作”中对每张图片都发生作用。要使其对每一张图片都发挥作用，在录制“动作”存储第一张图片时，需要按住ALT键，使得“完成”（DONE)按钮变为“记住”（Remember后）点击它，使的系统保留我们所作设置调整。

如果选择了保留ICC配置文件，设置文件大小时需要针对网站要求留出一定富裕量。比如无忌要求图像小于200K，文件大小需要设置为190K左右，否则文件的最终大小会超出200K的限制。

非常可惜，这个命令不能保留EXIF信息。因此，我个人很少采用。同时，我更希望在文件中加入一些其它的注释信息，这个可以通过将“文件信息”组合到“动作”中来批量实施。

将以上两个操作组合到一个“动作”（ACTION)中,可以完成网络上图文件的批量处理。可惜的是，我还没有发现既可以同时限制图像画面和文件大小又能保留EXIF的批量处理办法。请其它DX赐教。

3、调出胶片味道

1）、 胶片味道是啥子味道？对比研究发现，高反差和色彩的高饱和是主要因素。

2）、 在以PS CAMERA_RAW为例，将反差调整到70－90间，饱和度调整至12－24间，并适当降低曝光，调高亮度，相当程度上数码图片可以模拟成反转效果。数码图片经调整后，绿色过浓，可单独适当降低绿色得饱和度。如果依然觉得片子发灰，可以用USM的另一作用－－增加整体反差来实现，比如（80，60，5）、（100，50，10）这样怪异的参数。调整USM的三个参数，可以使得片子的整体反差与胶片看上去真假难辩。不过要注意物体边缘的反差不要搞得不自然。还要注意，调整后的片子在显示器上看着很爽，但也许并不适合打印输出。

3)、色温误配。

一般的，拍摄场景的色温是不相同的，数码摄影可通过DSLR自动获取或者通过手动测量获得较为精确色温。而一种胶片却只在对应某色温值时，才能较好地还原色彩，因此当胶片对应的色温和现场光源色温不符合时，胶片将记录错误的色彩信息，当然同时也会产生一些奇妙的效果－－这类效果也成为胶片味道的一部分。比如，用日光胶片（色温5500K)拍摄日出日落等低色温场景（3400K左右）可以得到非常暖调的效果。因此，数码在RAW转换时如故意将基本正确的色温调整为某种指定胶片类型的色温值，也可以达到胶片色温误配时类似奇妙效果。图例：夕阳中的沙滩女郎

图6
显然，色温的误配，使得左边的照片更能体现夕阳的感觉而更接近胶片的效果。

4）、不想涉及PS技术，但这简单的一招值得推荐。从一言资深处偷来，与大家共享：在PS中的“图像”（Image)菜单中，选择“应用图像”（Apply image),选择混合（Blending)中的“覆盖”（Overlay)模式，图片将立刻具有胶片的特征：高反差和重色调。如果过头了，可以调整下面的透明度。这个方法对于发灰天气下的PP具有去灰的特效。导致暗部和亮部过头的，可以使用调整菜单中的“高光和暗调”加以调整。

建议：数码FANS不妨也拍拍反转片和负片，同样场景用数码和胶片机器都拍摄一下，用以对比。这样将加深对色彩和曝光的理解，对提高RAW和PS水平也非常有帮助。拍摄反转，不需要购置幻灯机等昂贵设备，几十元的专用放大镜可充分展现反转的魅力和风采。


六、从数码摄影到视觉艺术

Aristotle说“艺术是对自然的模仿”，这个似乎有点老派了，近代人们偏爱这个定义：“凡含有審美的價值的活動及其活動的產物，而能表現出創作者的思想及情感，並予接觸者產生共感者，謂之藝術。”


谈到摄影艺术，我总是想到张载的“瞬有存”。当然，他的原意和我的理解完全不同。但别人一提到摄影，我的脑海中总是冒出这三个字。因为摄的是一“瞬”，“存”却要我们的加工。别人看到作品能够体察出作者情绪的图片，就具有“存”的艺术价值。

我最敬重的梁思成先生说过“建筑师比一般人更幸福，因为他比别人更多地看到美的作品；建筑师又比一般人更苦恼，因为他比别人更多地看到丑的作品”。其实这话对于摄影爱好者和摄影师也是一样的。

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先进的EOS技术不断提升摄影师技能





    先进的EOS技术不断提升摄影师技能

——纪念佳能单反相机50周年恳谈会侧记

近日，由《摄影世界》杂志社和佳能（中国）有限公司主办的“纪念佳能单反相机50周年的恳谈会”在新华社新闻大厦举行，十多位来自国内新闻及体育报道战线的知名摄影记者参加了座谈。大家交流了在各自工作中使用EOS相机和EF镜头的感受、经验、建议等，还对佳能影像文化的发展进行了探讨和评价。

王建民

王建民：无论专业还是业余，总体反映佳能相机都是好的
刚拍完海上阅兵式的新华社解放军分社摄影部主任王建民说：“从1993年开始，我的相机换成佳能后，到现在一直使用着佳能器材。比如在报道香港回归时，我就使用了佳能早期的数码相机EOS-DCS 3C（佳能第一部实用型数码相机）。这些年来，佳能为我们军事新闻摄影的发稿、资料积累等做出了贡献，借此机会我要感谢佳能公司。我感觉佳能相机在业内，无论是专业还是业余，总体反映都是好的。”

罗更前（左）和李锦河

罗更前：EOS为我体育摄影带来一片新天地
新华社摄影部技术总监罗更前，多年来用遍了佳能顶级器材，他感慨地说：“自从1994年换了佳能EOS 1以后，给我感触最深的是它的自动对焦性能。第一次我拿它去拍游泳，突然觉得它带给我一片体育摄影新天地。它的对焦很灵便，以前手动聚焦太难了，常常跟不上。当时，我看到有人用这款相机拍游泳比赛时，可以轻松拍出运动员‘大脑袋’出水的清晰画面。那次之后，我感觉不相信科学不行。你的手艺再高，但还是自动对焦的画面清楚。从此，我信任EOS先进技术了。另一款印象比较深的相机是EOS-1D，我是直到它的出现，才开始对数码充满信心的。当时，我拿EOS-1D拍冬奥会，感觉快门不再滞后了，画质非常好。在使用过的佳能相机中，我觉得EOS-1D Mark Ⅱ N最令人满意。从拍体育的角度来说，我觉得它的色彩还原非常好。在雅典奥运会上，我用得得心应手。关于镜头，我感觉佳能EF镜头拍的层次更丰富一些，自动对焦性能更好一些。在服务方面，咱们叫情感投资，我觉得用佳能相机让人感受到一种温暖。”
李锦河：佳能要把相机的推广深入到基层
《天津日报》摄影记者李锦河谈了自己的感受：“我是1980年进的报社，摄影部的一些老前辈最早是用双镜头相机的，后来换用135单反之后就一直用佳能相机。而我这个年龄几乎一开始接触的就是EOS系列相机。我印象比较深的一次采访是，为了拍摄新世纪第一缕阳光，去浙江拍摄，因为那是我第一次用数码相机。当时借了EOS-DCS 3C，为了在跨世纪的第一天出号外，《天津日报》当天8点钟就收到传回来的照片，之后发了一整版。第一次用数码相机，保证了时效。对于我个人而言，虽然体育拍得比较多，但是相机的速度不是特别重要。我感觉体育摄影还是拍的‘第一下快门’是自己最想要的画面，连拍后面的画面用得就不会多。去年奥运会期间，我用的机身是EOS-1D Mark Ⅲ，觉得非常好用。我认为摄影师要抓瞬间，但最终决定照片的还是画质。这款相机的画质比以前的要好很多。”
接着，他给佳能公司提了点建议：“像我们这些老用户，常常一用十年，从我们的前辈开始就一直用佳能相机。我希望佳能公司能多关注地方上的这些用户，要把相机的推广深入到基层，服务要做到这些地方。很多地方摄影师往往不知道相机发展到什么型号，你们要下到基层去，与用户多接触，好让我的同事、领导等都了解佳能相机。”

张燕辉（右）和魏征

张燕辉：喜欢方便实用的EF镜头
新华社摄影部中国新闻编辑室主任张燕辉自豪地表示：“我算是铁杆佳能迷，从1995年换用佳能相机至今，我一直信任佳能品牌，认为佳能公司整体实力要比别的器材厂商强。十多年来，去香港、台湾以及其他地区采访，几次奥运会拍摄，我用的都是佳能相机，感觉佳能相机用得方便，手感沉甸甸的，让我用起来很自信。我希望佳能要继续生产出高感光度画质更好、速度更快、性能更强专业相机。”
接着，张燕辉结合自己的使用经验谈了EF镜头的性能，“我最常用的镜头是EF 28?300毫米f/3.5-5.6L IS USM，已经用坏了4只。我拍摄社会新闻，不喜欢镜头换来换去，适当提高感光度的话，可以用这个镜头拍摄各种新闻场景。虽然这款镜头比较笨重，但是我还是喜欢用，因为我不怕沉，就当锻炼身体了。平常我只拿这款镜头上街，甚至摄影包都不用背。它帮我快速拍摄新闻照片，特别方便。假如高感光度画质能更好一点，我都不用带闪光灯了。比如前不久去非洲拍摄，我就带了这个镜头，很方便，不像以前需要背几个很沉的镜头。我在拍时装时也用这只镜头，虽然它的最大光圈不是恒定F2.8的，但是加上一个闪光灯就够用了。当然，我希望这款镜头的下一代产品质量能够更好一点，最广端可以延伸到24毫米。
魏征：佳能镜头给我带来更好的画面空间联想
作为“80后”体育摄影师的代表，中国体育报摄影记者魏征说：“我没有像各位前辈用佳能时间这么长。自2002年大学毕业之后，我才开始用佳能相机工作。之前用胶片相机时，我用过一个非常好的佳能旁轴相机35QD，毕业之后就直接使用佳能单反相机。我觉得EOS开创了一个新世纪，先进的自动对焦技术改变了摄影师的拍摄习惯；而结实的机身，防雨、防尘功能等特性，让佳能相机获得专业摄影师的信任。目前我手里是一台EOS-1D Mark Ⅱ和一个EOS-1D Mark Ⅱ N，采访的时候这两台配合用，这样换镜头就不用浪费时间了。虽然我也用过EOS-1D Mark Ⅲ，但是仍觉得EOS-1D Mark ⅡN是最稳定的。特别是快速切换对焦点的时候，我能知道自己所在的位置和对焦点在什么位置。”
平时，魏征还是个摄影器材爱好者，常常在家里把自己的相机与镜头拿出来摆弄。闲的时候，他还测试镜头。对于佳能镜头，他根据自己的爱好，着重谈了定焦镜头的使用感受。“我平常定焦镜头用得比较多，自认为佳能比较好的几款镜头都用过，包括EF 35毫米f/1.4L USM、EF 85毫米f/1.2L Ⅱ USM、EF 50毫米f/1.2L USM等，都非常好。但是，最好的一款是EF 200毫米f/2L IS USM镜头，我非常喜欢。这款镜头的MTF曲线非常好，专业摄影师可以拿它拍时装和人像。我平常采访是EF 24?70毫米f/2.8L USM和EF 70?200毫米f/2.8L USM这两个镜头用得比较多。用佳能器材拍出来的影像更有一种气氛，我觉得这很重要。一幅照片带给观众更多的画面空间气氛，可能会产生更好的画面空间联想，所以我觉得佳能相机比较适合我。”接着他还称赞了佳能的服务，“我在体育摄影中一直用佳能相机，感受了很好的技术服务。记者有什么样的需求，佳能会尽最大能力满足我们，尤其在奥运会的时候。北京奥运会上，佳能对我们帮助非常大，包括免费出借镜头和机身。我记得当时最多一次我借了8台机身和5只镜头，价值100多万元。可见在最关键的时刻，佳能给予我们鼎立支持。另外，我觉得佳能相机在售后、创作支持等方面都做得非常好。”

李石营（右）

李石营：佳能相机性能可靠服务好
《人民日报海外版》摄影部主任李石营使用佳能相机已经有20年了，他说：“我用佳能单反相机是比较早的，在北京亚运会前就接触了佳能自动对焦相机。当时我刚从日本回来，对自动对焦技术心里还没底，比较保守，老相信手动，大量照片还是用手动拍的。真正全面采用佳能相机是1992年以后，特别是香港、澳门回归报道的时候。我印象最深的是澳门回归，我用的相机是EOS 1，当时给我安排在宣誓就职的现场。随后，要马上去拍解放军进城，但那时下起了倾盆大雨。我只拿了两台佳能相机和一把伞，没带雨衣，伞马上被刮跑了，我被雨淋了近两个小时，拍了6张片子，发了3张稿，全部采用了。回去以后，我用毛巾擦、电吹风吹，当时相机已经不能启动了，我以为坏了，但第二天居然好了，而且没有任何毛病。”
接着，他谈起了EF镜头的使用感受。“1995年，我刚调《人民日报》不久，有一天雾特别大，但我还是用400毫米头去拍摄，结果效果非常好。确实，佳能的镜头层次非常好，宽容度大。最近几年搞了一些创作，拍了许多东西，我感觉镜头还是用佳能的比较好。它层次丰富，从亮部到暗部都好，用慢速快门时特别明显。另外，佳能的服务非常好。不管是平时的采访，还是大型运动会的采访都做得非常好。2004年奥运会的时候，我上台阶摔了一跤，一只300毫米和一只400毫米镜头全都掉出来了。我马上捡起来，找佳能维修人员修理，一点没耽误采访，那次经历给我印象特别深。”

王文澜（左）和贺延光

王文澜：佳能用人情与技术赢得市场
《中国日报》总编辑助理、摄影部主任王文澜从两个方面谈了自己的感受：“一是人情。先不说技术好坏，佳能技术肯定是不错的，但是没有人情要占领市场是不够的。上世纪90年代佳能能被中国摄影师认可，当时佳能公司的公关活动是起决定性作用的。从当时的摄影组织到各个报社，佳能搞了一系列的活动，甚至送相机用，把品牌融进摄影师里。于是，专业摄影人发生了变化，一下子很多中央新闻单位就换佳能了，从一半人换发展到一大半换，各省的新闻工作者就更不用说了。这样的公关加上先进的技术才能的赢得市场。二是技术方面。我愿意用佳能的轻便型数码相机，比如G6。这款相机的液晶屏能转动，便于取景，要是单反相机能这么设计就好了。这样你可以贴着地面拍，甚至还可以偷拍。对我来讲，速度多快、技术多高并不是很感兴趣，但是拍摄角度、机会很重要，关键时候要能够按下快门。不管体育摄影还是新闻摄影，摄影师的选材不是靠马达的，而是靠对关键瞬间的抓拍。我甚至还想设计一种变焦镜头，能够在跟踪人脸的同时改变焦距。当相机移到人的跟前时，镜头会自动变成广角。”
贺延光：EOS把摄影师解放出来
《中国青年报》图片总监贺延光动情地谈了自己用佳能相机的故事。他说：“我刚到中国青年报当记者用的是尼康相机，知道佳能品牌还是在80年代，当时因为佳能让刘香成（曾任美联社驻京记者）在天安门前拿着佳能相机的形象做了广告，我对这个广告印象非常深。我们应该感谢佳能1991年在珠海的中日摄影交流会，当时佳能打了一个翻身仗，做了很多对后来非常有成效的工作。由于战略安排得非常好，人们开始认识佳能的先进技术，接受佳能。珠海交流会也体现了佳能公司的服务理念。我们从不懂到懂，从认识到喜欢，后来我们摄影部慢慢都换成佳能相机。佳能EOS系列出现的时候，我觉得最大的贡献是自动对焦系统，它把摄影师一下子解放出来。80年代我们拍照片，大家讨论的时候，焦点是关键。当时，焦点问题非常大。李石营在我心目中的地位也是对焦厉害。自动对焦解决了对焦问题，摄影师的拍摄就更加自由了。”
贺延光目前手上的两台佳能EOS-1D Mark Ⅲ有一台是报社配备的，还有一台是自己买的，因此他对佳能产品的感情非同寻常，开诚布公地说：“由于照相机的现代化，解决了不少摄影技术问题。现在每个人拿起相机都可能成为摄影家，不需要再像我们当时学摄影那样了。人们只要拿起相机按快门就行，不好的话，马上就可作调整。我学摄影的时候，拍每一张照片都要记录数据，经验才能积少成多，现在这些统统不要了。当今技术把人解放出来了，让你去想怎么构图、怎么抓瞬间，而不必成为技术上的奴隶。不是说摄影技术不重要，而是技术上的一些问题器材本身就解决了，尤其是数码相机出现以后。佳能牌子响，我给很多业余摄影师介绍佳能产品。虽然，我目前使用的EOS-1D Mark Ⅲ曾经出过一些毛病，让我不太满意，但佳能已经想办法帮我解决。其实在摄影技术问题之外，还有我多少年的品牌感情，一下子换品牌是不能解决问题的。我希望佳能不断前发展。”

李岳

李岳：一直用佳能是我的荣幸
新华社摄影部体育新闻采编室主任李岳一直使用佳能相机，他说：“从我开始干摄影用的所有佳能器材、镜头、配件都非常好，没有用坏过一件佳能的镜头或机身。这么长时间以来，从佳能D2000、EOS-1D，到EOS-1D Mark Ⅱ等，都非常好用。所以，我觉得一直用佳能是我的荣幸。特别是去年我在雅典拍奥运点火仪式的时候，点火现场出现一点小的意外，有破坏分子出现。我的相机就放在手边，当时我被旁边的一个警察重重地撞了一下。当我拿起相机时，镜头和机身突然分开，镜头就掉下来了。当时也顾不上什么了，我拧上镜头继续拍，明显感觉快门速度就不对了。但是就这样，我还是把这个活干完了。后来我回到酒店，看螺丝松了，拧了拧照样用，没有问题。”
接着，他从自己的使用经验谈了对相机开发的建议：“关于高感光度的问题，我觉得ISO 1600感光度现在够用了。感光度越高，相机的色彩还原就会有问题。按照奥运会的拍摄要求，感光度ISO 1250已经够用了，相机感光度设计得越高费用也就越高，同时还影响成像质量。高感光度的照片在电脑上看非常好，做成照片质量就差了。给顶级摄影记者用的相机其实可以做成简装版，目前相机上的许多功能我们都用不上，可能有60%的功能我们都不经常用，而厂商为了这些功能会把相机做得更贵。另外，我建议今后佳能如果再出专业相机，是不是可以把视频功能变成一个辅助装置，用户可以要，也可以不要。对于摄影记者来讲，有需要视频留存的时候才用，这样就不会影响照片的拍摄。佳能应该把数码单反相机做到极致，不断提升像素与画质，而不要把过多的精力放在如何把相机改造成摄像机上。现在的相机既可以拍照又可以留存影像，但留存影像是辅助的，不要把我们变成既是摄像记者、又是摄影记者，结果全都做不好。”

徐京星

徐京星：佳能数码单反相机能满足报社对多媒体发稿的需要
《中国日报》摄影部副主任徐京星谈起了当前报社对数码单反相机发展的要求。他说“EOS数码单反相机刚兴起的时候，我刚到《中国日报》工作，有一天看到文字记者拿EOS 10D拍的照片，构图、曝光、清晰度都非常好，用在了《中国日报》的头版。这改变了很多人对数码单反的看法。还有一款印象比较深刻的相机是EOS 5D Mark Ⅱ。它刚推出来时我用过，感觉不是给专业摄影记者设计的，实际上更适合网站记者，特别是综合性的网站。因为综合性网站在采访的时候，可以那它当几个工具来用，包括拍声频、视频、照片。我用这台相机拍了希拉里第一次访华。当时在机场，由于是晚上，很暗，我胸前挂着EOS 5D Mark Ⅱ加一个短镜头。当舱门打开时，我来不及换头，紧张地跑过去，拿着这款相机很方便地连续拍摄。当时成像不是太大，剪裁出来之后效果还是不错的。对于摄影记者在特殊情况下，我感觉这款相机的优势很大，确实很方便，而且剪裁二分之一后的画面，无论色彩还是清晰度都不错。现在美国的一些报纸出电子版了，在其电子版里有图像，也有视频，这款相机的作用的就大了。《中国日报》近日做了一个视频访谈，拿EOS 5D Mark Ⅱ试拍了一下，感觉现场的声音还是不够理想，需要增加一个配套的话筒。大家之所以相信佳能品牌，因为它有一系列不同层次的产品做基础。摄影记者用的相机要往专业的方向发展；给网站用的产品要搞技术综合型的；业余产品也要有不同的档次，这样才能满足市场的需要。”

查春明（右）

查春明：期待中国60年阅兵之前看到佳能新的专业相机
新华社解放军分社摄影记者查春明，经常随海军出访报道，他说：“我用的第一款胶片相机是佳能AE-1，最早用的数码相机是EOS-DCS 3C。那是在98抗洪时用的，虽然像素比较低，但发稿方便。我记得拍完以后，要马上发稿，照片常常偏红，但还是非常方便。而别的记者拍完以后要坐车到武汉冲胶卷，洗好照片再发稿。这么多年，我基本上全用佳能系列的数码相机，比如EOS D30、EOS D60，EOS 1D等，甚至佳能的水下摄影设备也用过，在南沙潜水拍照。最近一次我随海军到南亚出访30多天，用的相机是EOS-1D Mark Ⅲ，也是在军舰上拍完以后把照片传回来的，挺方便，发了很多稿。我感觉海洋的潮湿对EOS机身没有影响，但是对EF镜头有点影响，有时候变焦环潮湿以后会拉不动。”
在军事摄影界，好多人都期待佳能在这次中国60年阅兵之前，有新的一系列专业相机上市。查春明说：“对镜头我还有一个建议，因为我拍海军比较多，海上距离很远，尤其这次阅兵，想拍一个大编队压缩的场面，镜头短了不行。佳能公司是否能设计一款50?500毫米变焦范围的镜头，这样记者能更方便一些。”
会上，佳能（中国）有限公司专业市场总经理山本敏彦表示，佳能会逐步推出一些好产品，让大家慢慢感受到佳能的技术优势。他总结说：“今天大家坐在这里面谈佳能50年的历史，能听到很多关于佳能的评价，非常感谢。有一句古话‘良药苦口’，今天听到很多建议与意见，这些是佳能以后改进的方向。为了将来的50周年，我总结两点。首先，我们要造一台非常可信、表现非常好的相机。其次，我们应该跟各位摄影师搞好关系，给大家提供优质服务。”