《女飞行员》拍摄边记文/陈材保

教师之友网 · 发表于 2011-4-24 21:57:51

21.《音乐之声》(The Sound Of Music)

好莱坞音乐歌舞片经典中的经典
电影史上传颂最广的一部活泼、温馨的音乐电影
艺术与娱乐最成功的平衡之作，人类最珍贵的永恒佳品
出品：1965美国20世纪福克斯影片公司
导演：罗伯特·怀斯
主演：朱莉·安德鲁斯/克里斯托弗·普鲁默
荣誉：
一九六六年金球奖最佳影国音乐片巨匠罗伯特·怀斯/第三十八届奥斯卡最佳导演、最佳影片、最佳配乐、最佳剪辑、最佳录音五项大奖
IMDB： 7.7/10(17939票)

影片概述
电影《音乐之声》取材于玛利亚·奥古斯都·特拉普的同名自传体小说，根据美国百老汇的同名音乐剧改编而成，是美国音乐片巨匠罗伯特·怀斯新风格音乐片的又一力作。在编、导、演的天衣无缝的配合下，这部影片成为电影史上最经典的音乐片之一。天性自由、善良的美丽修女玛利亚，奥地利美丽的阿尔卑斯山的山坡、清澈的湖泊、雅致的别墅，一群活泼可爱的孩子，以及反纳粹、追求自由的勇气，这一切都深深地打动着世界各地人们的心。
《音乐之声》清新有致，雅俗共赏。既有幽默的情趣，又有深沉凝重的感情，在各国的民意测验中经常被评为“最受欢迎的影片”，是全世界票房最高的电影之一。其中流传最广的几首经典音乐，如表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》；轻松愉快的《孤独的牧羊人》；特拉普上校演唱的深情无限的《雪绒花》；欢乐大方的《哆来咪》；以及可爱的孩子们演唱的《晚安，再见！》等等，都成为人们记忆中最值得珍惜和细细回味的艺术佳作，被视做人类最珍贵的永恒佳品。
精彩影评
许多人都曾问过我最喜欢的电影是什么，可能他们认为我作为功夫名星，应该喜欢那种带有暴力色彩的影片，可是说出来或许会很让人奇怪，我最喜爱的电影既不是史泰龙的枪炮，也不是施瓦辛格的特技，而是充满温馨的《音乐之声》。因为在这部影片中，我所感到的是人世间那种最淳朴、最简单的友爱和挚爱之情，这部影片让我的全身心都感到放松。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——国际巨星　成　龙
　　从来没有一部电影如此深入人心，不但里面的角色、情节、人物经历家喻户晓，主题歌曲也被广为传唱，由它带来的影响面之广、覆盖面之大、被感染的人之多可谓空前绝后、独一无二，它就是来自著名的阿尔卑斯山脉的《音乐之声》。
　　《音乐之声》来自生活，高于生活，它以乐抒情，以乐动人，到处充满阳光气息与温馨浪漫，它把抽象的音符、大自然的和谐美景和人文景观完美结合，体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系，鼓励人们乐观向上，追求纯洁美好，争取自由和享受生活，消除邪恶杂念，达到真善美的理想境界。虽然里面的主要角色都被刻意美化，但丝毫无损主题和形式上的出类拔萃，幽默的对白和情节，更把观众逗得前俯后仰，乐不可支。《音乐之声》称得上是电影史上绝妙的神来之笔，是一部影响深远的作品，它甚至超出了艺术作品的范畴，从艺术史、社会学、心理学、教育学、哲学等角度来衡量都值得研究和借鉴。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——影评人　Ｗａｄｄｌｅ
剧情介绍
《音乐之声》取材于1938年发生在奥地利的一个真实故事。
见习修女玛利亚是个性格开朗、热情奔放的姑娘。她爱唱歌、爱跳舞，还十分喜爱大自然的清新、宁静和美丽。修道院院长觉得玛利亚不适合过与尘寰隔绝的生活，于是介绍她去萨尔茨堡当上了前奥地利帝国海军退役军官冯·特拉普上校家7个孩子的家庭教师。冯·特拉普是个善良勇敢的爱国者，他的妻子早逝。家里没有歌声，也没有笑声。
玛利亚来到上校家中，发现上校管理孩子的方法简单而粗暴。只要他的哨声一响，孩子们就从各自的房间里以最快的速度奔跑出来，排好队，按水兵操练的要求通报自己的姓名。一开始，孩子们对玛利亚带有排斥情绪，总是想法设法捉弄她，但是玛利亚理解孩子们在成长过程中的所作所为，她引导他们，关心他们，帮助他们，赢得了他们的信任，很快就成了他们的知心朋友，同他们建立了深厚的感情。上校准备离家去维也纳，在这期间，玛利亚和孩子们排练歌曲、做游戏、去大自然中游玩，整个家庭平添了许多笑语、欢乐和生气，充满了音乐之声。
当上校带着准备与他结婚的男爵夫人回来时，发现家中呆板、冰冷的空气完全变了，他的“水兵们”已被训练成一支很有素养的家庭合唱队。看到男爵夫人的到来，玛利亚知道她将成为孩子们的新妈妈，于是她留下了一封信就离开了上校家，回到了修道院。然而由于男爵夫人太一本正经，孩子们不能和她融洽相处。同时，由于玛利亚给这个家带来的变化激起了上校对生活的热爱，唤回了逝去的幸福，也唤起了他对玛利亚的爱情。于是上校最终拒绝了男爵夫人，他来到修道院找玛利亚，他们终于结成了美满的伴侣。
这时正是30年代希特勒吞并奥地利的前夕。在萨尔茨堡举行奥地利民谣音乐节的当天，上校和玛利亚接到了柏林的来电，命令上校参加纳粹的海军，并把他和全家置于严密监视之下。借着参加民谣音乐节的机会，特拉普家庭合唱队在奥地利同胞面前奉献出他们心底里的歌，并在朋友和修女们的协助下，全家跨过阿尔卑斯山，逃出了多难的祖国，来到了自由之地。
电影幕后
永远带来欢乐的《音乐之声》
《音乐之声》是一部影响了几代人的电影，无论从哪个标准来评，它都是美国音乐片的经典之作。有趣的爱情故事、悦耳的歌曲、活泼的孩子、温馨的人情、天真无邪的笑料，构成了一幅美好的生活画卷；动人的音乐、优美的风光、积极的生活态度，引发着人们对生活无限美好的瑕思。
歌曲《音乐之声》是影片中的点题之曲，影片开始时由玛利亚在山顶独唱。上校赴维也纳期间，玛利亚把这首抒发自己对故乡、对大自然、对音乐的无比热爱的歌教给了７个孩子，让他们在男爵夫人到来时为她演唱。上校长久禁锢的心被这家中久违了的美妙、纯真、动人的歌声融化了，他从原来那位不苟言笑的上校变成了一位和蔼可亲的父亲，和７个孩子拥抱在一起……影片里以电影音乐的原貌参与了故事叙事的当首推那首脍炙人口的小歌《雪绒花》（《EDELWEISS》）。上校在玛利亚和孩子们的盛情邀请之下，接过吉他自弹自唱了这首自己最喜爱的、已多年不唱的奥地利民谣：
　　Edelweiss edelweiss（雪绒花，雪绒花）
　　Every morning you greet me（清晨迎着我开放）
　　Edelweiss edelweiss（雪绒花，雪绒花）
　　Bless my homeland forever（永远祝福我家乡）
上校沉醉在对故土、对祖国的一片深情之中，忘我地唱着。玛利亚的镜头数次切入，她站在门口凝视着上校。歌声使他完全变成了另外一个人，在那饱含真情的歌声里，玛利亚发现了一个男人丰富、博大、敏锐的内心世界。音乐悄悄地把两颗高尚的心灵连结了起来，爱情的火花开始燃烧。当两人在家庭晚会上和谐地共舞之后，掩饰内心已经变得非常困难了。
而要说这首小小的歌曲作为一件重要的音乐道具在整个故事结构中发挥了巨大作用，那还是在音乐节上。拒绝为纳粹服务、决不背叛自己的祖国和人民的上校准备冒险带全家离去。临别之际，他为家乡的父老乡亲献上的还是那首他最喜爱的歌。但一曲未了便已哽咽，玛利亚默契地接唱下去，并带动全场观众加入大合唱。这是全片最令人心潮澎湃的感人高潮。看似最简单、最不起眼的一首小小民歌，在影片所用的全部歌曲中凸显了出来，促使观众开始正视故事所属的阴云密布的时代——片头字幕所说的“30年代萨尔茨堡最后的黄金岁月”。它使一部洋溢着欢声笑语的喜剧片在此刻展现出了严肃、深刻、崇高的人道主义内涵。音乐节上全体观众高亢、洪亮地合唱着《雪绒花》，表达了奥地利人民反对侵略的正义心声和不畏强暴的必胜信念。
30多年过去了《音乐之声》永远带给你欢乐，带给你思考。
《音乐之声》以后的故事
电影《音乐之声》讲述的是一个真实的故事，影片结尾处是上校一家最终勇敢地逃出了纳粹控制的奥地利，也许许多人认为这个故事就结束了，正像所有的童话故事结尾时所说的那样，“从此过上了幸福的生活”。可是，真实的冯·特拉普一家人在此之后到底去了哪里呢？他们的生活到底怎样呢？
1938年，当这家人出走奥地利的时候，玛利亚正怀着冯·特拉普上校的又一个孩子约翰尼斯。没有了花团锦簇的家园，他们成了一文不名的逃亡者，一家人的生活立刻就是个大问题。但是冯·特拉普一家人并不气馁，也不在意一切都要从零做起。这个家庭组成了合唱团，浪迹天涯，卖艺为生。从生日婚嫁的宴会到皇家乐馆的演出，无所不为。1939年，当他们来到美国进行演唱旅行时，发现了佛蒙特州小镇斯托附近的一片农庄。小小的农庄让他们想起了奥地利的家园，他们立刻爱上了这片土地。于是就用积攒下来的钱买下了这片土地，并建成了自己远离故乡的家。在此之后的几十年间，冯·特拉普一家每年都要到世界各地去演出，足迹遍布30多个国家，但是，他们一直把斯托的这处农庄当成自己永久的家。
1947年，玛利亚在斯托成立了特拉普家庭音乐营。随着音乐营的扩展，她家提供过夜的客房渐渐不敷使用，于是她就建起了特拉普山庄。他们也曾因为不谙社会环境而大吃苦头。1949年，玛利亚将一家人的经历写成了传记，立刻引起了强烈的社会反响，但是当首次有人出价收购她的故事改编电影时，玛利亚却被欺骗，没有得到自己应有的权利和报酬。不尽如人意的际遇并没有使他们生出怨天尤人的哀叹，挫折和教训也不能使这个移民家庭倒下去。
1965年，电影《音乐之声》在全世界发行，演出了“真善美”的一幕，玛利亚成了家喻户晓的人物。但在1980年，一把大火把辛辛苦苦建造起来的特拉普山庄化为灰烬。然而，一年半之后，在原来的房基上又是一幢崭新的特拉普山庄，并且在山麓和湖边还建造了星罗棋布的客舍接待游人。如今特拉普山庄已经远近闻名，每年接纳成千上万对特拉普家的经历和他们的歌声情有独钟的游客。
22.《教父》(The God father)

反映一个家族在困境中生存、在逆境中挣扎、在顺境中力图重生的轨迹
一部最具史诗气魄的揭露黑社会明争暗斗内幕的影片
一幅气势恢弘的“社会图卷”
出品：1972美国派拉蒙影片公司
导演：弗朗西斯·福特·科波拉
主演：马龙·白兰度/艾尔·帕西诺
荣誉：
第四十五届奥斯卡最佳影片、最佳男演员、最佳编剧奖/第三十届金球奖最佳导演奖等五项大奖/好莱坞最有气势的十大巨片之一/美国百部经典名片之一
IMDB： 9.1/10(137475票)

影片概述
电影《教父》是根据美国作家马里奥·普佐的同名小说改编，由好莱坞青年导演科波拉执导的一部经典黑帮片。影片描述了黑手党的产生、发展的全过程：外来移民为生活所逼，铤而走险，靠走私、赌博、贩毒、谋杀而在美国社会中争得一席之地。他们依赖非法营生而逐步发展壮大，其势力也渗透到各个领域，在政府枢纽部门也有了他们的代理人。当他们羽翼丰满时，便不满足于现有的非法地位，力求融入合法社会，毫无恐惧地享受他们的财富。然而，具有讽刺意味的是，他们由非法社会向合法社会的过渡却偏偏是依靠非法的暴力行为得以完成的。影片的深层意义在于它为美国电影史上一个十分悠久的经典类型——犯罪片开拓了宽广的前景，它不仅拓展了犯罪片的表现领域，其思想意义和内涵也远远超越了暴力的范畴，并将主题升华为人类社会中最常见的权力交替中的深层意义——权力与罪恶的关系。影片在70年代初曾轰动一时，取得了商业和评论上的双重成功，片中“教父”的扮演者马龙·白兰度带动的“马龙·白兰度热”像旋风一样几乎波及整个世界，而导演科波拉也从此奠定了他在好莱坞中的“教父”地位。
精彩影评
马里奥·普佐当年创作的小说《教父》是美国文学创作中的一个转折点，它使黑手党问题引起了举国上下的普遍注意，从20世纪70年代初开始，反映黑手党的作品就如雨后春笋一般繁盛起来，但是我们认为，没有一部能同《教父》相提并论。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——美国《旧金山时报》
科波拉的《教父》以精细的笔墨描述了黑手党全盛时期的家族恩怨，在这部格局庞大、情节复杂、人物众多的大制作中，科波拉把整部影片处理得有条不紊、扣人心弦，其高超的专业技巧不得不令人叹服。科波拉在选角方面的独到之处也叫人刮目相看，他大胆起用在影坛沉寂多年的马龙·白兰度饰演教父一角，不仅使其成为奥斯卡影帝，也让他再次成为超级巨星。《教父》系列共拍了3部，它的续集也得以进入美国百部经典电影之中，它是惟一一部挤进“百大”的续集电影。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——美国电影艺术与科学学院
《教父》是自《公民凯恩》以来最出色的一部美国影片，它把黑手党作为一个隐喻，不仅暗指非法生意的腐朽，而且暗指着所有的权力中心──其中主要包括政府的腐败。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《纽约时报》
　　在《教父》里，自然与文明的对立似乎已不存在，银幕上呈现的是一个单一的世界，科莱昂早已通过暴力建成庞大的家族，获得了稳固的社会地位，匪帮也已从过去对商业组织的模仿变成了真正的企业，并向社会各领域渗透，在这里，自然与文明已经不知不觉地融为一体了。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——著名影评人　冯凯
剧情介绍
纽约的教父维托·唐·科莱昂通过与政府要人互相勾结，不择手段地扩展势力，成为科莱昂家族的首领、黑手党的头子。他与美国东部地区和纽约的其他几个大家族明争暗斗，争权夺利。科莱昂育有三子一女，长子桑尼性格凶猛，脾气暴躁，是他的主要助手；次子弗莱德胆小怕事，有些窝囊，不受重用；小儿子迈克尔刚从军队回来，长相斯文，遇事稳重；女儿康妮年轻貌美，性格温柔。
康妮同卡洛结婚了，但婚后不久即遭到卡洛的暴力，桑尼痛打了卡洛一顿，对方一直怀恨在心。贩毒黑帮头子索洛佐要同教父合作，但由于他最近已同塔塔格利亚家族有了联系，而塔塔格利亚家族又和巴士尼家族串通一气。为此教父拒绝了索洛佐的要求。一天，教父在上街的时候被暗算，连中数枪。与此同时，他的军师汤姆也被索洛佐劫持，但索洛佐的目的是要他为自己跟桑尼讲和进行斡旋，之后就将他放了。这时一个手下匆匆从外面回来，轻声告诉索洛佐，教父并没有死。
教父的险遭不测使桑尼怒火中烧，他根本不理会汤姆的劝告，决心要为父亲报仇，并不让弟弟迈克尔参加，迈克尔只好决定先去探望父亲。在医院里，迈克尔发现警长麦克洛斯基已加入敌对的一伙，自己和父亲差点丧命，十分震怒。桑尼派了上百个人去跟踪索洛佐，图谋暗杀。而索洛佐却托人捎信来，建议谈判，并要求迈克尔去。于是，经过周密策划和安排，迈克尔赴约了，在会谈中，他以异乎寻常的冷静和大胆干掉了索洛佐和麦克洛斯基，为家族报了仇。
教父基本伤愈出院，返家疗养，他得知迈克尔因杀了索洛佐和警长后已经躲藏起来的消息后很不以为然。由于卡洛的出卖，桑尼被暗害了，教父受到了沉重的打击，但他不愿追查下去，倾向于和谈，而各大家族虽然举行了会谈，达成了“和平协议”，但暗中的仇杀、倾轧、排挤并没有结束。
流浪在西西里的迈克尔被一位名叫阿波萝妮娅的女郎迷住了，两个人举行了婚礼。当他得知大哥桑尼被害后，复仇心切，决定马上回纽约。然而临行前，被收买的保镖法勃利齐奥在迈克尔的车上装了炸弹，迈克尔虽幸免于难，却痛失爱妻。迈克尔回到了纽约，教父见他有雄心，有魄力，便让他继承了家业。
不久，迈克尔找到了以前的女友凯，两人结婚成家，并生有一子。教父病故了，迈克尔一方面觉得失去了依靠，一方面又觉得从此可以自行其道了，于是开始执行多年的复仇计划。他先是除掉了几个其他家族的仇敌；为了给桑尼报仇，他亲手勒死了出卖桑尼的卡洛；接着又一枪结果了法勃利齐奥的性命，为前妻报了仇。
迈克尔终于满足了，他成了新一代的教父。
电影幕后
小说《教父》
1969年出版的长篇小说《教父》是美国出版史上的头号畅销书，它详尽地描述了美国纽约5大黑帮势力集团之一的维托·唐·科莱昂一家采用各种极端手段，实现了在整个美国黑帮势力团体中的独尊地位的全过程。在这场斗争中有黑帮团伙之间的火拼，有走私贩毒的嚣浪，有赌场的烟云，有红灯区的人欲横流……本书被认为是描写资本主义社会中黑社会现象的最具权威的作品。许多人在评论《教父》时都说：“这是一部令人拍案叫绝的成功之作……是揭露阴险的犯罪集团的权威性小说。生动的故事所揭示的政治和社会的真理，比起所有的政治家、政论家和一切新闻报道合起来所揭示的还要多。”
《教父》这本小说在美国乃至世界上的影响力恐怕很难用一两句话加以概括。由于这本小说的出版，黑手党在美国的命运被彻底改变了。美国政府和人民在震惊之余开始动用强大的国家机器展开对黑手党的扫荡。黑手党再也不能像在西西里那样肆无忌惮，他们在ＦＢＩ的穷追猛打之下，逐渐地分崩离析，步步瓦解。虽然我们不能说是《教父》直接导致了这一结果，但至少它是一剂催化剂，调动了社会的关注情绪，使黑手党暴露于公众面前，加速了它在美国的衰灭。
在《教父》获得成功后，1974年，科波拉与《教父》的原作者普佐再次合作，改编和拍摄了《教父Ⅱ》。《教父Ⅱ》以登上教父位置的第２代科莱昂的奋斗史为主线，并在这条主线延续的同时，不断插入第一代科莱昂的奋斗史作为影片的副线。影片以现实与回忆交织的手法对两代教父的性格进行了对比。而这种有历史渊源的人物品格的描写，也使得影片主人公的形象更具深度。1990年，科波拉再度拍摄了《教父Ⅲ》，它使影片的思想和意义更为系统和深刻。
23.《人证》（Ningen no sh?mei）

一幕无法挽回的人生悲剧
一部探讨人性沦落的杰作
以反省历史来揭露世俗社会对人性的压抑
出品： 1978日本
导演：佐藤纯弥
主演：冈田茉莉子/乔治·肯尼迪/三船敏郎
荣誉：
一九七八年十大卖座影片第二名/世界侦探推理电影的代表作之一
IMDB： 6.2/10( 18票 )

影片概述
森村诚一是20世纪30年代日本的社会派推理小说作家，他的作品想像奇特，充满了社会责任感，最著名的作品是“证明三部曲”系列，即《人性的证明》、《野性的证明》、《青春的证明》。其中，《人性的证明》在10个月内再版30多次，半年中畅销300万册，被认为是日本文坛的一个奇迹，也成为世界侦探推理小说史上的一部精品。
1978年，《人性的证明》被拍成电影《人证》之后，在短短的时间内迅速风靡世界各国，在我国上映时更是引起了极大的轰动。影片所讲述的女主人公八杉恭子与她的黑人儿子焦尼之间哀婉动人的故事让人感伤不已，儿子对母亲的眷恋与失去母爱的悲哀同母亲为了维护自己的名誉而杀害了千里迢迢来寻找自己的儿子构成了鲜明的对比，深刻剖析了不同种族之间面对亲情的尴尬人性。影片悬念丛生，情节跌宕起伏，扣人心弦，在展示被社会扭曲的人性的同时也揭露了日本社会上层的黑暗与腐朽。
影片的主题曲《草帽歌》曾携着凄厉的气息飘过大江南北，催人泪下——“妈妈，就在那个夏天，我那草帽，不知怎么啦，跌进了深渊，你还记得吗？妈妈……”
精彩影评
在我的小说里，我所描绘的全是人间的戏剧。我认为一个作家应当关注社会问题，以反省历史来揭露社会弊端，追求人生的真谛，这才是我写作的目的，也是我生存的意义。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——小说《人性的证明》的作者　森村诚一
　　《人证》可以说是日本旧电影向新电影发展的历程中的一条分界线，也正因为它是分界线，所以当时受到的评价褒贬不一，有人说它太写实，有人说它违背了日本电影讲求含蓄的传统。现在过了很多年，这部影片在日本仍然受到欢迎，作为导演，我的心情也很复杂，但我坚信，随着时代的变化，电影也应该有所变化。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——本片导演　佐藤纯弥
　　《人证》的社会意义在于它不单单是一部推理电影，更重要的是它反映出来的主题，它反映出了许多其他电影没有反映出来的东西，不但风格富有悬念，对于人物的刻画也细腻入微，并且更深一步地注重挖掘犯罪者的精神世界，总之，这是一部开拓了悬疑片的社会深度的好电影。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——日本著名评论家　小泉健一郎
　　善恶本是一念之差，在名誉与亲情的抉择中，将罪恶的双手伸向亲生儿子……这是人的魔性战胜了人性。影片展现了隐藏在人的内心中最黑暗的一面，它是那样丑恶，那样鲜血淋漓。而主题曲《草帽歌》更是凄婉动人，流露出一个儿子对母亲的眷恋和哀怨，也恰到好处地烘托了影片主题。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——网友　唐　离
剧情介绍
在东京皇家饭店的高楼上，一年一度的服装设计奖展出大会正进入高潮。国会议员郡阳平的妻子、著名服装设计家八杉恭子参加了这次展出大会，也在紧张地忙碌着。这时，有消息说饭店电梯里死了一名黑人青年，据电梯服务员讲，被害人死前嘴里直用英语喊着“麦秸草帽，麦秸草帽”，在他的风衣里面还有一本《西条八十诗集》……黑人青年怎么会死在这里？杀人凶手是谁？警方紧张地展开了调查行动。
警犬从被害人的死亡地点一直嗅到了皇家饭店附近的清水谷公园，警察在草丛里发现一滩血迹和一顶草帽，说明这才是真正的罪犯作案地点。一对曾在公园里幽会的年轻人报告说，他们在公园里见过死者，而且在此之前，一个穿西装的女人也离开了公园，驾驶一辆白色皇冠轿车走了。从海关很快查明，被害人叫焦尼·赫瓦德，是３天前从纽约来到日本的。他遗下的《西条八十诗集》和麦秸草帽，都是入境时从美国带进来的。
经过多方搜索，警方得知焦尼的父亲威尔歇·赫瓦德曾作为二战结束时的美国驻军，在日本横须贺居住过。正好同那顶麦秸草帽和那本诗集处在同一时期。而被害人临死时留下的“喀斯密”一句话，也正好在诗集的一首诗中被发现了，指的是一个叫“雾积”的地方。于是警官栋居决定到雾积去，把这个案子查个水落石出。当地的人都说，中山种老奶奶最了解情况，但当栋居赶到中山种家时，已经有人抢先一步，把了解内情的这位老妇人谋杀了。栋居又调查了一些线索，得知当年在福岛县久之浜海滨，中山种是开小酒店专做外国驻军生意的，当时在店里同时做工的还有八杉恭子……
而正在此时，设计师八杉恭子的儿子居恭平因驾车撞死了人而逃到了纽约，警长栋居也追到了纽约，在纽约国际刑事警察希弗坦的配合下，他们也同时展开了对黑人青年焦尼案件的调查。他们根据线索找到了一个叫阿达姆斯的男人家里，他反映说在几个月前，自己在驾车时，路上突然蹿出一个黑人老头，他来不及刹车，就把他撞倒了，结果被敲去了6000美元。那人名叫威尔歇·赫瓦德，而钱是根据他的要求给了他的儿子——焦尼·赫瓦德。于是警方推断焦尼的父亲是为了弄到一笔送儿子去日本的钱而去撞汽车的。可是父亲为什么一定要把儿子送到日本呢？
居恭平因开枪拒捕而被击毙了。栋居得到新线索，找到了焦尼的父亲。一切终于真相大白：原来，威尔歇在任战后驻日美军士兵时同八杉恭子同居生下了儿子焦尼，美军撤出日本时他把儿子带走了。而八杉恭子不久嫁了个黑市小商人郡阳平，对他隐瞒了过去，生下了儿子居恭平。在美国的焦尼长大成人思念母亲，威尔歇于是通过撞车为儿子挣了一笔钱，让他来日本。而此时郡阳平成了一个有相当实力的资本家，八杉恭子也成了赫赫有名的服装设计艺术家，为了维护自己的地位和家庭的名誉，八杉恭子亲手杀死了来找自己的黑人儿子焦尼，同时为了掩盖自己的过去，她又杀害了知情的老妇人中山种。
正当服装设计的颁奖礼即将结束时，栋居告诉了八杉恭子她的儿子居恭平被击毙的消息，两个儿子都死了，八杉恭子的精神崩溃了。从授奖大会出来，八杉恭子驾车向雾积的山峦飞驰而去。她用尽力气把手中的草帽投向山谷，自己也纵身跳下了山崖。麦秸草帽在山谷里飘落、飘落，山谷里又响起了焦尼关于草帽的歌声……
电影幕后
悲伤的草帽
许多人对于电影《人证》的记忆似乎更多地源于那首凄凉哀婉、如泣如诉的《草帽歌》。《草帽歌》的歌词出自日本著名诗人西条八十的同名诗作，原是一首儿童诗，诗中模仿孩子的口吻向妈妈倾诉着一种孩子式的失落感和忧伤情绪。西条八十的《草帽歌》开头是这样的：
　　妈妈，我的那顶草帽怎么样了？
　　在那夏日从碓冰去雾积的路上
　　落在溪谷里的那顶草帽！
　　妈妈，我爱那草帽！
　　可是，一阵清风将它吹走
　　那时节，我是多么懊恼！
影片的主题曲《草帽歌》是一首地道的黑人歌曲，有趣的是原唱者乔治与他扮演的剧中人焦尼的身世极为相似，也是美国黑人与亚裔的后代。歌曲以焦尼的口吻唱出，深沉、哀婉的歌声表达了儿子对母亲的眷恋和失去母爱的悲哀。
八杉恭子的扮演者冈田茉莉子在年近古稀时回顾这部影片说：“《人证》是我表演转型时期的一部作品，在这之前我没有塑造过心理如此矛盾复杂的母亲形象。虽然这部影片是一部推理片，却具有一定的社会批判性，八杉恭子这个人物很真实，在她身上蕴涵了太多历史性和社会性的东西。”在谈到《草帽歌》时，冈田茉莉子说这是她最喜爱的一首歌曲，每次听这首歌曲，她都忍不住会掉下眼泪。
文艺爱好者陈贤庆曾根据《草帽歌》的形式创作了一首诗，表达了对电影《人证》的感触，读来仍觉凄婉动人——
　　妈妈，你为什么杀我？
　　我千里迢迢来到你身边
　　就为了这个？
　　妈妈，你为什么杀我？
　　人人都赞美母子之情
　　这事怎么评说？
　　妈妈，你为什么杀我？
　　人世间虽有贵贱之分
　　但就该惹来这灾祸？
　　妈妈，你杀了我
　　你又怎能心安理得
　　继续过你上流人的生活？
　　妈妈，你杀了我
　　也杀了弟弟，杀了自己呀
　　人性会证明你的罪过。
24.《城南旧事》（South Side Story）

具有极强的平民意识，一部纯美的散文式的电影
一种委婉的诗意，一片宁静的意境
近乎一幅素雅、淡泊、简约的中国水墨画
出品：1982中国上海电影制片厂
导演：吴贻弓
主演：沈　洁/郑振瑶/张　闵
荣誉：
第三届中国电影金鸡奖最佳导演、最佳女配角和最佳音乐奖/菲律宾第二届马尼拉国际电影节最佳故事片金鹰奖/南斯拉夫第十四届贝尔格莱德国际儿童电影节最佳影片思想奖/厄瓜多尔第十届基多城国际电影节二等奖——赤道奖
IMDB： 6.6/10( 17票 )

影片概述
半个多世纪前，小女孩林英子跟随着爸爸妈妈从台湾飘洋过海来到北京，住在城南的一条胡同里。京华古都的城垛颓垣、残阳驼铃、闹市僻巷……这一切都让英子感到新奇，为之着迷。会馆门前的疯女子、遍体鞭痕的小伙伴妞儿、出没在荒草丛中的小偷、朝夕相伴的乳母宋妈、沉疴染身而终眠地下的慈父……他们都曾和英子玩过、谈笑过、一同生活过，他们的音容笑貌犹在，却又都一一悄然离去。为何人世这般凄苦？不谙事理的英子深深思索却又不得其解。
50多年过去，如今远离北京的游子，对这一切依然情意缱绻。那一缕淡淡的哀愁，那一抹沉沉的相思，深深地印在她童稚的记忆里，永不消退……
根据著名女作家林海音的自传体小说改编而成的电影《城南旧事》满含着怀旧的基调，它将其自身包含的多层次的情绪色彩，以一种自然的、不着痕迹的手段精细地表现出来。影片中的一切都是那样有条不紊，缓缓的流水、缓缓的驼队、缓缓而过的人群、缓缓而逝的岁月……景、物、人、事、情完美结合，似一首淡雅而含蓄的诗。
精彩影评
在北京度过的25年可以说是我的金色年代，可以和故宫的琉璃瓦互映。北京城南的胡同、四合院，西山脚下的毛驴，以及脖子上挂着铃铛的骆驼……这些都给了我不尽的创作灵感。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——著名女作家　林海音
我被小说《城南旧事》中那种沉沉的相思、淡淡的哀愁深深打动了，整部小说充满了朴素、温馨的思想感情。当这部影片上映后，这种情感同样打动了无数的观众。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——本片导演　吴贻弓
看《城南旧事》，心头漾起一丝丝的温暖，因为已经很少看见这样精致的东西，因为她不刻意表达什么，只一幅场景一幅场景地从容描绘一个孩子眼中的老北京，就像生活在说它自己。那样地不疾不徐，温厚淳和，那样地纯净淡泊，弥久恒馨，那样地满是人间烟火味，却无半点追名逐利心。　
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——影评人　凌　梦
剧情介绍
20世纪20年代，小女孩林英子随着爸爸妈妈从台湾飘洋过海来到北京城，往在北京城南惠安会馆附近的一个小院里。爸爸是大学教授，家里还有一个小弟弟和乳母，英子的童年就在这种无忧无虑的氛围中度过。
英子在胡同玩耍时，总会看到会馆门前痴立的“疯女人”秀贞，渐渐地，她们熟识了，秀贞非常喜欢英子，英子也很喜欢她。从秀贞口里，小英子知道她的情人是一个北大学生，因为参加学生运动，被反动军警抓走了，下落不明。而他们的女儿“小桂子”也被人扔到齐化门城根底下，至今生死未卜，秀贞就成了现在这种疯疯癫癫的模样。小英子很同情秀贞，答应帮她寻找小桂子。胡同还住着个卖唱的人家，卖唱的小姑娘妞儿是和英子一起玩的小伙伴，妞儿是个弃儿，生性老实，受尽养父、养母虐待，有时还受外人的欺侮，英子总是替她不平。
在一个大雨倾盆的夜晚，妞儿挨了打，跑到了英子家，向她诉说了自己的身世。英子意外地发现，妞儿的耳朵后有一个痣，她想起秀贞曾说过女儿小桂子的耳后也有一颗这样的痣，原来小伙伴妞儿就是小桂子！英子立刻把妞儿拉到秀贞家，让她们母女团聚，就在这个晚上，秀贞带着妞儿去寻找小桂子的生父了，她们的身影消失在雨夜中……
在送走秀贞母女的那个夜晚，英子病倒了。病好了之后，英子家搬家了。她也到了上学的年纪，在课堂上，她跟着老师念“国破山河在，城春草木深……”。在离英子家不远的一个荒草丛生的破院子里，英子又结识了一个新朋友，他总是在草丛里掩盖着什么。他们常常在一起聊天，英子得知他还有个学习非常好的弟弟。谁知，那人竟是一个小偷，不久，他就被警察抓走了。可是，英子并不认为他是个坏人，因为他曾说过自己是为了“奔窝窝头和供弟弟上学，不得已才走了这一步”的。这个朋友也“走”了。英子家的乳母宋妈抛下自己的儿女、家庭，到林家当佣人，辛辛苦苦地赚钱养活在乡下的男人和孩子，她的男人有时也来看看她。英子的弟弟就是吮着宋妈的奶水长大的，宋妈勤快、诚实，她很喜欢小英子和她的弟弟。
一天，英子放学归来，看见宋妈呆呆地坐在廊檐下。原来她的儿子小栓子淹死了，她的女儿也不知被丈夫卖到了什么地方……英子有一个非常慈祥可亲的父亲，他喜欢书和花、鸟，更喜爱英子和弟弟。在他身边经常聚拢着一些进步的学生，他们共同商讨着革命道理。
可是好景不长，父亲患肺病离开了人世，英子和母亲、弟弟一起，把父亲埋在北京郊区山间的台湾义地里，他们要回台湾老家去了。宋妈被她乡下的丈夫用小毛驴驮走了。英子怅惘地望着宋妈，似乎她在北京所拥有的一切都永远地离她而去了……
电影幕后
淡淡的哀愁，浓浓的相思
吴贻弓执导的《城南旧事》透过一个小女孩的纯真眼光展示了20世纪20年代老北京的社会风貌，带领人们重温了当年那笼罩着愁云惨雾的生活。影片在结构上犹具独创性，编导排除了由开端、发展、高潮、结局所组成的情节线索，以“淡淡的哀愁，浓浓的相思”为基调，采用串珠式的结构方式，串连起英子与疯女秀贞、英子与小偷、英子与乳母宋妈3段并无因果关系的故事。这样的结构使影片具有多棱镜的功能，从不同的角度映照出当时社会的具体历史风貌，形成了一种以心理情绪为内容主体、以画面与声音造型为表现形式的散文体影片。
《城南旧事》中，导演对演员的选择和使用是得当的，英子（沈洁）的那双明亮、纯真、迷人、探索的眼睛足以使语言逊色；宋妈的朴实、含蓄、精湛的表演把人们带入那个痛苦的年代。导演没有刻意去追求直接的所谓“戏剧性”效果，而是把力量放在影片的那个无言的结尾。其实影片只表达了两个字“离别”——一个个人物在生活的历程中偶然相遇了，熟识了，但最后都一一离去了。秀贞和妞儿是那样，小偷是那样，宋妈是那样，最后，连父亲也是那样。在影片最后的5分钟里没有一句对话，而且画面以静为主，没有大动作，也无所谓情节，然而却用色彩（大片的红叶）、用画面的节奏（一组快速的、运动方向相悖的红叶特写镜头）、用恰如其分的音乐以及在此时此刻能造成惆怅感的叠化技巧等等，充分地传达人物的情绪，构成一个情绪的高潮。在这种情绪的冲击下，观众会自然地去总结全片给予他们的感受，因而也就达到了感受上的高潮。这个“高潮”并不是导演直接给予观众的，而是在观众心中自然形成的。
清代文学家梁廷楠在《曲话》中说：“情在意中，意在言外，含蓄不尽，斯为妙谛。”影片《城南旧事》在艺术表现形式上追求的正是中国美学传统中这一最高境界。

教师之友网 · 发表于 2011-4-24 21:59:54

29.《人鬼情未了》( Ghost)

集浪漫爱情与惊险冲突于一体的现代爱情片
在一段生离死别的爱情故事中探寻阴阳相隔的神秘世界，再现了生死不渝的真情境界
出品：1990美国派拉蒙影片公司
导演：杰里·朱克
主演：帕特里克·斯维兹/黛米·摩尔/乌比·戈登堡
荣誉：
第六十三届奥斯卡最佳女配角奖/一九九○年全美最卖座影片之一/美国百部经典名片之一
IMDB： 6.7/10( 16750票 )

影片概述
２０世纪８０年代，美国社会悄然兴起了道德复兴运动，这股浪潮迅速波及到了好莱坞，于是敏感的电影人迅速推出了一批既能迎合大众心理，又能顺应时代潮流的电影作品，如《人鬼情未了》。
《人鬼情未了》是一部杰出的爱情悲剧。影片别出心裁地将故事的发展放置到一个独特的边缘地带——阴阳界之间，以一个充满传奇色彩的现代人鬼恋情故事，在银幕上再现了为传统道德观念所褒扬的真挚爱情，体现了正义战胜邪恶的伟力，弘扬了人们期待已久的真善美。
男女主人公苦苦相爱，但终因阴阳陌路不能相见，无法互吐衷情。影片正是借鬼魂幽灵产生了一系列的悬念和曲折离奇的情节让观众沉浸在虚幻与真实之中，时而欢乐，时而忧伤，时而为正义所鼓舞，时而又被主人公生死不渝的爱情所感动。
《奔放的旋律》是人们耳熟能详的插曲，它既增强了故事的形式美感，又为真挚的爱情增添了无穷的浪漫色彩，因而至今盛行不衰。
精彩影评
《人鬼情未了》中男女主人公的隔世情缘会让每一个人感动，它的出现可以说是好莱坞电影界的一大盛事，因为它使沉迷于血腥暴力和失常性乱之中的美国观众感到耳目一新，或许人们应该重新审视一下自己的身边或自己正在进行着的某种爱情。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《时代》周刊
你不能否认乌比·戈登堡是个伟大的、天才的演员，她身上确实有一种掩盖不住的喜剧表演的禀赋。有了她的表演，这部爱情悲剧似乎就不那么叫人悲伤了。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——第６３届奥斯卡奖评委会
《人鬼情未了》讲述了一段超越生死的恋情，堪称是爱情片的经典。影片的成功之处在于多重电影元素的和谐统一，《奔放的旋律》的出现是影片的一大亮点，即使时隔多年相信很多人依然会哼唱出它的曲调和歌词。而影片中特技的运用对观众来说也是很新鲜的，男主人公的穿墙而过、他所拥有的冥界的魔力，这一切确实造成了极大的视觉冲击。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——影评人　吴玉超
偶然看了一部美国片《人鬼情未了》，整夜未眠。我从不知道还有这样沉静的爱情，缠绵、温暖，却绝口不提爱你，待到肉身不再，空余一副灵魂，才千辛万苦，一路找寻，只是为了再触摸一次爱人的肌肤，亲口说一句“我爱你”……那种震撼是不仅仅关于爱情的。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——吴　晶
剧情介绍
萨姆是纽约华尔街的一位股票经纪人他的女友莫莉是一位艺术家，两个人深深地相爱着。卡尔是他们形影不离的好朋友。在卡尔的帮助下，萨姆和莫莉搬进了一座旧阁楼，他们把它装修一新，进行着结婚前的准备。在一次看戏归来时，萨姆和莫莉受到了歹徒的抢劫。萨姆在搏斗中中枪身亡，莫莉悲痛欲绝。萨姆的肉体死亡了，然而他的灵魂却作为他的另一种形式存在着，他可以看见一切，但谁也看不见他。
萨姆发现了谋杀自己的凶手威利，为了报仇，他找到通阴阳的灵媒——黑人女巫奥达，恳求她的帮助。于是在奥达的努力下，莫莉相信了萨姆灵魂的存在。一个偶然的机会，萨姆发现卡尔竟然和威利在一起，原来，卡尔利用电脑盗窃巨款从事毒品交易，被萨姆无意中发现，临时改变了密码，为了得到这密码，卡尔雇威利杀死了萨姆。萨姆悲愤极了。
卡尔又来到萨姆家，他诱惑莫莉，情急之下，萨姆的灵魂撞倒了同莫莉合影的镜框。莫莉顿时恢复了理智。在萨姆的指引下，奥达取出了巨款，并捐给了修女。萨姆惩罚了凶手威利——他被迎面而来的汽车撞死了，一群厉鬼立即把威利的灵魂拖进了地狱……
萨姆和奥达把一切都告诉了莫莉，莫莉却将信将疑。这时卡尔追来了，他用枪逼着奥达要支票，并以莫莉为人质，萨姆用自己的力量同他搏斗着，这是幽灵对恶人的复仇。卡尔倒下了，破碎的玻璃刺穿了他的胸膛，他死了，厉鬼们把他的灵魂也拖进了地狱……萨姆终于完成了心愿，他要前往天堂了。在消失之前，莫莉终于见到了显出身形的萨姆，两人紧紧地相拥在一起……
电影幕后
穿越时空的爱恋
爱情到底是什么呢？是天空中飘过的云朵？还是涨潮后留在沙滩上孤苦无依的贝壳？
或许爱情是一种亲身的体验，需要两个人的真切付出和感悟，它是一种任谁都说不出的感觉，100对恋人沐浴在爱情中就说得出100种感觉：有浪漫的，有痴缠的，有绚丽的，有伤感的，有隽永淡雅的，也有人鬼殊途的……世事沧桑，人潮汹涌，相信爱情的人已是越来越少，乏味庸常的现实生活和多姿多彩的银幕爱情使爱情的信仰者常常不得不面对一个悖论：橘红的温暖和粉色的浪漫只存在于虚幻的光影世界中，越多的美丽色泽和感人画面，越反衬出这种爱的虚拟性质，即便不虚伪，起码也遥不可及；如果身边有爱，那绝不是电影中的样子，在大多数情形下，它呈现的是电影不愿表现的苍白和平庸。
然而，看过电影《人鬼情未了》后，你还是这样认为吗？还记得影片的结尾处吗？当萨姆的灵魂即将升天时，他的原形显现了，“萨姆！”莫莉含泪呼唤着她的爱人，现在她能够如此真切地看见萨姆了。这是上天的美意，是他们生死不渝的爱情感动了上天。萨姆深情地亲吻着莫莉，现在的他不再怯于表白自己的爱了，他终于说出了“我爱你”，然后他的肉体毁灭，灵魂飞升，升入一片光体之中……
从自然界的角度来说，刹那的光辉是不能够代表永恒的。然而在寂静的夜晚，在风尘仆仆的望不断的天涯路上，在心灵深处发出的震颤，刹那间便成为了永恒。人鬼情未了，既然人是有灵魂的，那么生生世世的守候，就成为爱人们誓言的延续，人鬼恋情，灵魂之约，那一刻，即使阴阳相隔，缠绵的爱情依然无法阻断。
《人鬼情未了》体现了爱情的最高境界，男女双方深情相恋，但一转眼却又生死两茫茫。片中的超现实的爱情故事并不罕见，可是从没有哪部同类影片拍得如此情深意切、让人回味无穷。爱情的温馨气氛完全驱散了人们对幽灵的恐怖，让人感觉到的惟有超越生死的柔情。
30.《与狼共舞》(Dances With Wolves)

多元化地展现文化、历史、种族与和平的复杂主题
将写实主义风格与浪漫主义情调融为一体的伟大史诗
世界电影史上一部永垂不朽的西部传奇
出品：1990美国Tig公司/美国Orion公司
导演：凯文·科斯特纳
主演：凯文·科斯特纳/玛丽·麦克道尼尔
荣誉：
第六十三届奥斯卡最佳影片、最佳导演奖等七项大奖/金球奖最佳剧情片、最佳导演、最佳编剧奖/全美电影评论家联合会最佳影片、最佳导演奖/德国柏林国际电影节银熊奖、个人成就特别奖
IMDB： 7.7/10(25302票)

影片概述
《与狼共舞》是凯文·科斯特纳的导演处女作。该片耗资1800万美元，动用了3500头野牛、300匹马、130多名技术人员和400名临时演员，堪称是一部大型的西部史诗巨片，同时，它也是美国电影史上第一部配有印第安语字幕的影片。
在《与狼共舞》的首映式上，科斯特纳邀请了许多印第安人观看影片。3个小时过去了，电影院里掌声雷动，经久不息。在此之前，西部片早已不受重视，甚至有人宣告西部片的时代再也不会到来，而凯文·科斯特纳却以其独特的视角和内涵为《与狼共舞》注入了新鲜而强劲的活力，使之成为世界电影史上一部永垂不朽的西部传奇。
影片成功的真正原因应归结为其深刻的主题内涵。随着二战的结束，人道主义在文学艺术上被提到了相当的地位，历史的反思使战争题材和西部开拓史成为电影的两大主题。《与狼共舞》反映的就是这种极难把握和表现的西部拓进的历史和思考，它提出了民族间应放弃斗争、和平共处的理想，奏起了友爱、平等、和平的旋律。这些艺术上的成功之处最终使影片在奥斯卡奖的角逐中取得了辉煌的胜利。
精彩影评
凯文·科斯特纳不仅是一位才华横溢的电影大师，在生活中他也是一个真正坚持原则的人，他关心和同情身处困境里的努力奋斗的人们，并且乐意帮助他们。就是这样，他才有勇气在西部片不景气的时刻拍出电影《与狼共舞》，他说：“我所要表现的是印第安人在那个时代的遭遇，是一部土著人的历史。”他自信它必然会引起人们的强烈兴趣和关注、支持，果然，他成功了。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《时代》周刊
这部影片在形式上是一部西部片，而在内容上却是一部历史文化片。它展示和颂扬了印第安人的灿烂文化和优秀品质，揭露了白人在西部拓荒过程中对印第安人进行的种族灭绝的血腥罪行，同时通过一个白人背叛自己原有文化的历程，热情讴歌了跨越两种文化的友谊与爱情。总之，它是多元主义文化观在电影界的一次成功折射。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《新闻周刊》
《与狼共舞》以“修正主义”的角度演绎了一段美国印第安人和白人之间可歌可泣的历史故事，影片的历史意义和社会意义值得人们反思。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——影评人　吴立申
剧情介绍
南北战争中的英雄邓巴中尉为了寻找一种新的生活方式，骑着战马西斯科来到了神奇的西部。大草原的壮美深深吸引了邓巴，他决定在无人的哨所中住下。邓巴独自过着平静而单调的生活，这无边无垠的苍天原野仿佛就是他的天堂。他发现总有一只狼在周围出没，但它好像并无恶意，而是好奇地关注着这里的一切。由于它的两腿前端呈乳白色，好像套了一双袜子，于是，邓巴便称它为“双袜”。在这荒野上，双袜和西斯科是邓巴最忠实的伙伴。
有一天，邓巴正在河里惬意地游泳，被一个印第安人——苏族人的巫医“踢鸟”发现了。回到苏族的营地后，踢鸟向部落首领“十熊”报告了看到白人的情形。部落里对于如何对付这位白人反应不一，踢鸟认为此人能单独在此地立足必有某种法术，或许可以通过他与白人达成约定，而勇猛的武士“风中散发”则不愿容忍在自己的土地上看到白人的出现。
邓巴决定主动去找苏族人。在途中，他救起了一位想要自杀的苏族女人“挥拳而立”，她原先也是白人，但自小就失去了亲人并被苏族人收养。在把挥拳而立交还给苏族人之后，邓巴骑马离去。邓巴的来访极大地震动了苏族人，他们一致同意去回访邓巴。就这样，双方开始了缓慢而友好的接触。渐渐地，邓巴成了苏族人的朋友，他还有了一个印第安名字，叫做“与狼共舞”。与此同时，邓巴与挥拳而立之间也产生了真挚的感情。
在凶残的帕尼族人来袭时，邓巴倾其全力，将哨所里的枪支弹药分给了苏族人，帮助他们战胜了仇敌。邓巴再次成为苏族人的英雄，所有的苏族人都很敬慕邓巴，他们祝福邓巴与挥拳而立的相爱和结合。邓巴深切地认识到了印第安人的朴实、善良和友好，他决定同苏族人一起生活。然而，就在邓巴想要去哨所取回日记本，永远地住到印第安人中间时，他发现那里已经驻扎了一队白人士兵。对方看到印第安人装束的邓巴就开枪射击，爱马西斯科死了，邓巴也成了囚犯。邓巴为印第安人的辩护招来了一再的虐待和毒打，他们认定邓巴是叛徒，并派一队士兵押送邓巴回海斯要塞。苏族人发现了这一情况，他们消灭了押送队，救出了邓巴，双袜也受了伤。
严冬来临了，苏族人在深谷中住了下来。为了不连累苏族朋友，邓巴谢绝了挽留，带着妻子挥拳而立离开了苏族人的村落。１８年后，苏族人被迫与政府签订了协议，放弃了他们世代相传的土地。
电影幕后
一首对美国西进历史的挽歌
西部片曾经在好莱坞甚至世界电影史上都占据着重要地位，它以金戈铁马的豪情和气吞山河的魄力贯穿在美国的电影发展史上，重现了一段又一段的辉煌历史和篇章，产生了一代又一代的英雄人物和英雄事迹。但在80年代后，新好莱坞时代似乎不再青睐西部片，而城市警匪片、太空科幻片等新的类型片，则接过了西部片的题材与手法，争取了年轻一代的观众。
1990年，勇敢的探索者凯文·科斯特纳首次执导并主演的《与狼共舞》在西部片逐步走向衰落的时候取得了辉煌的成功，横扫当年奥斯卡，震惊世界影坛。它不但重新唤起了人们对西部英雄的缅怀和关注，更以一个全新的角度和视点，把旧西部电影中被忽略和丑化的印第安部族作为主要角色，重现了他们不为人知的真实面貌和真挚情感。
影片在银幕上第一次完整地再现了一个世纪前印第安人质朴纯真的生活，对美国政府犯下的灭绝种族、毁灭印第安文化的罪恶进行了大胆的揭露，对好莱坞西部片的叙事主题进行了革命性的冲击，科斯特纳抛弃了西部片的怀旧色彩，全片张扬着一种全新的自我意识，使西部片在好莱坞重振雄风。
在接近4个小时的激情演绎中，凯文·科斯特纳表现出令人敬佩的专业操守和专业水准，他不但在影片的取材上大胆颠覆以往白人至上的西部电影传统，更通过写实主义的手法彻底打破了种族界限，以平等的角度对少数民族进行客观的描述和评价，对淳良质朴、勤劳勇敢等传统美德进行了赞美，并对和平共处、友爱互助等民族相处之道给予了肯定和支持，使充满浪漫主义的跨种族爱情故事感人肺腑、意义深远。影片中甚至对西部开拓的历史在一定程度上提出了疑问，对野蛮的战争和争斗进行了控诉。《与狼共舞》所表现出来的进步思想和深刻内涵不但得到主流社会的高度评价，在少数部族中，尤其是印第安土著中引起的反应更是空前激烈，凯文·科斯特纳也因而赢得了人们的普遍尊敬。

教师之友网 · 发表于 2011-4-24 22:01:21

47.《搏击俱乐部》（Fight Club）

一则极具颠覆性质的社会生活寓言
一幕以死亡为主题的黑色喜剧
一部具有社会警示作用的电影，兼具强烈的世纪末情绪和浓厚的无政府主义色彩
出品：1999美国二十世纪福克斯影片公司
导演：大卫·芬奇
主演：布拉德·皮特/爱德华·诺顿/海伦娜·邦威·卡特
荣誉：
二十世纪九十年代社会问题片的代表作之一/另类电影的巅峰之作
IMDB： 8.6/10( 124993票 )

影片概述
在影片《搏击俱乐部》里，一批被现代生活方式麻木了内心的人认为自己是失掉了人性和感觉的社会的牺牲品，他们痛恨物欲横流的社会现实，但同时又无能为力，于是他们认为恢复个性观念的惟一方法就是返回到最原始、最野蛮的痛苦和暴力的本能中。对于这些参加“搏击俱乐部”的人来讲，“俱乐部”取代了宗教与疾病治疗团体所起的慰藉寄托与释压作用，搏击是对精力、压抑、无由来的恐惧的发泄，除此之外还可以在集体之内忘却孤独并找回男性尊严，于是他们对搏击表现出了宗教般的狂想……
《搏击俱乐部》既有对现代人精神与心理的真诚关注，又延续了以暴力反抗旧有价值体制束缚的主题。可以说，这是一部揭示“人性本恶”的影片，其中对叛逆和革命的张扬既是一种煽动也是一种警醒，然而让影片具有深层社会意义的是，它揭示黑暗正是为了抵挡黑暗，与以往的社会片相比，影片的主题更开放，更放松，更具有时代感。总之，影片自身所带有的一种不可言传的魔幻性与自我消解意味使它成为一部真正意义上的世纪末的现代启示录。
精彩影评
神秘性无所不在，我们都喜欢那种能够全知全能的感觉，对这种感觉的喜好造就了不少科学家与私家侦探。电影能够像磁铁般吸引人的也就是这种神秘性，不过去探究最终的解答是徒劳无功的，有时我们似乎找到了某些线索，但它马上又会通向另一项待解的秘密……我就是喜爱（在电影中摸索）这种神秘性。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——本片导演　大卫·芬奇
显然电影反映了我们生存的目的，一些好与坏的事情。问题是艺术与生命，两者当中存有象征意义，我们处在暴力之中，不由你逃避。此片并不单讲暴力，不是打人那样简单，它所传达的意思是说那是一种连接，一个方向和一些感觉。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——本片主演　布拉德·皮特
看电影其实就是在黑暗中窥视。大卫·芬奇能够把我们给嘲弄了，说明他很善于把握人的心理。有谁不喜欢走进别人的内心深处呢？影片中所描述的失眠、无聊、精神分裂或者人格分裂为我们了解自己提供了最好的范本，我们能从别人的眼里发现自己正常或者不正常。但尽管受了大卫的嘲弄，在影片结束之时我们仍可大松一口气——毕竟自己还没分裂出去，还过了一把窥视的瘾。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——网友　阿　榕
《搏击俱乐部》中现实的暴力描写以及含糊的叙述方式使评论界对它毁誉参半，但我认为不能因为它表现手段的反叛而否定它主题存在的价值，毕竟，影片中所表现的“人的存在方式”是一个永恒的命题。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——网友　Tysor
剧情介绍
杰克是一个大汽车公司的职员，也是一个充满着中年危机意识的人，他非常憎恨自己的生活和周围的一切，再加上患有严重的失眠症，于是为了自我救治，他突发奇想，决定参加团体咨询会。杰克先是参加了那些绝症患者的相互抚慰团体，他接触到了一个全部由患睾丸癌的人组成的社团，杰克和他们互相抚慰和哭泣，而且上了瘾。
一天，杰克遇到了卖肥皂的商人泰勒，他是一个浑身充满叛逆、残酷和暴烈的行动力量的痞子英雄。刚一见面，泰勒就向杰克提出了一个奇怪的要求，他要杰克痛打自己一顿，在对打中，杰克体会到了搏斗的乐趣，两人因缘际会地成了好友。他们开始创建“搏击俱乐部”：一个让人们不戴护具而徒手搏击，宗旨在于发泄情绪的组织。俱乐部制定了一系列的活动规则：不许向他人谈论俱乐部，只允许两人对打等等。
地下俱乐部开始吸引着越来越多的人，逐渐发展成为一个全国性的地下组织，所有的成员都将泰勒视为教父。泰勒以自己的个性魔力和行动哲学吸引着那些盲从的人，他变得越来越偏激，他让成员们到处滋事打架，到处搞破坏，砸汽车、放火、向顾客的食物中小便……他的行为越来越疯狂。
杰克对于“搏击俱乐部”的现况及泰勒的行为越来越无法忍受，同时，他还惊讶地发现泰勒还组织了一支军队，他要对社会实行更大的报复。杰克决定疏远泰勒，但让他惊讶的是，每到一处，他都被认为是泰勒，并被尊为教父。这让杰克受到了不小的打击，他开始反思自己到底是谁，泰勒是谁。最终他惊恐地发现，原来自己就是“泰勒”，泰勒是“我”的人性中的另一面，“我”和“泰勒”是彼此的影子和幻象。
杰克向警察自首，泰勒也追踪而至，在他们的撕打搏斗中，泰勒手中的枪自然地、魔术一般跑到杰克的手中。杰克无法击中泰勒，于是将枪口对准了自己，可当枪响时，杰克却发现被击中的人变成了泰勒，他化成了一道轻烟。而此时，泰勒事先安排的许多对抗社会的恐怖行为即将开始……
电影幕后
大卫·芬奇的《搏击俱乐部》
《搏击俱乐部》隐喻了社会边缘青年的生活和精神状态。“当搏击结束时，什么也没有解决，不过一切都无所谓，不管怎么样，我们都感到自己被拯救。”电影中的人物就是在这种痛苦和接近死亡的状态中寻找自己的存在目的。
杰克最初混进的是一个睾丸癌幸存者组成的帮助会。这也许并非巧合，而是暗示了在一种空虚的被阉割过的消费主义文化中人的恐惧。无能为力，无法改变现状，是一种癌症，是现代生活中的癌症。面对现实时的虚弱感是致命的，对生命的空虚感是一种普遍的虚无，其中蕴藏着深深的绝望。虚无使人痛苦，使人希望借各种方式找回存在的真实感。于是搏击俱乐部的成员选择了一种与众不同的生活方式，这种方式的哲学就是：如果不能结束或缓解这种痛苦，那就让它来得更猛烈、更极端、更直接一些，将精神上的痛苦转为肉体上的直接痛苦，将痛苦承受的中心由大脑和精神转移向肉体。
在搏击俱乐部的初期阶段，暴力还不是毁灭性的力量，如果说它毁灭了什么的话，就是在打斗的时候毁灭了每个人那种虚无缥缈的不真实感，毁灭了虚无带来的痛苦，代之以肉体痛苦的快感。这些博击俱乐部的成员们此时有些像集体修炼的苦行僧，通过一次次肉体的痛苦修行，使他们对肉体痛苦的信仰更加坚定。
搏击俱乐部更像一个医院，而暴力是药，搏击是精神疗法。更确切地说，暴力是兴奋剂，它与吸毒的作用是一样的。它们都是用幻觉和模拟的体验使人逃避现实。这种相互分享并且上了瘾的暴力，终将蜕变扭曲。上瘾就意味着被自己之外的东西、被自己的欲望和要求所控制，成为它们的奴隶，就意味着生活的自主权被阉割。现代人的精神悲剧就是，当他们自我搏斗、脱离了一种精神上的奴役的时候，不知不觉又进入了另一种奴役；他们期待一种精神毒品使他们脱离自身的麻痹，不幸的是，这种精神毒品使他们更加麻痹了。
当泰勒的理想慢慢成为现实，整个世界都在宣泄，都在革命。可是在人们找寻自然本色的过程中，随着欲望的不断成长，搏击俱乐部成了不可思议的暴力组织并且走向了不可遏制的深渊。当人的暴力本能和欲望本能被唤醒的时候，没有什么能阻止这个精神怪兽。搏击俱乐部本身是对暴力本能的歌颂，也是对暴力本能的诅咒，因而这场所谓的“革命”最终也只能以妥协告终，毁灭并没有给他们带来新生。
48.《黑暗中的舞者》（Dancer in the dark）

一部别出心裁且唯美感性的歌舞片，具有深渊一样的穿透力
一部同现实激烈碰撞的质朴而伟大的音乐剧
一首关于执着和信念的赞美诗
出品：2000丹麦
导演：拉尔斯·冯·特里厄
主演：比约克/凯瑟琳·德诺芙/戴维·莫尔斯
荣誉：
第五十三届戛纳电影节最佳影片金棕榈奖、最佳女演员奖第十三届欧洲电影奖最佳影片奖、最佳女演员奖
IMDB： 7.8/10( 13384票 )　

影片概述
《黑暗中的舞者》是丹麦杰出导演拉尔斯继《破浪而出》、《白痴》后的“良心三部曲”的最后一部。据说拍摄这三部曲的灵感，来自一则他最喜欢的童话故事：一个小女孩去森林中游玩，她手里有面包，口袋里有玩具，但一路上她愉快地把所有的东西一件件给予周围的人，最后她什么也没剩下，一贫如洗。可她说：“我一切都会顺心如意，一切都将完好如初。”拉尔斯以这个自我牺牲奉献的角色当范本，塑造了《黑暗中的舞者》里坚强而乐观的塞尔玛的形象。影片上演了一幕属于美国60年代的悲剧，或许只有在这个时代才会发生种种的不公平和无知，塞尔玛如同战场上的孩子，左躲右闪着每天的不幸，但生活并没有因为她的善良而出现奇迹，黑暗的世界最终埋没了她倔强的身姿。
这是一部赚人眼泪的歌舞片，在拉尔斯的眼中，世界同舞蹈与音乐是一体的，在轰鸣的机器节奏中起舞，在火车的奔驰中起舞，在庄严的法庭中起舞，在无情的断头台上起舞……起舞是自由的符号，是对命运压迫的反抗，正像它的电影海报中向人们诉说的那样：在这个世界的阴影里，她凭着舞蹈找到了冥冥中的生命之光。
精彩影评
《黑暗中的舞者》是一部别出心裁且唯美感性的歌舞片，有一点浪漫，也有一点灰色，但是却充满力量。它向100多年来经典电影里所有爱的深处走去，既有琉璃的色彩，又有深渊一样的穿透力。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——法国著名影评人　拉尔夫·里舍
有着“冰岛女神”美誉的歌手比约克在影片中的表演令人感叹，虽然她此前从未出演过电影，但我们还是被她的演技所折服。她的音乐向来轻灵任性，像一座现代派的艺术冰雕，乍听之下有些随意妄为，再听就发现韵味无穷自然天成，加上她举世无双的“鬼声”，无法不独树一帜、鹤立鸡群。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——第53届戛纳电影节评委会
《黑暗中的舞者》和我们以往看过的影片并不一样，它是一部绝美的音乐片，它带给了人们无法言传的力量——无法掌握自己命运的小人物在纷乱的世界里跌跌撞撞，但却坚持着不让自己倒下去——这类主题始终具有高度风格化的凌空翱翔的意味。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——好莱坞著名影评人　詹姆斯·霍克
《黑暗中的舞者》是一部不可思议的电影，它的情节简单却能够在狠狠撕破你心灵厚茧的同时让你对电影的固有看法一扫而空。它是那种所谓的“另类”，从头到脚都是。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——影评人　刘　勇
剧情介绍
影片展现了20世纪60年代美国华盛顿底层社会的一面。塞尔玛是来自捷克的移民，是一个单亲母亲，她在一个乡村工厂工作，靠着一点点微薄的工资和她的小儿子吉恩艰难度日。塞尔玛有一个令她心痛的秘密：由于遗传因素，她的视力正慢慢地衰退，只能靠着高度近视镜才能维持微弱的视力，她发现儿子吉恩也有同样的疾病，如果她不能挣到足够的钱支付动手术的费用，吉恩也难以逃脱变瞎的命运。为了给儿子凑钱动手术，塞尔玛开始日夜不停地加班，将辛苦赚来的每分每毫都装在一个小铁皮盒里。
尽管现实是如此残酷，塞尔玛还是有自己的消遣方式——她的精神支柱是对音乐的激情，特别是对充满着歌唱、舞蹈的好莱坞音乐剧感兴趣。在工厂的歌舞团里，塞尔玛经常和工友们排练《音乐之声》，她把自己想像成剧中的主角，以此给予自己疲惫的心灵以抚慰，并自我沉醉。同时，她还有两个很好的朋友——车间里的女工头凯茜和暗恋她的司机杰夫，有这些好心人关爱她，即使生活困苦，塞尔玛也觉得其乐融融。
塞尔玛的房东比尔是个警察，他有个整日无所事事却又崇尚享乐的妻子，她把家里的财产全挥霍光了。比尔破产了，但他很爱妻子，没有勇气把真相告诉她，更没有勇气自杀。他知道塞尔玛有一些积蓄，于是找到了她，向她诉说现实的压力与内心的窘迫。善良的塞尔玛体谅比尔的难堪，并告诉他自己业已失明并一直在为儿子存钱的秘密。无意间，比尔发现了塞尔玛装钱的铁皮盒子……
由于视力的不断下降，塞尔玛在工作中出现了失误，尽管凯茜百般为她说情，她还是被工厂解雇了。没了工作的塞尔玛非常痛苦，她又发现自己辛辛苦苦攒下来的钱被偷走了，她想到刚刚向她借过钱的比尔，于是去找他。比尔承认自己拿了塞尔玛的钱，在争执中，比尔绝望地掏出*****，要塞尔玛帮助自己结束生命，并恳求塞尔玛为自己保住秘密，塞尔玛扣动了扳机。
警察在工厂的歌舞团里逮捕了塞尔玛，这时她已经用那笔钱为吉恩交了手术费。在法庭上，为了维护死去的比尔的尊严，塞尔玛没有说出实情，同时她谎称把钱寄给了父亲洛维，实际上塞尔玛并不认识他，他只是一个塞尔玛所崇拜的音乐剧明星。洛维被请到法庭上来作证，塞尔玛无话可说了。不幸的塞尔玛被判处绞刑，但当她得知吉恩做了手术后，她已经了无牵挂，临刑之前她也没忘记放声歌唱。
电影幕后
关于生命的执着与信念
就故事本身而言，《黑暗中的舞者》并不具备离奇的情节，不过是社会底层的人们基于某种时空的巧合遭遇的种种幸与不幸。但这个单薄的故事却足以撕破现代人心灵的厚茧，让你不得不佩服导演“讲述”的能力——他在简单中包含了人类最普遍的情感与最温柔的情怀，感人至深，催人泪下。
塞尔玛是一个坚强的女性形象，她有条不紊地经营着自己的生活，为儿子攒钱，精心地藏钱，联系医生，一切都是为了儿子。当苦涩艰难的日子降临时，她的脸上呈现出的是一如既往的似笑非笑的安详神态，平凡的她总是那样安然地面对生活。但残酷的命运似乎连这一点点安宁都不给她，从口袋里预先写下的视力表，从上下班放弃骑自行车而沿着铁轨步行，都可以得知她的眼疾在不断恶化。从凯茜的手指在她的手掌上模拟电影中舞蹈演员的舞步，从社区导演力排众议让她扮演音乐剧中的女主角，都可以看到他人眼里柔弱的塞尔玛。从杰夫在茫茫大雪中为她寻找洗冤的证据，从凯茜在法庭判刑后仍坚信她的清白，可以明白她的善良。
即使在被判绞刑的法庭上，塞尔玛也没有说出事实的真相为自己辩护，她依旧信守与比尔共同许下的“沉默是金”的诺言。在完成给儿子治病的夙愿之后，塞尔玛选择放弃自己的生命捍卫死去的比尔的尊严。面对死亡时，她也会因害怕哭得一塌糊涂，哭得异常丑陋。当有可能洗脱罪名但要以儿子的眼科手术为代价时，她还是固执地让人绞死了。当纯真与粗鄙的生活遭遇时，总是特别容易破碎。
黑暗（暗指生活）、舞蹈（暗指理想）的对立统一是整部电影的主题，导演在其中呈现了真实和虚假的碰撞、人情味和抽象的碰撞、真情实感和虚情假意的碰撞。塞尔玛一直纯真地活在自己臆造的音乐剧世界里，在那里她是踢踏舞大师的女儿，裙裾飞扬，歌声欢畅。在音乐剧的奇妙世界里她忘却现实生活中工作的劳顿、失业的痛苦、法庭上的羞辱、监狱中的孤寂、临刑前的恐惧，在音乐中她化解了一切现实中的磨难，享受着自己的理想世界。甚至在电影的最后一幕，塞尔玛套着绳索被绑在绞刑支架上时，当知道儿子手术成功时她摆脱恐惧再一次高歌：“我从不孤单，这不是最后一首歌……”当歌声戛然而止时，生命如风飘逝。
影片着重突出的是一种纪实的风格，它潜移默化地向人们诉说着人生就是如此，平实而凄惨，没有一丝暴躁黑色的影像风格，却足以令观者动容。
《黑暗中的舞者》的片头出现的不是片名而是一幅长达3分多钟的“画布”，白色的画布中点点斑驳跃然其上，悠悠长号悄然响起，当观众还在依着画面的情景想像这画是什么时，色彩渐渐地变了，画中的形态也变了。从茫茫雪原上萌发的点点绿意，到变形的眼镜，阳光下的水面上金色的波纹，玫瑰的花瓣，黄色的向日葵，白雪皑皑的山峦，路边飘落的黄叶……其实它一直都在变，你发现了也好，没发现也好，它不停地变化着，几乎所有的色彩都在这一画布上出现过。如同我们的生活，一切都在不停地变化着，计划中的与预料之外的，微不足道的与扭转乾坤的，不关痛痒的与生死攸关的……都在一刻不停地发生着。不管你接受还是拒绝，欢迎还是规避，一切都有可能发生，一切都有机会出现。也许会有人认为在无尽的黑夜里等待虚幻的黎明本就没有任何意义，但这就是人类关于生命的执着和立于生活的信念。
49.《千与千寻》（Sen to Chihiro no kamikakushi）

自我救赎的英雄史诗
重新审视人类生命力的力作
在人与自然的对决中探寻世人活着的力量和理由
出品：2001 日本宫崎骏动画
导演：宫崎骏
主演：劳恩·霍利/约翰·雷森博格/大卫·奥登·斯蒂尔斯/迈克尔·奇克里斯
荣誉：
第七十五届奥斯卡最佳动画片奖/第五十二届柏林电影节金熊奖/国际动画电影协会动画片大奖/第二十一届香港电影金像奖最佳亚洲电影奖
IMDB： 8.6/10( 28444票 )

影片概述
《千与千寻》是日本著名动画大师宫崎骏献给曾经有过10岁和即将进入10岁的观众的一部影片，它以现代的日本社会作为舞台，讲述了10岁的小女孩千寻为了拯救双亲，在神灵世界中经历了友爱、成长、修行的冒险过程后，终于回到了人类世界的故事。
佛教说，入世的生活是物质的、感情的、人群的生活，《千与千寻》正是借由小女孩千寻的经历，在积极探索一条入世的道路。千寻由一个物质世界跌入一个对于她来说全然陌生和充满着困境的神灵的世界，“回归”将是一切努力的终极目标，取胜的魔法只有一句话——“为了他人而做一件事”，不屈的千寻最终发现了自身存在的意义，她于是努力以成长的主题去实现自己对世界的怀疑与期待。“在万物重生的早晨，来到静寂无声的窗前，一切归零之后渐渐充实，不再去追寻海的彼岸，耀眼的宝物一直就在这里，在我身上就可以发现。”
宫崎骏没有迪斯尼那么花哨，他甚至有些落伍，直到现在，他还坚持用手工绘画而不是电脑绘图来完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者说是一部电影，用什么去打动别人，这就是人文。所以，宫崎骏笔下的形象是一个个人，而不是一个个没有知觉的卡通。
精彩影评
电影的力量在于动人，卡通的力量在于纯真，宫崎骏掌握了这些力量，他取得了理所当然的胜利。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《新闻晚报》
这是一个没有武器和超能力打斗的冒险故事，它描述的不是正义和邪恶的斗争，而是在善恶交错的社会里如何生存。学习人类的友爱，发挥人本身的智慧，最终千寻回到了人类社会，但这并非因为她彻底打败了恶势力，而是由于她挖掘出了自身蕴涵的生命力的缘故。现在的日本社会越来越暧昧，好恶难辨，用动画世界里的人物来讲述生活的理由和力量，这就是我制作电影时所考虑的。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——本片导演　宫崎骏
《哈利·波特》和《千与千寻》都是很流行的幻想文学作品，都很受欢迎，但从想像力这点来看，前者不如后者。日本漫画家宫崎骏的《千与千寻》非常好，把孩童时期的想像力都发挥出来了。如果比较两部作品，可用搭积木来做比，有一堆各色的积木，《哈利·波特》很好地使用这些积木搭了一座非常好的建筑物，而《千与千寻》的独特之处在于，它创造了另一套积木。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——评论人　杨　鹏
剧情介绍
10岁的小女孩千寻和父母一起在森林里迷了路，走过了一条神秘的隧道之后进入了一个小镇。奇怪的是整个镇子里一个人也没有，千寻的父母看到有一处店铺里存放着大量新鲜的食物，按捺不住诱惑便疯狂地吃了起来。千寻却感觉这里令她很不安，看到父母只顾着吃，她只得自己到别处转悠转悠。　
天色渐暗，千寻忽然看到镇子里有很多幽灵和妖怪出现，吓得赶紧去找她的父母，谁知她看到父母竟然因为贪婪而变成了猪。无助的千寻只能逃跑，可她惊奇地发现自己的身体竟开始变成透明，就快要消失了。
这时，少年白龙出现了，他救了千寻，并告诉她这个镇子是精灵栖息的世界，人类是不许进入的。一旦人类不幸进来了，想要生存下去必须遵守两个条件：第一条是要为掌管镇中大浴场的魔女汤婆婆工作；第二条是要被她剥夺名字。少年告诉她自己曾经叫白龙，如今被称为白。千寻也被夺去一字，叫做千。
为了不被变成动物，孤独的千在大浴场里拼命地工作，在这里，她还认识了很多朋友：指导她工作的小玲、负责煲洗澡水的锅炉爷爷、煤炭屎鬼、入侵浴场捣乱的无颜以及各式各样的客人等，每日都遇上超乎想像的奇幻事情，令她对生活有很多新体验。
一天，千发现一条受了重伤的小白龙，并发现它其实是少年白龙的化身。因为他受汤婆婆的指使，偷了汤婆婆的死对头兼孪生姐姐钱婆婆的宝物而遭钱婆婆追杀。钱婆婆为此还一气之下把汤婆婆宠爱的孩子和仆人变成了小白鼠和小鸟。为了救白龙，千与汤婆婆进行了一项交易，她帮汤婆婆救回儿子，并要求汤婆婆把她的父母变回人类。汤婆婆答应后，千便拿着白龙偷来的宝物去找钱婆婆，并归还了宝物，白龙也向钱婆婆道了歉。实际上，钱婆婆远不像想像中那么可怕，反倒是个通情达理的老太太，所以一切都很顺利。　
最后，汤婆婆终于放千寻和她的父母离开小镇，回到人类世界。千寻的父母全然忘了小镇的事情，而千寻却还若有所思地回过头去，看着身后，回想着不久前那些惊险离奇的事情……
电影幕后
与宫崎骏共话《千与千寻》
《千与千寻》是动画大师宫崎骏的又一次巨大的成功，它不但创下日本国内票房的最高纪录，而且还在柏林电影节上获得了最高荣誉，据说本片在美国上映后同样引来一片赞赏声，更是取得了史无前例的强劲口碑，许多人惊呼：“迪斯尼拜倒在宫崎骏的脚下！”据全美各种统计，《千与千寻》成为美国历史上首部获得全美影评100％赞好的电影。这一切不仅是对宫崎骏的肯定，也是对动画片地位的肯定。
以下是对宫崎骏的访谈，它可以让我们进入宫崎骏大师的内心世界，更深入地了解他的创作和心路历程。
问：这部电影的创作是什么时候开始的？何以会想到创作这样一部动画片？
宫崎骏：《千与千寻》是我为5位小朋友而创作的。这５位小朋友是我朋友的女儿，都在10岁左右，每逢夏季，她们都会到我山边的小屋来。有时我想，我们制作过不少关于小孩子的电影，却没有一出是为10岁女孩而制作的，大概也该为她们做点什么吧。
问：你怎么去了解10岁女孩喜欢些什么呢？
宫崎骏：为了创作这样一个故事，我看过好些时下女孩所看的漫画——都是些俗不可耐的浪漫爱情故事。我深信这绝不是一个10岁女孩所渴求的。难道我们就不能创作一些能引起她们共鸣的故事吗？
问：能够引发这么多人的喜爱和共鸣，《千与千寻》有什么特别之处呢？
宫崎骏：《千与千寻》有别于其他故事，也有别于我过往的创作。以往，我笔下的主角都是我所喜爱的，但这次我刻意将千寻塑造成一个平凡的人物，一个毫不起眼的日本女孩。我要让每个１０岁的女孩都从千寻那儿看到自己，她不是一个漂亮的可人儿，也没有特别之处，而她那怯懦的性格和没精打采的神态，甚至会惹人生厌。最初创造这个角色时，我还真有点替她担心呢；但到故事将近完结时，我却深信她会成为一个讨人喜欢的角色。
问：你想通过《千与千寻》表达什么样的想法呢？
宫崎骏：《千与千寻》叙述了千寻的一个生活小片段，讲述她在面对困难时如何逐渐释放自己的潜能，克服困境，这正是我要我那些小朋友学习的。这故事也令人联想到现实社会中，一个初出茅庐的女孩进入一间大机构做事的情形，面对陌生的环境和冷漠的人事，这女孩要付出相当的努力，发掘内在的潜能，克服种种挑战，方可建立一片立足之地。现实世界里的人事是如斯复杂，是非黑白，往往很难界定。
问：你对当今的电影制作有什么看法？
宫崎骏：我们生活在一个“娱乐”泛滥的社会。成年人不断地追求娱乐，以填补心灵的空虚。这同时也反映在孩童身上，过剩的娱乐使他们的知觉淡化了，天赋的创造力减退了。我们的电影创作就是要刺激那麻木了的知觉，唤醒那沉睡了的创造力。在现实生活中，我们总不能为了激发孩子的本能而要他们独自面对种种困难。我相信一出用心制作的电影将是孩子借鉴的好对象。就是这个信念，促使我制作了这出电影。
50.《一一》（YiYi）

世界现状的缩影，充满迷人的奥秘与美感
在冷静观世之余，不乏对人的关怀与尊重
借台北一家人的感情起落讽喻了当今台湾在家与国、传统与现代之间价值观的对抗
出品：2000 WinStar Cinema
导演：杨德昌
主演：吴念真/李凯莉/金燕玲
荣誉：
第五十三届戛纳电影节最佳导演奖/第三十五届全美影评人协会奖最佳影片/《时代》周刊评选的年度十佳影片
IMDB： 7.6/10( 2032票 )

影片概述
《一一》以一种非常细致、有条不紊的步调讲述了一个关于人生的故事，它的题旨是生命，意味着对一生命途的反思。这是一则很普通但很美丽的寓言故事，同时也是一篇高水准的社会学宝典，它以一种温柔的笔触将现代社会日常生活的常态与变调“一一”呈现在观众的眼前。权威的《巴黎世界报》对《一一》相当推崇，赞扬导演杨德昌以社会写真的手法，忠诚地反映了当代社会中个人的喜怒哀乐、七情六欲及无奈孤独，认为影片“以敏锐而温热的镜头进行社会心理分析，为社会百态及人性的枷锁做见证”。
杨德昌以往的电影经常表现一种个人和社会的冲突，以及理想必然破灭的痛苦，而在《一一》里，这种痛苦转变成一种思辨的力量，它反映了一个人从纯真到怀疑再到睿智的过程，正如他所说的那样：“这部电影讲的就是生命，描述生命跨越的各个阶段，身为作者，我认为一切复杂的情节，说到底都是简单的。”或许这也是杨德昌自己心路历程的一种写照。
精彩影评
我认为这部电影是一位大师完全掌握支配他的艺术资源的杰出作品，我泪眼模糊地看着片尾字幕，挣扎着去形容那股深深感动我、又扯碎我的力量。是哀伤？喜悦？欢乐？是的，我想都是。不过最大的感受是感激。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——《纽约时报》影评人　 A·O·斯科特
《一一》是一部很有深度的难得的好片，它展现了人的生命中蓝色的一面，虽然它描写的是一个中国家庭及周遭所发生的事，但它精确地掌握着每一个镜头，把所有人物的每一件事都处理得恰到好处，故事情节简单，内涵深远，美不胜收，没有说教，但已赤裸裸地呈现出中国人的人生哲理。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——法国宗教报纸《十字架报》
这部影片充满着生命力，它所叙述的现代中国家庭所存在的冲突显示了“传统思想”与“台湾超现代”之间的互动关系。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——法国《世界报》
《一一》里每个人物的境遇不论是专注、关爱、矛盾、冲突，抑或忧伤、喜悦、痴情、梦想，都是一首首生命的诗篇，咏颂生命的每一个音节。这个“生命的诗篇”虽然发生在台湾一个普通的家庭中，其实也是放诸四海而皆准的。
　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　——法国著名影评人　培尼赫
剧情介绍
在台北市住着一户中等阶层的家庭：丈夫简南俊，妻子敏敏，大女儿婷婷和年仅10岁的小儿子杨杨，他们和敏敏的母亲共同生活着。在敏敏的兄弟阿迪的婚礼中发生了一系列的麻烦事，先是阿迪的旧情人云云在阿迪与小燕的婚礼上大吵大闹，而后在电梯口，简南俊与自己30年前的旧情人谢里相遇，接着是婆婆在和婷婷一同回家的路上跌倒而住进了医院……
婆婆因为中风而陷入了昏迷状态，婷婷一直很内疚，认为婆婆的病和自己有关。而在这一系列的打击之下，敏敏的精神几乎崩溃，她开始整天烧香拜佛。医生告诫家人需要每天轮流跟婆婆讲话，以帮助其康复。可每个人面对着沉睡中的老人都张口结舌，最后不得不请护士念报纸来解脱尴尬困境。为寻求精神上的解脱，敏敏上山入宿寺庙了。
新搬来的邻居丽丽和她的男友吵架了，两人分手后，丽丽的男友胖子开始主动和婷婷约会。可婷婷最终发现胖子真正爱的人不是自己，他的内心深处还在爱着丽丽，这一切都让婷婷觉得悲伤。
儿子杨杨受父亲的影响爱上了照相机，他觉得人只能看到一半儿的事情——只能看到前面，看不到后面，于是他开始拍摄人的背面，用儿童单纯而奇特的视角拍摄周围的生活。他在学校总是受教导主任的刁难，他便用自己的手段报复教导主任。
深爱着丽丽的胖子一直关注着她的行动，他误以为丽丽和她的老师有关系，冲动之下杀了那个男人。简南俊借着去日本出差的机会和旧情人谢里重叙旧情，两人虽然彼此知道自己是对方的真爱，却无法从头再来。不久婆婆去世了，敏敏下山回家。生活一如既往。
在婆婆的葬礼上，杨杨念了一段自己写的话送给婆婆：“婆婆，我好想你……我觉得我也老了。”
电影幕后
有趣的都市
《一一》的影片背景主要是台北都市，它以一个普通家庭中各个成员所代表的不同年龄阶段来阐述人的一生中不同的成长历程及种种遭遇，在影片里，小康之家表面上似乎是风平浪静，然而骨子里却是千疮百孔、危机四伏。可以说，杨德昌对于台北都市的触角是敏锐的，他不断地思考着都会里各阶层的人物，以及他们的生活结构，他的影片向来是为了让观众认知台北社会的面貌，在他的镜头下，台北的人物和空间跟时代的脉搏是一起同步跃动的。
在对电影《一一》的访谈中，当记者问道“为什么对都市如此敏感，可否解释一下为什么会倾向于拍摄都市题材的电影”时，杨德昌答道：“创作某个主题一定是出自于兴趣。对我而言，都市生活本身是非常多变而有趣的，我也发现都市这种生活形式其实是人类进化及文明发展的必然后果。都市生活的丰富性、多样性、复杂性是最吸引我的地方。常常有人会感觉到现代社会是非常疏离的，我最近领悟到这样的感觉是和农业社会比较而来的。过去的生活形态是日出而作、日落而息，人与人之间的关系较为单纯友善。我不断思考现代社会中是否可以发展出早期农业社会这种人际关系，然后我发现这并不是不可能的，相反地，都市可以是一个发展更好、更亲密的人际关系的地方，只需要一定空间及时间。城市真的很有趣，即使不成熟，它的丰富性还是很值得探讨的。这就是我为什么会拍一些关于都市的电影，因为那已经是文明社会中一种共同的生活方式了。”

教师之友网 · 发表于 2011-4-24 22:01:50

《女飞行员》拍摄边记

                                 陈材保

   拍电影有场记，他们属于摄制组的编制。当年我在涿州航校当飞机发动机教员，我们为拍摄电影《女飞行员》帮助准备道具和设计了一些情节，至今还有些有趣的记忆，所以写作此文，是为边记。
                        一、演员相当革命化
   那时，工业学大庆，农业学大寨，加了个说法：全国学解放军。可想而知军人们要求自己都比较严格。我们为拍女飞行员的课堂教学，需要搬两台解剖发动机、一些图表和桌椅，送到在机场空地上搭建的“教室”里去。不料有几位轮空的空政文工团的女演员也上了卡车，要帮我们拉东西。
   我们怕伤着演员，发动机起吊和卸车都用吊车，不让她们靠近。她们却主动地帮助装卸图表和桌椅，布置“教室”。
                  二、情节有点公式化
   那时的文艺作品中，工农出身的必定先进，知识分子出身的总是要有点落后。“女飞行员”中有一位从大城市来的学生兵，她有一个学艺术的拖后腿的男朋友。在此前演出的话剧中情节就是如此。
   一天，剧组来了一人，让我设计一小段学生兵帮助工农学员学航空理论的镜头。我自己对学生兵的处境还不清楚吗？所以，我选用了在小黑板上写一条中学物理中的势能加动能等于常数的“公式”，再画一条向上的“筋斗”飞行的轨迹，作为互助的内容。我的想法是不管先进落后，这点内容是中学的教学内容，也是一个飞行员应该学习的知识点。这样的选择当然达不到后来的“马尾巴的功能”的夸张效果，却使我避免了“相煎何太急”的尴尬。
                  三、军服被动“现代化”
   第一批女飞行员那时，空军干部戴的是大檐帽，帽徽是八一五角星带金色的翅膀。《女飞行员》话剧演出和电影开始拍摄时就是这样着装的。但是电影拍到了后半段，一声令下，着装要改成解放帽、红五星、红领章。虽然有一些穿着飞行服的镜头不受影响，还是有很多出现军服的镜头要重拍。室内的镜头重拍好办，机场的镜头草和树都已经发黄了。于是，摄制组又搬到南方，不行还往草树上喷绿色颜料，这就推迟了电影上演的时间。
                  四、计划赶不上变化
   等到电影1966年上演时，政治气候大变化了。话剧演出时，观众欢迎，领导肯定，影响面挺大的。电影却因为未能达到“三突出”的要求，很快销声匿迹，直到四人帮抓起来之后才重见天日。
                  五、希望回归人性化
   电影如此，人何以堪？
   明年三八节，就是第一批女飞行员飞过天安门，接受国家领导人检阅60周年的纪念日了。她们的身体好吗？日子过得怎样？希望有关领导们安排一下，对她们作一些采访和了解。做到一切革命队伍的人，都互相关心、互相爱护、互相帮助。
                                                      2011年4月24日

[教师之友网]诚征专栏作者
http://xnjyw.5d6d.com/thread-32359-1-1.html
此文系公益服务学术网站《教师之友网》特邀专栏作者陈材保先生原创首发稿。转载务请保留作者名/注明出处。

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《女飞行员》拍摄边记 文/陈材保

《女飞行员》拍摄边记文/陈材保